John Page, exdirector de Fender Custom Shop, ha creado una guitarra eléctrica de boutique extremadamente intrincada que rinde homenaje a algunos de los primeros y más destacados guitarristas del mundo.
The Retablo, llamada así por los retablos devocionales que cobraron prominencia en la Edad Media, típicamente reservados para santos y deidades, requirió más de 2350 horas de construcción a lo largo de dos años.
Hoy en día, Page, quien construyó guitarras para Eric Clapton, Pete Townshend y David Gilmour durante sus 20 años en Fender, dirige John Page Guitars, pero esta es mucho más intrincada que sus creaciones habituales.
Dentro de su cuerpo, recubierto de acrílico, se encuentran representaciones extremadamente ornamentadas y sagradas de Rosetta Tharpe, Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Robert Johnson, todos con «caras del tamaño de una moneda de diez centavos». Incluso se iluminan, y el cordal estilo vibrola de la guitarra parece obra de un monje muy hábil.
The Retablo llega con un documental detallado de una hora, donde Page describe su creación paso a paso, pero también puedes ver la gran cantidad de fotos del proceso aquí: link.
“Llevé al límite mis habilidades y conocimientos de diseño e ingeniería”, comenta sobre el incansable proceso de construcción. También estableció algunas reglas estrictas. “Si esta pieza iba a ser un Retablo”, continúa, “decidí que su creación debía estar completamente en mis manos”.
La esposa de Page, quien inconscientemente actuó como musa para la pieza, jugó un papel clave en ese enfoque directo. Dana, colecciona arte religioso, del cual ambos son grandes admiradores. Así que le pidió a Dana que sirviera de modelo mientras ponía a prueba sus habilidades pictóricas, antes de dedicarse a pintar a músicos legendarios.
La guitarra cuenta con un mástil y cuerpo de caoba africana tostada y un diapasón de ébano africano. Además, cuenta con incrustaciones TruStone de nácar y jaspe miel, detalles en oro de 24 quilates en la firma de Page en el clavijero y numerosos guiños a la arquitectura gótica en su espectacular interior.
El clavijero Gotoh M6 personalizado y las cuerdas chapadas en oro también juegan un papel importante, al igual que las numerosas capas de Osmo Polyx-Oil, un acabado satinado de cera dura de origen alemán.
«Para mí, la guitarra era secundaria durante todo el proyecto», explica. Sin embargo, siempre se pretendió que se pudiera tocar, aunque solo fuera con delicadeza y mucho, mucho cuidado. Page añade: «El objetivo es difuminar la línea entre las bellas artes y la artesanía funcional».
Desde el momento en que el rock and roll irrumpió en la escena, un nombre ha estado en el centro de sus momentos más electrizantes: Marshall. Durante generaciones, los amplificadores Marshall han definido el sonido de la guitarra eléctrica, llevando la música a nuevas alturas y moldeando la esencia misma del rock moderno. Desde el imponente blues-rock de Eric Clapton y las interpretaciones incendiarias de Jimi Hendrix hasta los riffs sísmicos de Jimmy Page, Eddie Van Halen y Angus Young, el rugido inconfundible de Marshall ha sido la base de un sonido legendario.
En el corazón de este legado se encuentra el Marshall Plexi, un amplificador tan icónico que se ha mantenido como un referente en sonido desde su lanzamiento en la década de 1960.
Originalmente diseñado para satisfacer la demanda de mayor potencia y volumen, el Plexi comienza con limpios audaces y brillantes en ajustes bajos, pero a medida que se aumenta el volumen, se transforma gradualmente: primero en una mordida rica y saturada y finalmente en la distorsión densa y armónicamente rica que se convirtió en la voz de la guitarra rock. Ya sea el crujido con influencias blues de finales de los 60, la revolución del hard rock de los 70, el shredding de alto octanaje de los 80 o la explosión grunge y alternativa de los 90, el JMP sigue siendo el amplificador por el que se juzgan todos los demás.
Ahora, Synergy y Marshall han unido fuerzas para ofrecerte el tributo definitivo a este legendario amplificador. Combinando la vanguardista tecnología modular patentada de Synergy con el histórico diseño de circuitos de Marshall, este nuevo módulo de preamplificador Synergy JMP ofrece el inconfundible gruñido, la sensibilidad al tacto y la respuesta dinámica de un JMP a todo volumen, a cualquier volumen.
El módulo de preamplificador Marshall JMP cuenta con dos canales, cada uno con controles de Volumen 1, Volumen 2 y Master. Cada canal tiene controles independientes de Graves, Medios y Agudos, además de un interruptor de Brillo para cada volumen.
El módulo JMP cuenta con dos interruptores vintage que permiten elegir entre diferentes modelos JMP clásicos. El modo de los 60 ofrece un sonido JMP más redondo y suave, mientras que el modo de los 70 ofrece una respuesta más ajustada y agresiva, ideal para capturar la evolución del sonido del rock a lo largo de las décadas.
Los dos canales se pueden ajustar para variar el mismo sonido o para alternar entre diferentes ajustes de ritmo y lead. Los controles de Volumen 1 y Volumen 2 funcionan de forma similar a la conmutación de las entradas del Plexi original, lo que permite un control preciso de la estructura de ganancia. Además, los volúmenes maestros de canal independientes permiten ajustar el espectro completo de tonos Marshall Plexi, a cualquier volumen.
En un amplificador tradicional, la sección de preamplificador moldea el sonido y proporciona ganancia, mientras que la etapa de potencia proporciona el volumen, la pegada y la respuesta dinámica que hacen que un amplificador de válvulas se sienta vivo. Para recrear esta experiencia con autenticidad, el módulo JMP incorpora un diseño de «amplificador de potencia de 0 vatios», con inversor de fase y un pequeño transformador. Este innovador enfoque captura fielmente la complejidad armónica y la respuesta dinámica de un amplificador Marshall de alta potencia, ofreciendo el tono rico y la sensación de un amplificador de tamaño completo, todo en un módulo compacto a válvulas.
El módulo Marshall JMP ofrece el tono inconfundible y la respuesta dinámica de uno de los amplificadores más legendarios de Marshall. Diseñado para recrear la potencia bruta y la complejidad armónica del JMP original sin volumen maestro, este módulo cuenta con dos canales idénticos e independientes, lo que permite ajustar desde limpios potentes y articulados hasta crunch rico y saturado y distorsión abrasadora.
El ecualizador independiente de tres bandas (Graves, Medios, Agudos) ofrece la modelación de tono interactiva del JMP original, mientras que el Volumen 1 representa la entrada más brillante y el Volumen 2 la entrada «Normal», más oscura. Estos controles funcionan en conjunto para crear el sonido Marshall perfecto, con volúmenes maestros independientes en cada canal para equilibrar con precisión los niveles.
Los interruptores Bright (cuatro en total) permiten ajustar la tapa de brillo en cada control de volumen. En resumen, la tapa de brillo en un Marshall JMP influye en la cantidad de frecuencias agudas que pasan por el control de volumen, lo que hace que el sonido sea más brillante y agresivo. En un JMP tradicional, este ajuste requeriría un técnico de amplificadores, pero el módulo JMP permite personalizar el brillo de los controles Vol 1 y Vol 2. Al fusionar los dos canales, se puede combinar el brillo del Volume 1 con la calidez del Volume 2 para lograr el equilibrio perfecto entre ataque y grosor.
The Who no necesita presentación. Simon Law, técnico del guitarrista Pete Townshend nos muestran el equipo en el que confía el famoso rockero británico para sus conciertos de despedida, celebrando así sus más de 60 años juntos.
Esta es la guitarra número uno de Townshend en esta gira de fin de año. Originalmente una Eric Clapton Signature Stratocaster (se le ha quitado el sello distintivo del clavijero), Law afirma que el cuerpo y el mástil se han cambiado 10 veces y se le han instalado trastes más grandes. Los ajustes preferidos de Townshend están marcados en la guitarra y en los mandos.
Otras modificaciones incluyen un puente piezoeléctrico con control de volumen independiente, una salida estéreo y un mezclador para mezclar la señal piezoeléctrica con las pastillas, que son modelos Fender Noiseless. También tiene clavijas de bloqueo y el circuito Clapton mid-boost, pero quizás lo más interesante de todo es un pequeño trozo de papel de lija pegado en paralelo detrás del puente, utilizado por Townshend para raspar los bordes de sus púas.
Esta Strat negra sale para canciones en afinación en mi bemol.
Esta Strat de trastes delgados está equipada con pastillas P-90 en el puente y el mástil, pero la pastilla del mástil es puramente cosmética: no está cableada y se usa como killswitch.
Townshend lleva usando guitarras Gibson J-200 desde siempre, y este modelo de los 90 cuenta con un sistema Fishman Ellipse y un piezoeléctrico bajo el puente. Su afinación es estándar, mientras que el modelo Signature de repuesto tiene una configuración de Re-Sol-Re-Sol-Si-Do con cuerdas D’Addario (0,012-0,056), mientras que el hacha principal tiene cuerdas D’Addario de 0,012-0,053.
Townshend ha confiado en los Fender Vibro-King desde los 90, y este ha sido equipado con nuevos condensadores de filtro, altavoces, potenciómetros y válvulas. Law señala que es complicado de ajustar, pero siempre suena de maravilla. Normalmente, Townshend usa una caja acústica 2×12 junto a él, pero el deseo de mayor control los llevó a encargar a George Alessandro la construcción de una réplica del Fender Bandmaster, con una configuración 2×12.
Las guitarras de Pete se conectan a una caja Pete Cornish AC Powered 3 Way Split, y luego a una pedalera Cornish hecha a medida. Dentro hay solo tres circuitos, extraídos de sus cajas y cableados por Cornish: un T-Rex Effects Replica, un Boss OD-1 y un Demeter Compulator. El predecesor de Simon Law, Alan Rogan, técnico de Townshend de toda la vida, encargó a Cornish construir dos de estos; el repuesto queda a mano en caso de emergencia. La pedalera también está equipada con una fuente de alimentación y un circuito de búfer de primera categoría, además de los elegantes botones de pedal estilo «Dr. Who».
El legendario MTV Unplugged de Eric Clapton de 1992 está considerado como uno de los sets en vivo más icónicos de todos los tiempos. En su momento, impulsó el resurgimiento de las guitarras acústicas e incluso inspiró a Martin a crear un modelo exclusivo para Slowhand: la 000-42EC de 1995.
Ahora, tres décadas después de aquel primer lanzamiento exclusivo, Martin y Eric Clapton presentan dos modelos especiales de aniversario: la 000-42EC 30th Anniversary y la 000-EC 30th Anniversary, para celebrar 30 años de colaboración.
Las guitarras acústicas Clapton han demostrado ser algunas de las guitarras exclusivas de Martin más codiciadas a lo largo de los años, y para satisfacer al público general, Martin ofrece un modelo tributo inspirado en la 000-42 de 1939 que se tocó durante el MTV Unplugged, así como una versión mucho más discreta.
Martin 000-42EC 30th Anniversary
Inspirada en la 000-42 Clapton de 1939, ofrece tonos ricos de inspiración vintage gracias a su combinación de tapa maciza de abeto Adirondack con tono antiguo y fondo y aros macizos de palosanto guatemalteco.
La guitarra rebosa evocaciones de la preguerra, gracias al varetaje en X de abeto Adirondack, inspirado en la época dorada, que potencia la resonancia y la proyección, y a una forma de mástil acorde con la época. Martin afirma que su ancho de cejuela de 1 11/16″ proporciona una sensación cómoda de preguerra.
Estéticamente, las incrustaciones de copos de nieve estilo 42, los clavijeros Waverly de engranajes abiertos y un acabado brillante vintage garantizan que su estilo de preguerra también luzca perfecto.
Solo se fabricarán 300 unidades de estos modelos. Cada uno incluye una etiqueta firmada a mano por Clapton, un certificado de autenticidad impreso y un estuche Harptone bordado de primera calidad con una cubierta a juego, exclusivo para esta edición conmemorativa ($10.999).
Un modelo tan desenfrenado no es para todos, y la discreta, pero con el sonido característico de Clapton, la 000-EC 30th Anniversary, es ideal para quienes comparten esa filosofía.
En esta ocasión, una tapa de abeto macizo y un fondo y aros de palosanto de la India Oriental macizo se combinan para lograr un sonido equilibrado y resonante, manteniendo el mismo mástil de preguerra.
También cuenta con una tapa con ribete de espiga y un acabado blanco antiguo, binding y las mismas incrustaciones refinadas de copos de nieve estilo 42 que su hermana. También se incluyen todos los adornos de caja ($4.999).
«La legendaria actuación de Eric en el MTV Unplugged de 1992 desencadenó un resurgimiento de la música acústica», afirma Martin. «Durante las últimas tres décadas, la colaboración de Clapton con Martin ha dado lugar a algunas de las guitarras signature más codiciadas de la historia de la compañía».
La Martin 000-42EC 30th Anniversary está disponible por 10.999 dólares, mientras que la 000-EC 20th Anniversary te ahorra unos céntimos a 4.999 dólares.
Provogue lanzará «Gary Moore Live – From Baloise Session» el 23 de mayo. El álbum se lanzará en CD/Blu-ray, 2LP azul y también en marble yellow flame (exclusiva web), además de estar disponible digitalmente.
No lo sabíamos entonces, pero cuando Moore subió al escenario para la Baloise Session el 13 de noviembre de 2008, faltaban menos de tres años para su prematura muerte a los 58 años. Sin embargo, esta actuación tan especial, grabada para la «Live – From Baloise Session», nos recuerda que el guitarrista tocó con una destreza insuperable y un alma desbordante, hasta el final.
Es difícil imaginar una mejor muestra del talento de Moore que la Baloise Session. Lejos del barro y la mezcolanza de un festival tradicional, el evento celebrado en Basilea, Suiza (antes conocido com AVO Session), es un encuentro íntimo con artistas de primera línea, donde los amantes de la música más exigentes se sientan en mesas iluminadas, inspiradas en los antiguos clubes nocturnos de Nueva York, disfrutando de la música sin distracciones.
Desde Ray Charles y James Brown hasta Elton John y Eric Clapton, una invitación a la Baloise Session es el sello de un gran músico de todos los tiempos, y sin duda Moore se encuentra entre ellos.
Gary Moore, a toda máquina, fue simplemente el mayor espectáculo del rock and roll. Desde sus años de formación en las tablas a finales de los 60 en Dublín con Skid Row, pasando por sus virguerías de los 70 con Thin Lizzy, hasta una carrera en solitario en constante evolución que reescribió el blues, el rock, el metal y más, el irlandés afrontó cada concierto como si fuera el primero y el último, dejando atrás su venerada reputación y ganándose de nuevo su lugar entre los grandes.
Un solo setlist nunca podría abarcarlo todo. «Live From Baloise Session», sin embargo, es una condensación apretada y resumida de todo lo que convirtió a Moore en el maestro del blues, alcanzando todos los estándares que se esperan de un concierto en directo de finales de la década de este artista inmortal.
Sin alardes ni fanfarrias, el líder de la banda, sale de los escenarios, conecta su Les Paul a dos Marshall y arranca «Oh, Pretty Woman» (la ardiente versión de Albert King que fue uno de los momentos culminantes de «Still Got The Blues»). Como declaración de intenciones, es punzante, y mientras Moore suaviza y estrangula su primer solo de la noche, recuerdas la sabia observación de Joe Bonamassa: «la forma en que Gary abordaba los solos era como poner un ladrillo en el acelerador de un coche: el ladrillo caía, ¡y él no paraba!».
Con una Gibson ES335, Moore se lanza entonces a su propio «Since I Met You Baby» (un ritmo con ritmo de «After Hours» de 1992, cuya versión de estudio contó con la participación de B.B. King).
Esta clásica interpretación de Baloise Session sirve como recordatorio de todo lo que el irlandés hizo en vida para dejar su amado género en óptimas condiciones. Artistas como Gary Moore ya no volverán, pero mientras su música inmortal suene, él sigue entre nosotros, con su poder intacto.
Tracklist de «Gary More Live – From Baloise Session»:
01. Oh, Pretty Woman 02. Since I Met You Baby 03. Thirty Days (To Come Back Home) 04. I Love You More Than You’ll Ever Know 05. Don’t Believe A Word 06. Still Got The Blues 07. Walking By Myself 08. The Blues Is Alright
Christie’s tiene el honor de presentar Jeff Beck: The Guitar Collection, una subasta en vivo que se celebrará el 22 de enero de 2025 en Londres, para rendir homenaje al máximo héroe de la guitarra de los guitarristas. Esta subasta única, que abarca su carrera de casi seis décadas, desde que se unió a los Yardbirds en 1965 hasta su última gira en 2022, presenta más de 130 guitarras, amplificadores, pedales, estuches y «herramientas del oficio» utilizadas por la gran leyenda de la guitarra Jeff Beck (1944-2023).
Artista ganador de varios premios Grammy y dos veces incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll, su sonido inimitable lo llevó a colaborar con innumerables músicos y amigos de renombre internacional, entre ellos: Jimmy Page, Jimi Hendrix, Ronnie Wood, Rod Stewart, Stevie Wonder, Steven Tyler, Joe Perry, Billy Gibbons, Jan Hammer, Eric Clapton, David Gilmour, Tina Turner, Nile Rodgers, Mick Jagger, BB King, Buddy Guy, Carlos Santana, Imelda May y Johnny Depp, entre muchos otros.
Desde el principio, Jeff Beck fue un innovador sonoro; un virtuoso inconformista y voluble que abrió el camino para géneros musicales tan diversos como la psicodelia, el heavy metal y la fusión jazz-rock, y que abrazó una amplia gama de influencias, desde el blues, el rockabilly y el rock ‘n’ roll hasta la música sitar india, el folk búlgaro, el techno y la ópera. Jeff, un maestro en su oficio, podía crear prácticamente cualquier sonido con una guitarra y un amplificador. Su estilo de tocar era indefinible y parte de su magia residía en el equilibrio entre la fluidez y la agresividad de su forma de tocar y su brillantez técnica, que podía oscilar entre un ataque furioso en un momento y una belleza pura y etérea en el siguiente.
Todas las guitarras que tocó cuentan una historia y llevan las inconfundibles señales de sus manos, desde las Gibson Les Paul (la Yardburst que compró en Londres en 1966 y la icónica Oxblood que aparece en la portada de Blow By Blow)…
hasta las Gretsch inspiradas en Cliff Gallup de The Blue Caps y las Fender Tele y Strat que eran sus caballos de batalla, describiendo estas últimas como sinónimo de su forma de tocar: «Mi Strat es otro brazo, es parte de mí. No parece una guitarra en absoluto. Es un instrumento que es mi voz».
El guitarrista por excelencia, Jeff Beck, fue un pionero del rock cuya influencia en sus compañeros fue inigualable. Ahora Christie’s presenta sus instrumentos al mundo, las guitarras a través de las cuales compartió su emoción y su voz, rindiendo homenaje a su legado imperecedero.
Jim Dunlop ha homenajeado a Eric Clapton con Cry Baby chapado en oro. El EC95G de Eric Clapton parece fabricado con material C3-PO, el tipo de cosas que deberías tener en stock en caso de colapso económico (es una edición limitada y ya sabes que estos pedales tienden a acumular valor). También es una de las cosas más raras: un pedal wah de gran belleza estética.
Pero seamos realistas, Clapton lo vale. Si alguien puede hacer sonar un Cry Baby chapado en oro, ese es Slowhand. Como señala Dunlop, Clapton fue uno de los primeros músicos en inaugurar el pedal wah en los discos.
Esta era una época en la que la cultura de los pedales de efectos de guitarra estaba en su infancia. Los músicos como Clapton, Jimi Hendrix, Pete Townshend y Keith Richards ayudaron a atraer la atención de una nueva generación de músicos hacia el suelo.
Irónicamente, el uso que hizo Richards del pedal fuzz Maestro FZ-1 en (I Can’t Get No) Satisfaction fue una de las pocas ocasiones de su carrera en las que buscó en el suelo un nuevo sonido.
Clapton y Hendrix hicieron algo similar con el wah. Hay una magia extraña con las grabaciones de esos momentos en los que escuchamos estos sonidos de guitarra eléctrica por primera vez.
Para muchos, la mejor pista de wah jamás grabada está entre White Room de Cream y Voodoo Chile (Slight Return) de Hendrix.
Clapton utilizó un Vox V846 en White Room. Pero desde hace mucho tiempo es un defensor del Cry Baby de Dunlop y tiene una relación duradera con la compañía que se remonta a mediados de los años 80.
“En 1986, el Sr. Clapton comenzó a trabajar con el difunto Jim Dunlop Sr., y se convirtió en uno de nuestros primeros y más importantes artistas de Cry Baby”, dice Dunlop. “Nos sentimos honrados de que la relación de nuestra compañía con el legendario guitarrista continúe hasta el día de hoy. Con esta edición especial limitada del Cry Baby Wah de Eric Clapton, rendimos homenaje al legado de 60 años del Sr. Clapton”.
Los fans de Clapton de toda la vida reconocerán bien esta época: cuando estés en Miami, haz lo que hacen los miamenses; grabó el álbum allí mismo, en el estado del sol, con Tom Down y Phil Collins en la sala de control.
Y los fans de Cry Baby reconocerán los sonidos de este nuevo modelo exclusivo de Clapton. El sonido dorado y el logo EC en la goma del pedal son algo diferente, pero el circuito se basa en el GCB95 Cry Baby Standard Wah.
Ahora, puedes conseguir un GCB95 por £/$99 y el Wah de Eric Clapton no es una opción barata a £349/$299. Pero a: es dorado y b: apoya el centro de recuperación de adicciones Crossroads de Clapton. Y es una edición limitada.
Christie’s subastará «Jeff Beck: The Guitar Collection», el 22 de enero de 2025 en Londres, para rendir homenaje al héroe de la guitarra. Jeff Beck (1944-2023), a quien echa de menos en todo el mundo, fue un icono y una leyenda de la guitarra. Artista ganador de varios premios Grammy (dos veces incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll), su sonido inimitable dio lugar a colaboraciones con innumerables músicos y amigos de renombre internacional, entre ellos: Jimmy Page, Jimi Hendrix, Ronnie Wood, Rod Stewart, Steven Tyler, Billy Gibbons, Jan Hammer, Eric Clapton, David Gilmour, Tina Turner, Mick Jagger, BB King, Buddy Guy, Nile Rodgers, Carlos Santana, Stevie Wonder, Imelda May y Johnny Depp, entre otros. Esta venta única, que ofrece una oportunidad extraordinaria para fans, guitarristas y coleccionistas, incluye más de 130 guitarras, amplificadores y «herramianetas» que Jeff tocó a lo largo de sus casi seis décadas de carrera, desde que se unió a The Yardbirds en marzo de 1965 hasta su última gira en 2022. Con estimaciones de precio que oscilan entre las 100 y 500.000 libras, las piezas más destacadas se exhibirán al público en Los Ángeles del 4 al 6 de diciembre, seguidas de la exposición de la colección completa en la exposición previa a la venta en la sede de Christie’s en Londres, del 15 al 22 de enero de 2025.
Sandra Beck: «espero que disfruten leyendo este lanzamiento y el futuro catálogo que presenta las herramientas de la vida de mi maravilloso Jeff. Estas guitarras fueron su gran amor y, después de casi dos años de su muerte, es hora de desprenderse de ellas como Jeff deseaba. Después de pensarlo mucho, decidí que debían compartirse, tocarse y amarse nuevamente. Es un gran dolor desprenderse de ellas, pero sé que Jeff quería que yo compartiera este amor. Era un maestro en su oficio. Nunca anheló el éxito comercial. Para él, lo único que importaba era la música. Se reinventaba constantemente con su dirección musical y no podría destacar a una persona, una grabación o una guitarra como su favorita. Espero que los futuros guitarristas que adquieran estos artículos puedan acercarse al genio que los tocó. Gracias a todos por considerar una pequeña parte de Jeff que ahora espero compartir con ustedes”.
La subasta está encabezada por una de las guitarras más reconocibles de Jeff Beck: su icónica Gibson Les Paul «Oxblood» de 1954, famosa por aparecer en la portada de su influyente álbum instrumental en solitario Blow By Blow de 1975, y utilizada en temas como la composición original de Beck-Middleton «Scatterbrain» (valor estimado: 350.000-500.000 libras). Comprada en noviembre de 1972 en Memphis, la guitarra participó en numerosas actuaciones en directo con el efímero trío de power trío Beck, Bogert & Appice en 1973. Otros espectáculos en directo notables durante la década de 1970 incluyeron su actuación junto a David Bowie y Mick Ronson en el espectáculo de despedida de Ziggy Stardust & The Spiders From Mars, en el Hammersmith Odeon el 3 de julio de 1973, cuya película se estrenó en 2023, incluida la icónica aparición de Jeff como invitado.
La ‘Yardburst’ original. Jeff Beck compró su Gibson Les Paul de alrededor de 1958 en Londres en 1966, mientras formaba parte del influyente grupo de rock británico The Yardbirds (valor estimado: 40.000-60.000 libras). La historia y las cicatrices de batalla de esta guitarra son legendarias. Comprada en Selmer’s en Charing Cross por 175 libras a principios de 1966, se utilizó para grabar ‘Over Under Sideways Down’ y ‘Happenings Ten Years Time Ago’, así como la canción en solitario de Jeff Beck ‘Beck’s Bolero’, coescrita con Jimmy Page y grabada con Keith Moon, John Paul Jones y Nicky Hopkins. Jeff quitó el golpeador negro, el marco del selector y el acabado sunburst original a finales de 1967, dejando la guitarra en su estado crudo natural. Jeff tocó la guitarra en su primer álbum de estudio en solitario Truth, el primero en mostrar el talento de la banda de acompañamiento Jeff Beck Group, con un joven Rod Stewart como vocalista y Ronnie Wood como bajo, y en la gira cuando la banda cruzó el Atlántico en 1968, incluida una memorable residencia en el Scene de Nueva York en junio de 1968, donde Jimi Hendrix se unió a la banda en el escenario cada noche, incluso para una improvisación con esta misma guitarra.
La Tele-Gib es una guitarra híbrida diseñada Seymour Duncan específicamente para Jeff Beck en 1973 (valor estimado: £100,000-150,000). Compuesta por un cuerpo y un mástil Fender Telecaster con un par de pastillas Gibson PAF extraídas de una Flying V, Seymour llevó la guitarra a Jeff mientras estaba ensayando con Beck, Bogert & Appice en Londres a finales de 1973. La Tele-Gib se puede escuchar en la hermosa canción de Stevie Wonder‘Cause We’ve Ended As Lovers‘, de Blow By Blow, y posteriormente se utilizó para muchas otras sesiones y actuaciones en directo, incluida The Secret Policeman’s Other Ball en 1981, junto a su compañero ex Yardbird, Eric Clapton.
La Fender StratocasterSunburst de 1954 de Jeff Beck, número de serie 0062, era una de sus posesiones más preciadas (valor estimado: 50.000-80.000 libras). Un regalo de Steve Marriott de Humble Pie después de una sesión nocturna en 1976, Jeff reemplazó el mástil Tele existente con un mástil Strat de 1958, que había usado para grabar muchas pistas en Beck-Ola (1969), Rough And Ready (1972) y Blow By Blow (1975). La ’54 se convertiría en la guitarra principal de Jeff para actuaciones y grabaciones durante el resto de los años 70 y principios de los 80, incluida la mayor parte del álbum There And Back de 1980 y el concierto benéfico y gira de A.R.M.S. en 1983, en el que los tres ex guitarristas de Yardbirds actuaron juntos en el escenario por primera vez (Jeff Beck, Jimmy Page y Eric Clapton) junto a Charlie Watts, Bill Wyman y Ronnie Wood y muchos otros músicos de fama mundial.
‘Tina’, la Jackson Soloist rosa, debutó durante el concierto benéfico y gira de A.R.M.S. de 1983. Jeff tocó la guitarra en el Madison Square Garden de Nueva York (precio estimado: 8.000-12.000 libras). Equipada con un puente patentado por Kahler, le permitió a Jeff realizar armónicos y bends de cuerdas aún más extremos y fue utilizada inmediatamente en varias sesiones de grabación importantes con artistas de renombre mundial, en particular Tina Turner. Después de haber prestado su talento único para su sencillo «Private Dancer», escrito por Mark Knopfler, Jeff le pidió que firmara su guitarra en lugar de pagar por la sesión. Cuando la pluma falló, grabó su firma con una navaja y luego la frotó con esmalte de uñas verde para lograr un buen efecto. Jeff tocaría la guitarra en su álbum de 1985 Flash, producido por Nile Rodgers, incluido su dueto de reunión con Rod Stewart, «People Get Ready».
La más longeva de sus Fender Stratocaster, “Anoushka”, fue construida por J.W. Black de Fender Custom Shop (valor estimado: 20.000-30.000 libras). Jeff modificó sus Strats cambiando mástiles, cuerpos y electrónica para adaptarla a sus necesidades. El mástil de esta guitarra era el favorito de Jeff y, cuando se unió al cuerpo blanco actual de la Strat que llamó “Anoushka”, se convirtió en su Strat principal para grabaciones e interpretaciones durante 16 años. Se utilizó para grabar cuatro álbumes en solitario y para cientos de actuaciones en directo, incluida gran parte de la legendaria residencia de Jeff en Ronnie Scott, su segunda incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll, una gira como cabeza de cartel junto a Eric Clapton y para su actuación en la Casa Blanca de Obama junto a B.B. King y Mick Jagger en 2012.
Fender ha reproducido minuciosamente la legendaria Stratocaster de 1962 de John Frusciante para su última Limited Edition Masterbuilt Custom Shop.
Ha habido muchas Stratocaster emblemáticas a lo largo de las décadas: la Black Strat de Gilmour, la “Blackie” de Eric Clapton y el modelo 1961 del propio Rory Gallagher, por nombrar solo algunas, y el modelo sunburst de Froosh, muy relicado, está cómodamente a la altura de todas.
Quizás la guitarra eléctrica principal de toda su colección, la ’62 se ha utilizado ampliamente durante sus etapas con los Red Hot Chili Peppers y fue responsable de grabar y llevar al escenario una gran variedad de los mayores éxitos de la banda.
Un aspecto fundamental tanto del aclamado tono de guitarra de Frusciante como del sonido más amplio de RHCP, el modelo 1962 se ha convertido en un sinónimo profundo de su influyente propietario y ahora, por fin, ha sido reproducido por Fender.
Tal vez recuerdes que los rumores sobre una Strat Signature de Frusciante comenzaron a circular en mayo del año pasado, después de que Frusciante fuera visto tocando una réplica de su modelo original.
Más de un año después, finalmente se lanzó una versión Signature de la Strat muy esperada, que marca la primera Fender Signature de Frusciante, pero no se trata de una Signature común. Se trata de una réplica de Custom Shop de primera línea creada por el maestro constructor sénior Paul Waller y, como tal, tiene un precio elevado: $20,000, para ser precisos.
Ese precio se refleja en el nivel de detalle que se ha aplicado a esta réplica. Como enfatiza Fender, «no escatimó en gastos» para recrear cada detalle del material original, desde los golpes y dings en el clavijero y el mástil, hasta el marcado envejecimiento del acabado sunburst.
Naturalmente, la electrónica y la facilidad de ejecución física de la réplica se han modelado a partir del modelo de Frusciante. Eso significa que tiene una «calidad de desgaste singular que normalmente solo se puede conseguir con una guitarra vintage de segunda mano», mientras que las pastillas ofrecen un sistema de cancelación de zumbidos Illitch, como la original.
Debajo de todos los adornos cosméticos, encontrarás un cuerpo de aliso de dos piezas selecto, un mástil de arce y un diapasón de palisandro que ofrece 21 trastes altos y estrechos y un radio vintage de 7,25″.
Otros detalles incluyen clavijas de estilo vintage, una cejuela de hueso, cableado Vintage Strat y un trémolo sincronizado de estilo vintage.
En general, es innegablemente lo más cercano que vas a tener a experimentar la Stratocaster real, que Frusciante compró a fines de la década de 1990, cuando se reincorporó a la banda para la era Californication.
“La guitarra principal que tocaba era mi Strat del 62, que es la misma guitarra que conseguí cuando me reincorporé a la banda en 1998” dijo. «En 1998 no tenía dinero para una Strat, pero les dije que todo lo que tenía era una Fender Jaguar, y sentí que debía tener una Strat para que sonara como la banda. Anthony [Kiedis] y yo fuimos a Guitar Center y me prestó el dinero para comprar una Strat, y fue la que me llamó la atención. Y desde entonces, he tenido muchas otras Strats, de esa época, en general, y esa que estaba allí ese día, nunca he encontrado una mejor que esa”.
Ahora bien, $20.000 no son un precio accesible para la mayoría de los guitarristas, aunque Fender lanzó una versión MIM de la Stratocaster de Mike McCready. ¿Podría pasar algo similar aquí? No hay garantías, por supuesto, pero sería una obviedad para Fender, que reconoce claramente la importancia histórica de esta Stratocaster en particular.
“La Stratocaster de Frusciante está a la altura de las Fender más icónicas de todos los tiempos; poder trabajar en su primer modelo Signature fue un verdadero privilegio”, señala Waller. “Recrear las hermosas imperfecciones de este instrumento no fue una tarea fácil, pero detrás de cada golpe y herida hay una historia y es nuestro trabajo asegurarnos de que la narrativa de esta guitarra se cuente con todo lujo de detalles. Para un instrumento tan restaurado, aún conserva gran parte de su belleza original. Se ha invertido muchísimo trabajo en este proyecto y, si bien gran parte de ello se puede reflejar en sus componentes visuales, todo el equipo está tremendamente orgulloso de cómo funciona este dispositivo”.
La formación original detrás del concepto de gira de G3 regresa con «Reunion Live», que se lanzará el 31 de enero de 2025. El álbum captura la magia de la guitarra de Joe Satriani, Eric Johnson y Steve Vai en su gira estadounidense de 2024 con entradas agotadas. Esta reunión electrizante presenta a tres íconos de la guitarra que unieron fuerzas por primera vez en 1996 y muestra actuaciones que superan los límites que definen a G3.
Los fans disfrutarán de sets completos de cada guitarrista, incluidos éxitos como «Sahara» de Satriani, «Cliffs Of Dover» de Johnson y «For The Love Of God» de Vai, junto con un emocionante jam de bis de versiones de Jimi Hendrix, Eric Clapton y Steppenwolf.
«Reunion Live» es mucho más que «solo» un álbum en vivo. Es un álbum completo de cada artista, además de un LP de supergrupo colaborativo y el primer lanzamiento de G3 en 20 años.
La edición de lujo incluye un vinilo de color diferente para cada artista, un LP especial para la sesión de improvisación y un álbum de fotos de 64 páginas, dividido en capítulos de artistas y sesiones de improvisación, con el programa completo también en 2 CD. También está disponible en un digipack de 2 CD con un folleto de fotos de 16 páginas y 4 LP desplegables y descarga digital.
Satriani dice: «este álbum en vivo grabado en el Orpheum Theatre de Los Ángeles captura toda la energía de las presentaciones en vivo mientras destaca el arte en constante evolución de tocar la guitarra eléctrica».
Desde su inicio en 1996, la gira G3 ha reunido constantemente a leyendas de la guitarra para actuaciones inolvidables. Cada edición de la gira ha presentado a virtuosos de la guitarra interpretando sets en solitario que mostraron su maestría individual, seguidos de electrizantes sesiones de improvisación que resaltaron su brillantez colaborativa.
A lo largo de los años, G3 ha visto a guitarristas icónicos como Yngwie Malmsteen, John Petrucci y Paul Gilbert, entre otros, unirse a las filas. La gira, que se ha extendido más allá de los EE. UU., se ha convertido en una celebración mundial de la excelencia de la guitarra, que une a fans y artistas de diferentes generaciones y géneros, lo que la convierte en un evento imprescindible para los aficionados a la guitarra de todo el mundo. La experiencia G3 representa más que una serie de actuaciones: se ha convertido en una plataforma para la colaboración creativa y un testimonio del poder perdurable de la música de guitarra.
Vai comenta: «una gira G3 siempre es una experiencia electrizante, y esta gira G3 en particular con Eric y Joe fue un momento destacado de mi carrera para mí. Poder salir de gira con viejos amigos y estar en ese entorno iluminado del escenario y comunicarme en los niveles musicales más profundos con amigos es un privilegio y un honor, especialmente con músicos tan increíbles como Eric y Joe, que se desempeñaron magníficamente en estos espectáculos».
Johnson afirma: «tocar con Joe y Steve fue una afirmación de que, si bien todos queremos superar los límites de la música, también queremos compartir nuestra experiencia del corazón y una comunicación conmovedora de la música de la que se nos ha permitido participar en nuestras propias vidas».
Según Satriani: «reunirme con Eric y Steve este año, para conmemorar la primera gira de G3 en 1996, fue algo glorioso. Fueron los dos primeros guitarristas a los que llamé cuando planifiqué el viaje inaugural de G3, así que esta reunión fue una confirmación de nuestra conexión especial. Subir al escenario con dos de mis gigantes musicales favoritos, celebrar nuestras raíces compartidas y nuestras diferencias únicas, resultó una vez más una fórmula ganadora».
Tracklist:
01. Gravitas (Vai) 02. Avalancha (Vai) 03. Little Pretty Intro (Vai) 04. Little Pretty (Vai) 05. Tender Surrender (Vai) 06. Zeus In Chains (Vai) 07. Teeth Of The Hydra (Vai) 08. For The Love Of God (Vai) 09. Land Of 1000 Dances (Johnson) 10. Righteous (Johnson) 11. Trail Of Tears (Johnson) 12. On-Ramp Improv (Johnson) 13. Freeway Jam (Johnson) 14. Desert Rose (Johnson) 15. Venus Reprise (Johnson) 16. Raspberry Jam Delta-V (Satriani) 17. Surfing With The Alien (Satriani) 18. Satch Boogie (Satriani) 19. Sahara (Satriani) 20. Nineteen Eighty (Satriani) 21. Big Bad Moon (Satriani) 22. Always With Me, Always With You (Satriani) 23. Sumer Song (Satriani) 24. Introductions 25. Crossroads (Encore Jam) 26. Spanish Castle Magic (Encore Jam) 27. Born To Be Wild (Encore Jam)
vanzguitars.blog 