Por fin se ha fijado la fecha de lanzamiento del primer álbum de estudio conjunto de Steve Vai y Joe Satriani. Dada la estrecha relación que mantienen, resulta inconcebible que el dúo haya tardado 53 años en componer un álbum juntos.
Vai era apenas un adolescente cuando se presentó en casa de Satriani con una guitarra eléctrica; aquello ocurrió en 1973. Ahora, de cara a 2026, su muy esperado primer álbum completo conjunto tiene previsto su lanzamiento para el 6 de noviembre a través del sello earMUSIC.
En los últimos 16 meses, el álbum se ha ido anticipando con tres sencillos: The Sea of Emotion, Pt. 1 (la obra consta de tres partes en total), I Wanna Play My Guitar y Dancing, este último acompañado de un vídeo dirigido por Brendon Small.
El nuevo sencillo, Mayhem, muestra a ambos armonizando y batiéndose en duelo musical con total libertad, y vendrá seguido de otros seis temas.
«Llevamos planeando esto desde 1973», comenta Vai entre risas. «Aunque fuera de forma inconsciente».
La semilla del disco se plantó a principios de 2024, cuando Vai, Satriani y Eric Johnson reunieron la formación original del G3. No obstante, se trata de un álbum definido tanto por sus diferencias como por el virtuosismo que comparten. «La mayor sorpresa fue descubrir que componemos de formas totalmente distintas», explica Satriani. «Eso es precisamente lo que hizo que el proyecto fuera tan divertido e interesante».
«Ilustra lo mucho que hemos evolucionado», añade. «Somos como dos chavales que aún no han encontrado su sonido, pero que rebosan entusiasmo. Perseguimos algo y estamos decididos a conseguirlo». A ellos se suman algunos rostros conocidos. Un gran número de maestros del bajo se encarga de las frecuencias graves, entre ellos Billy Sheehan, Bryan Beller y Marco Mendoza.
La batería ha corrido a cargo del colaborador habitual Kenny Aronoff, actualmente integrante de la banda Best of All Worlds junto a Satch, así como de Gregg Bissonette, Jeremy Colson, el exmiembro de Dream Theater, Mike Mangini y otros más.
Eric Caudieux, figura habitual en los álbumes y giras de Satch, ha desempeñado una doble función: teclados y producción. Glenn Hughes, quien recientemente se retiró de las giras, aporta su voz como invitado en el tema «I Wanna Play My Guitar».
«Es un hermoso encuentro entre mi amigo y yo, de una manera musical muy íntima», concluye Vai. «Esa fue la razón por la que hicimos el disco».
«The Sea Of Emotion» tracklist:
01. Mayhem (3:39) 02. Bronco Freight Train (5:07) 03. Dancing (3:40) 04. The Feeling I Know (5:57) 05. Zoot Suit Riot (4:36) 06. Old Sins Have Long Shadows (4:43) 07. I Wanna Play My Guitar (4:16) 08. The Sea Of Emotion Pt. 1 (5:49) 09. The Sea Of Emotion Pt. 2 (5:20) 10. The Sea Of Emotion Pt. 3 / Reflections On A Year And A Half (6:39)
The Sea Of Emotion – Black 2LP Gatefold SIGNED
The Sea Of Emotion – Ltd. Ink-Spot 2LP Gatefold
The Sea Of Emotion – Ltd. Transparent Neon Yellow & Turquoise 2LP
Los miembros de King Crimson, Adrian Belew y Tony Levin, junto con Steve Vai y Terry Bozzio, inician una nueva etapa con Beat. El cuarteto ha anunciado una gira por Estados Unidos con 40 conciertos.
Adrian Belew comenta: «para quienes hayan visto a Beat en vivo, es importante destacar que incluiremos material de la época de King Crimson de los 90 en nuestra gira por Estados Unidos. Con la incorporación del extraordinario batería Terry Bozzio, creemos que esto brindará una experiencia novedosa a nuestro público. ¡Estamos muy emocionados de volver a tocar para ustedes! ¡No se lo pierdan!».
El público global ha celebrado la existencia de BEAT, respondiendo positivamente a la música, la química, el espíritu y el respeto que este colectivo de estimados músicos ha aportado a uno de los catálogos más notables del rock progresivo. BEAT continúa evolucionando, manteniéndose fiel a la música y al espíritu que la inspiró.
Mientras Adrian, Tony y Steve se preparan para las próximas actividades de la banda, Terry Bozzio se une al grupo como batería. Danny Carey sigue siendo una parte importante de la familia Beat, pero sus compromisos con Tool le impiden participar en esta próxima gira de otoño. Steve Vai comenta: «Terry es uno de los baterias verdaderamente legendarios de nuestro tiempo, cuya destacada trayectoria y singular estilo musical lo convierten en el artista perfecto para acompañarnos en esta gira. Aporta su extraordinario talento a Beat, y eso es algo que merece ser celebrado».
Cuando se anunció la existencia del grupo el 2 de abril de 2024, la visión era simplemente presentar una reinterpretación creativa de los tres icónicos álbumes de King Crimson de los 80: Discipline, Beat y Three Of A Perfect Pair. Se anunciaron poco más de cuarenta shows en Estados Unidos, y la mayoría de ellas agotaron las entradas en cuestión de días. Se añadieron fechas adicionales, creando una gira inaugural de 65 conciertos en Estados Unidos. Le siguieron presentaciones en México, Sudamérica y el legendario Budokan de Tokio, y más recientemente, una extensa gira por el Reino Unido y Europa, con presentaciones en 31 ciudades este año.
«Solar Wind es el segundo tema que compuse para el nuevo disco. Desde el principio supe que quería invitar a Steve Vai a tocar en una de mis canciones, pero siempre sentí que no tenía el tema ni el ambiente adecuados para él. Esta canción surgió como un intento de acercarme a su sonido, manteniendo algunos de mis elementos esenciales. Se pueden escuchar compases inusuales y algunas partes de guitarra rítmica potentes, típicas de la música de Steve, junto con interesantes cambios de acordes y muchas capas de diferentes pistas de guitarra, tanto limpias como distorsionadas. (¡Sin duda, es una de las canciones con más pistas de guitarra!)».
«Espero que disfruten esta canción tanto como yo disfruté grabándola. Poder colaborar con Steve fue un privilegio y un sueño hecho realidad. ¡Nunca podré agradecerle lo suficiente por su increíble solo! Gracias también a todos los que apoyan mi música; ¡todo esto sería literalmente imposible sin ustedes!».
Previamente, Mancuso había lanzado el single «Isla Felíz», en colaboración con Antoine Boyer…
«Solar Wind» forma parte del segundo disco de Matteo Mancuso, el virtuoso guitarrista siciliano, «Route 96», que se publicará el 24 de abril a través de Music Theories Recordings. El álbum cuenta con la participación de Steve Vai, Antone Boyer y Valeriy Stepanov.
Matteo irrumpió en la escena musical en 2023 con su álbum debut, «The Journey», tras captar la atención de figuras como Tosin Abasi, Al Di Meola, Dweezil Zappa y Steve Vai gracias a su prodigiosa habilidad. El lanzamiento de su debut, con su deslumbrante técnica fingerstyle y composiciones exquisitas, lo catapultó a las portadas de numerosas revistas de guitarra, siendo aclamado como el «virtuoso más prometedor del mundo» y «el joven guitarrista que redefine el virtuosismo». Su gira internacional despegó con conciertos con entradas agotadas en Europa y Estados Unidos.
Este año, Mancuso, de 29 años, regresa con su segundo álbum en solitario, «Route 96». Si bien su álbum debut se gestó a lo largo de tres años, este último lanzamiento se compuso y grabó en un plazo mucho más corto, como suele ocurrir con los segundos discos.
Route 66 cuenta con Matteo junto a Riccardo Oliva (bajo) y Gianluca Pellerito (batería), y fue grabado en los estudios Fico D’India en Casteldaccia, Italia. La producción corrió a cargo de Matteo junto a su padre, Vincenzo Mancuso.
Tracklist:
01 – SOLAR WIND (ft. Steve Vai) 02 – FIRE AND HARMONY 03 – ISLA FELIZ (ft. Antoine Boyer) 04 – L.A. BLUES ONE 05 – THE GREAT WALL 06 – WARM SUNSET 07 – BLACK CENTURION 08 – IN THE MORNING LIGHT
Devin Townsend ha forjado su carrera en mundos creativos distintos: discos heavy, desvíos atmosféricos, colaboraciones, cada uno con su propia lógica y clima. Su último lanzamiento, «The Moth», es diferente. Llega sin una plantilla preexistente, no como un punto de inflexión en aras de la novedad, sino como una culminación: un proyecto concebido desde el principio con un alcance orquestal, coral y teatral, con la escala necesaria para subrayar la transformación emocional que se encuentra en el corazón del concepto.
Un álbum que tardó más de una década en producirse, «The Moth» finalmente llega el 29 de mayo de 2026. Este disco de 24 canciones comenzó como una vaga visión hace más de una década. Existía en la mente de Devin Townsend como la obra de su vida. Hace unos seis años, tras un concierto acústico en Ámsterdam, el director de la Noord Nederlands Orkest contactó con Townsend con una oferta: aportar grandeza orquestal a la extensa discografía de Devin.
La respuesta de Townsend fue inmediata y reveladora. Si quería reunir todas esas fuerzas, quería invertirlas en algo nuevo: esta obra original que llevaba años dándole vueltas, esperando a que se abriera una puerta. Ese fue el momento en que «The Moth» dejó de ser una idea para convertirse en realidad.
Hoy, coincidiendo con el anuncio, Devin también se complace en presentar la primera introducción al mundo de «The Moth», en la canción «Enter The City». La canción viene acompañada de un vídeo creado por Studio Sparks.
Como explica Devin, «The Moth» es «una historia libre que sigue a alguien que se da cuenta de que sus viejos patrones de comportamiento ya no le sirven. Al profundizar en sí mismo y reflexionar sobre sí mismo, se revela un conflicto interno, uno al que quizás se haya resistido o racionalizado inconscientemente durante años», y «Enter The City» se sitúa al comienzo de ese arco argumental»
«The Moth» consta de tres partes diferenciadas a lo largo de su lanzamiento. Además del álbum principal, «The Moth – The Afterlife» destaca la grandeza de la orquesta y el coro, en lo que podría considerarse una versión más pura de la experiencia de «The Moth».«The Moth – The War» es una grabación del debut musical en vivo que tuvo lugar en marzo de 2025 en los Países Bajos, que muestra la emoción pura de interpretar «The Moth» por primera vez.
«The Moth» estará disponible en varios formatos, incluyendo una edición limitada de lujo de 3 CD + Blu-ray con libro de arte que incluye el álbum en el CD1, «The Moth – The Afterlife» en el CD2 y «The Moth – The War (Live)» en el CD3. El Blu-ray incluye la película completa en directo de «The Moth – The War», así como mezclas en Dolby Atmos y estéreo de alta resolución de «The Moth» y «The Moth – The Afterlife». También estará disponible en edición limitada de 2 CD (incluyendo «The Moth – The Afterlife» en el CD2), en un estuche de CD estándar, en un LP doble de 180 g con triple pliegue y libreto desplegable, así como en formato digital.
La lista completa de canciones de «The Moth» es la siguiente:
01. Semi-prologue 02. War Beyond Words 03. The Moth 04. Ode To My Eye 05. Enter The City 06. Covered By Causes 07. Lexin 08. Runaways 09. A Proxy For God 10. The Mothers 11. Orion 12. Stay There 13. Home At Night 14. Intermission 15. Lexin Returns 16. The Clergy 17. Prepare For War 18. The Big Snit 19. Silver Princess 20. A Life In Review 21. Metamorphosis 22. Stained Hearts 23. Let Go 24. We Don’t Deserve Dogs
Sí, «The Moth» tiene un tema central gravitacional, Townsend lo define claramente: la verdadera autoaceptación. Algo más sólido que los eslóganes, más cercano a una disposición práctica para afrontar lo incómodo sin dar la espalda. Como explica Devin: «La metáfora más obvia del cambio dentro del concepto de este proyecto fue una polilla: de oruga a una criatura completamente diferente, tan atraída por la luz que se consume a sí misma. Lo que permanece es inmutable: solo el espíritu».
En los momentos más difíciles, cuando abandonar el proyecto podría haber parecido racional, Townsend señala al equipo como el factor decisivo. Un gran número de músicos y colaboradores increíbles participaron a lo largo de este proceso, así como la Noord Nederlands Orkest y los orquestadores Joseph Stevenson y Niels Bye Nielsen. Los veteranos miembros de la banda, Darby Todd, Mike Keneally y James Leach, desempeñaron un papel fundamental, así como invitados como Steve Vai, Anneke Van Giersbergen, Lynn Wu (Ou) y los artistas Travis Smith y Eliran Kantor, además de la asesoría creativa clave de Mike St-Jean.
Musicalmente, «Dancing», una versión reimaginada de una canción del icónico cantante, pianista y compositor italiano Paolo Conte, y muestra a SatchVai Band en plena acción: una conversación vibrante y melódica entre dos de las voces de guitarra más expresivas del rock. Construida sobre el impulso, la melodía y una química musical audaz, la canción captura el espíritu de espontaneidad y alegría que definió su electrizante gira europea.
«Dancing» sigue a los dos primeros lanzamientos del dúo: el instrumental arrollador y cinematográfico «The Sea of Emotion Pt. 1» y la rockera «I Wanna Play My Guitar». Juntos, estos temas han mostrado tanto la profundidad emocional como la energía desenfrenada que definen el sonido de SatchVai Band: el tipo de química musical que solo cinco décadas de amistad pueden producir.
La bonita história entre estos dos grandes guitarristas contada por el mismo Steve Vai:
«En los años 70, cuando era un niño en Carle Place intentando aprender a tocar cualquier instrumento afinado, Brian May era uno de mis ídolos absolutos. Su tono rezumaba clase y rock and roll, y las canciones que componía y las notas que elegía calaron hondo en mi mente y me ayudaron a forjar una imagen fantástica de mí mismo en el futuro».
«Pero su Red Special no era solo una guitarra para mí, era un objeto mítico, una varita mágica construida por un joven genio y su padre. Estudié cada foto y que pude encontrar. Esa guitarra plantó la semilla de que tal vez algún día podría construir la mía, lo que afortunadamente nunca ocurrió, debido a una total falta de experiencia».
«Avanzamos hasta 1980. A los 20 años me mudé a Los Ángeles, conseguí un pequeño apartamento en Fairfax y Sunset, empecé a trabajar con Frank Zappa y una noche entré en el Rainbow Bar and Grill y vi a Brian allí de pie. Solo. Como un ser humano normal. Pensé que estaba alucinando. Brian fue increíblemente amable con este chico desconocido y luego hizo lo impensable: me invitó a un ensayo de Queen en Zoetrope. Sentarme en una sala con toda la banda ya era bastante irreal, pero entonces vi la Red Special. La señalé y dije: «¿Esa es?». Brian dijo: «Sí. ¿Quieres probarla?». El tiempo se detuvo por completo».
«Después de idolatrar esa guitarra durante toda mi juventud, sostenerla era una experiencia sísmica. Pensé: «Esto es todo, por fin voy a sonar como Brian May». Pero, para mi disgusto, no lo hice, por supuesto. Sonaba como yo. Y entre las cuerdas de calibre 0.08, la acción ultra baja y un mástil del tamaño de un árbol pequeño, la tocaba como una jirafa bebé en patines. Aun así, era el paraíso».
«Después del lanzamiento de Passion and Warfare, unos años después, me invitaron a tocar en un concierto de Guitar Legends en Sevilla, España, y Brian fue el director musical. Brian me contó la historia de un joven guitarrista al que una vez dejó tocar la guitarra en un ensayo, un chico que estaba en la ciudad trabajando con Zappa y que tocaba increíblemente bien. Dejé que me contara toda la historia y luego le dije: «Brian, ese era yo». Este es uno de los giros de círculo más satisfactorios que el universo me ha ofrecido».
«A lo largo de los años, he tenido la suerte de conocer a Brian, tocar con él en múltiples ocasiones e incluso trabajar con él. Siempre es un inmenso placer y honor, y siempre se comportó como un JEFE. Pero lo más valioso para mí es nuestra amistad».
«Y ahora viene la parte que todavía me hace parpadear, reír y sacudir la cabeza con incredulidad. El verdadero honor indescriptible es esta extraordinaria guitarra que mandó hacer a medida para mí y me regaló. ¡Es una ‘Green’ Red Special! Es difícil encontrar las palabras. Me siento realmente honrado. Y aquí es donde también quiero expresar un reconocimiento sincero y contundente a Andrew Guyton, luthier extraordinario».
«Andrew, lo que has creado es más que hermoso. Esta guitarra no es solo una construcción, es la devoción hecha tangible. El arce ojo de perdiz, el mástil de caoba, los trastes jumbo EVO-gold, el diapasón yin-yang, la increíble gama de tonos, la elegancia del trémolo y un mástil que puedo tocar con mis manos; cada detalle habla de profundo cuidado, imaginación y maestría. De alguna manera, honra el espíritu de la Red Special y me permite sentirme completamente a gusto dentro de ella. Debe ser la verde».
«Tengo muchas guitarras, pero esta es única. Su alma e historia están grabadas en ella, rematadas con una buena dosis de amor. La atesoraré por el resto de mi vida, y sí, me la llevaré a la tumba. Brian, gracias por la inspiración, la generosidad, la amistad y por confiarme una parte de tu ADN creativo. Has regalado al mundo tu música inspirada y tu toque de guitarra durante más de medio siglo, y ahora mismo, este fan (yo) me siento profundamente agradecido y sigo riendo con incredulidad mientras canto «Tie Your Mother Down» con mi nueva guitarra».
Beat, el supergrupo formado por Adrian Belew, Steve Vai, Tony Levin y Danny Carey, ha anunciado fechas de su gira europea del próximo año.
La gira dará comienzo el 8 de junio en Londres (Eventim Apollo) y finalizará el 17 de julio en Zamek Ćmielówie, Polonia, visitando Francia, Alemania, República Checa, Austria, Bélgica, Holanda, Italia, Croacia, Turquia, Rumanía y Hungría.
Los conciertos previstos en nuestro país tendrán lugar en Madrid (26/6) y Bilbao (27/6 BBK Legends Festival)
Nuno Bettencourt en la parte trasera de un taxi camino a Villa Park en Birmingham, Inglaterra, para el concierto benéfico «Back to the Beginning» de Black Sabbath el 5 de julio, tocaba el solo de «Bark at the Moon» de Ozzy Osbourne con un instrumento que nadie reconocía. Cuerpo de madera oscura con rayas claras. Y en el clavijero: Nuno.
Luego la subió al escenario del evento ante 45,000 personas, siendo uno de los MVP de un supergrupo estelar que interpretó clásicos de Ozzy y Sabbath. El instrumento era claramente visible en videos que inundaron internet inmediatamente después, y la comunidad guitarrística comenzó a especular sobre lo que acababan de ver. Pero Bettencourt guardó silencio.
Unos meses después, en los MTV Video Music Awards, donde apareció junto a Steven Tyler, Joe Perry y Yungblud en un homenaje a Ozzy, actuó con dos versiones del modelo no identificado: la oscura para «Crazy Train» y una rubia para «Changes». Otro momento mediático, más comentarios, pero sin más detalles sobre las guitarras.
Finalmente, el 30 de septiembre, se acabaron las especulaciones. Bettencourt anunció el lanzamiento de Nuno Guitars, su propia compañía, marcando el final de una colaboración de 35 años con Washburn. La marca incluía las guitarras Dark Horse y White Stallion, junto con la N4, su diseño característico que ha definido su sonido desde principios de los 90. Por primera vez, la N4 llevaría su nombre en lugar del de Washburn.
Es un paso importante para un guitarrista cuya influencia se ha extendido a lo largo de varias generaciones. Bettencourt causó sensación en 1989 con el álbum debut homónimo de Extreme y Pornograffitti de 1990, álbumes que exhibieron tanto su interpretación funky y acrobática como su versatilidad como compositor. Si bien «More Than Words» de este último se convirtió en un fenómeno acústico, fue su trabajo eléctrico el que lo convirtió en un héroe de la guitarra. Era un guitarrista explosivo que recordaba a lo mejor de Eddie Van Halen: una técnica rítmica increíble, una técnica deslumbrante y una composición melódica genuina. Podía combinar ritmos funk con una técnica de alto nivel, incluyendo ritmos marcados, frases fuera de tiempo y líneas de punteo alternadas vertiginosas sin perder nunca el ritmo. Podía igualar a cualquier virtuoso, pero tenía el gusto de saber cuándo servir la canción y cuándo soltarse.
Décadas más tarde, ese estatus de héroe de la guitarra se reafirmó con el lanzamiento de Six, su primer álbum en 15 años. El tema de apertura, «Rise«, incluyó un solo que dejó atónito al mundo de la guitarra, algo nada fácil en 2023. No fue solo técnico: fue emocional, físico e innegablemente divertido. Una vez más, Bettencourt le había recordado a la gente lo que podía ser tocar la guitarra.
A pesar de todo, la N4 fue su constante. Presentada a principios de los 90, se convirtió en una de las guitarras signature más reconocibles y longevas de la industria. Su diseño era distintivo: un cuerpo inspirado en las Strat con una exclusiva unión de mástil con cutaway, equipada con dos humbuckers y una disposición de controles sencilla. Era una herramienta indispensable, diseñada para guitarristas que ansiaban versatilidad, velocidad, fiabilidad y tono.
Por eso, el paso a su propia compañía es significativo. La N4 lleva más de tres décadas en producción, y dejar la colaboración con Washburn implica asumir la plena responsabilidad de todo: diseño, producción, control de calidad y la relación con los guitarristas que han tocado su instrumento emblemático durante años.
La nueva marca se estructura en torno a tres líneas: la Thoroughbred Series (guitarras masterbuilt con maderas exóticas y fabricación artesanal de taller), la Stable Series (instrumentos fabricados en EE. UU.) y la Colt Series (modelos de importación). Actualmente, opera directamente con el consumidor, eliminando la venta minorista tradicional para favorecer un modelo que permite a Bettencourt comunicarse directamente con quienes compran sus guitarras. Y quiere que cada una de esas guitarras, independientemente del precio, se sienta como algo que él mismo tocaría.
A sus 59 años, tras cuatro décadas tocando, girando y grabando —desde los discos de platino de Extreme hasta las giras de Generation Axe con Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Zakk Wylde y Tosin Abasi, desde el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl con Rihanna hasta el último concierto de Black Sabbath—, Bettencourt está, en cierto sentido, empezando de cero. No por necesidad, sino porque quiere desarrollar su visión sin filtros y fomentar una conexión más estrecha con quienes tocan sus instrumentos.
Si te estás preguntando: que pasa ahora con Wahsburn?…según el propio Nuno «no tenía un contrato con ellos. Era más bien un pacto de caballeros que llevaba mucho tiempo en vigor. Después de un tiempo, sobre todo después de que salió Six, no sentí nada de ellos. Había pedidos de guitarras agotados, no había prensa, nada».
Washburn fue la única marca que contactó con Nuno…fue solo después de «More Than Words» que otras compañías empezaron a preguntar. Se reunió con muchas compañías a lo largo de los años, pero nunca se sintió «a gusto».
Chris Meade, el padre de la Washburn N4, va a estar al frente de la línea Masterbuilt. Tenía que ser él. «Cuando le envié mis ideas y recibí la guitarra, superó mis expectativas. Cuando recibes esa guitarra y no solo es visual, sino que la ejecución y la calidad están ahí, piensas: «¡Claro que sí!». Chris es increíble. No querría a nadie más. Habría sido difícil encontrar a alguien tan meticuloso con los detalles como yo».
Por el momento Nuno Guitars solo anuncia que abrirán la ventana de «encargos» proximamente.
El próximo sencillo de la banda, «Dancing» (disponible el 2 de marzo de 2026 a través de earMusic), marca el último capítulo en la evolución creativa de SATCHVAI Band. Sigue a los dos primeros lanzamientos del dúo: el instrumental arrollador y cinematográfico «The Sea of Emotion, Pt. 1» y el rockero de alto octanaje «I Wanna Play My Guitar», con la potente voz de Glenn Hughes (Deep Purple, Black Country Communion). Juntos, estos temas han mostrado la profundidad emocional y la energía desenfrenada que definen el sonido de SATCHVAI Band: una fusión perfecta de melodía, virtuosismo y la química musical que solo cinco décadas de amistad pueden producir.
«¡La SATCHVAI Band vuelve a la carga! Tras una fantástica gira europea el verano pasado, Steve, Kenny, Marco, Pete y yo traemos el Surfing With The Hydra Tour a Estados Unidos. ¡Estamos deseando mostrarles el nuevo material de nuestro próximo álbum de SatchVai, junto con sus canciones favoritas de nuestro catálogo compartido! Y eso no es todo, traemos a los incomparables Animals As Leaders. ¡No se pierdan este concierto con esta alineación!» – Joe Satriani.
«La gira europea de verano de 2025 de la SatchVai Band superó con creces todo lo que podría haber imaginado. Joe y yo dimos en el clavo con la música, noche tras noche. Estar en la misma banda con Joe, tocando canciones que realmente escribimos juntos en el escenario, en tiempo real, fue como ver una fantasía infantil salir de mi mente adolescente y subir al escenario. Y, de alguna manera, fue aún más gratificante, satisfactorio y totalmente satisfactorio de lo que jamás imaginé.» – Steve Vai.