Diez álbumes (casi) perfectos de los 80’s

25 10 2021
The Joshua Tree', canción por canción

Una vez que la flacidez del rock de los 70 se desvaneció, la próxima década estaba a punto de ser mucho más divertida. Pero, ¿qué hizo exactamente que esta década fuera gloriosa?.

Si tuvieras que echarle la culpa a alguien, una pequeña emisora ​​llamada MTV sería probablemente la principal candidata para hacer que los 80 sucedieran como lo hicieron. Pudimos ver a los artistas interpretar estas canciones, casi se sintió como si hubiera más carne y sangre en todo lo que escuchaste en la radio. Cuando quitas los trucos, estas eran el tipo de canciones que se sentían como algo más…eran canciones que sentían que podían durar mucho, con mensajes que hablaban más a tu alma que a cualquier fan del rock casual. Por mucho que algunos géneros como el hair metal hayan resultado cursis, estas son las canciones que se convirtieron en la banda sonora del futuro. En comparación con el mainstream de los años 90 y más allá, estos son los himnos que tuvieron el poder de sacudir al mundo.

Amazon.com: The Joshua Tree: CDs y Vinilo

1. U2: The Joshua Tree.

Cuando se hablaba de rock en los 80, normalmente había que mirar todo a través de una lente específica. O una banda estaba haciendo rock alternativo, new wave rock, heartland rock, o eran simplemente el tipo de banda de la que te olvidarías una vez que terminara el vídeo. A pesar de que se esperaba que fuera artificial, U2 golpeó al mundo del rock directamente en su herida abierta con The Joshua Tree.

Después de años de ser uno de los mejores actos post punk de discos como War, aquí es donde U2 realmente comenzó a fusionar su sonido con lo que los conocemos hoy, creando texturas de guitarra increíbles en canciones como Where the Streets Have No Name. Aparte de los nuevos afectos, la humanidad en la voz de Bono estaba en marcado contraste con los chicos guapos de la época, sonando como si estuviera al borde de las lágrimas en algunas de estas canciones.

Incluso las canciones que no fueron elegidas como singles todavía golpean con la intensidad de un martillo, desde el intenso tema detrás de Bullet the Blue Sky hasta algunas de las mejores voces de Bono en canciones como Red Hill Mining Town. Este no fue solo un álbum de verano del que te olvidarías el próximo año. Eran canciones que tenían el poder de cambiar el mundo.

Appetite For Destruction : Guns N Roses, Guns N Roses: Amazon.es: CDs y  vinilos}

2. Guns N’Roses: Appetite for Destruction.

Tan pronto como MTV comenzó a triunfar, algunas de las bandas de rock más glamurosas de todos los tiempos lograron ser tocadas como si fueran a lograr la segunda juventud, desde Whitesnake hasta Poison haciendo su debut en la plataforma. Sin embargo, una vez que llegamos al final de la década, Guns N Roses le dió a toda la era del rock la patada en el trasero que merecía.

Formado más como una pandilla que como una banda de rock real, había mucha más musicalidad cruda en Appetite for Destruction de la que encontraría en una banda como Ratt, yendo por solos que se sentían mucho más en sintonía con el rock clásico de los ’70. Si bien aún tenía una actitud amigable con la cámara, el poder estelar de Axl Rose y Slash los convirtió en dos de los titanes de la industria de la música en ese momento, especialmente después de tener éxitos como Sweet Child O Mine.

Las letras también eran mucho más maduras, pasando de canciones sobre el amor a entrar en el vientre de Los Ángeles en Welcome to the Jungle o lo cruda que puede ser la vida en la calle en It’s So Easy o Paradise City. Era hora de que el resto de las banda de hair metal se fueran. La banda más peligrosa del mundo acababa de llegar.

The Smiths: La historia detrás de la portada de The Queen is Dead

3. The Smiths: The Queen is Dead.

Junto con todos los rockeros con laca que se pavonean en MTV, había muchas más caminos por explorar en los años 80. Casi al mismo tiempo que gente como Duran Duran subía en las listas de éxitos, un pequeño género conocido como rock alternativo también estaba comenzando a ver la luz, con bandas como The Pixies y REM en las estaciones de radio universitarias. Si bien la mayoría de estas bandas no alcanzaron su ritmo hasta los años 90, The Smiths se les adelantó con The Queen is Dead.

Habiendo sido los favoritos de la escena del rock británico durante un tiempo, Morrissey y Johnny Marr finalmente encontraron algunas de las mejores canciones de su carrera en este álbum, creando historias de personas que son tan audaces y descaradas como rotas por dentro. Aunque podrías llamarlo un poco exagerado en algunos puntos, pistas como The Boy With the Thorn In His Side y There is a Light That Never Goes Out aprovechan ese lado emocional interno de nosotros mismos que tratamos de mantener en secreto en nuestro día para vive el día.

Eso tampoco es para descartar la forma en que Marr toca la guitarra, quien pone cada nota donde debe estar en canciones como Bigmouth Strikes Again. Si bien algunos Smiths dirían que este fue el principio del fin para el grupo, solo un puñado de bandas alternativas pueden esperar hacer un disco tan prístino.

Back in Black (álbum) - Wikipedia, la enciclopedia libre

4. AC/DC: Back in Black.

Dado que perdieron a uno de los mejores frontman de todos los tiempos, Bon Scott, no había razón para que continuaran sin su voz áspera y desigual. Sin embargo, para nuestra sorpresa, Angus Young no iba a pasar el resto de su carrera musical deprimido.

Con el nuevo cantante Brian Johnson a cuestas, estos australianos se propusieron hacer un álbum que se sintiera como un digno tributo a su hermano caído, que se convirtió en uno de los mejores álbumes de toda su carrera. Tampoco es que el espíritu de Bon no esté vivo y bien representado en este disco, desde el toque de apertura de la campana en Hells Bells hasta canciones como la canción principal que actúa como una celebración de lo que hizo en lugar de un memorial.

Tampoco se detiene en un puñado de elogios, dado que canciones como You Shook Me All Night Long y Shoot To Thrill podrían presentarse como el mejor trabajo de cualquier banda de rock menor si lo hubieran publicado por su cuenta. Tal como está, AC / DC descubrió que la mejor manera de alcanzar la perfección máxima no es intentar replicarla. Se trata de mirar profundamente dentro de ti mismo y encontrar algo de lo que ni siquiera estabas seguro de ser capaz.

Rolling Stone México on Twitter: "'Synchronicity' se estrenó un día como  hoy, pero de 1983. Así The Police cerró su carrera con broche de oro:  https://t.co/vpQqlBOUmr… https://t.co/TCMz6POfKo"

5. The Police: Synchronicity.

Toda la trayectoria profesional de The Police es casi como un feliz accidente. Teniendo en cuenta los orígenes dispares de los que provenían cada uno de estos músicos, es un milagro que obtuviéramos al menos un disco tan bueno como es, y mucho menos cinco. Sin embargo, cuando comenzaron a llegar al final, comenzamos a ver cuán lejos su la música pudo llegar a Synchronicity.

Desde sus inicios punk en el álbum Outlandos D’Amour, este fue el momento en el que Sting finalmente alcanzó la cima de sus poderes de composición, con canciones como Every Breath You Take y Wrapped Around Your Finger siendo algunos de los mejores singles pop de la década. Tampoco escatimó en cosas más cerebrales, ya que las dos canciones principales fueron un extraño viaje musical en sí mismas.

Por supuesto, siempre hay esos pequeños puntos en el radar, como la oda de Andy Summer al abuso infantil en Mother, que tienden a derribar el resto del disco. Por otra parte, esos son los momentos que casi sirven a la fluidez del álbum mucho mejor, casi haciéndote apreciar aún más las partes brillantes del disco. Así que tenemos teclados en algunos de los mejores singles pop de todos los tiempos…y algunos momentos cursis añadidos en buena medida. Sí…este álbum es más o menos de los 80 en pocas palabras.

Screaming for vengeance - Judas Priest - ( CD ) - 売り手: didierf -  Id:117734892

6. Judas Priest: Screaming for Vengeance.

A principios de la década, el metal estaba a punto de evolucionar hacia algo muy diferente de lo que era en los 70. Como las escenas de hair metal y thrash ocurrieron al mismo tiempo, el metal estuvo en una década que tuvo algunos de sus momentos más agresivos y más vergonzosos al mismo tiempo. Incluso cuando las bandas filtraban el metal a través del glam y el punk, Judas Priest se adelantó para mostrarnos cómo se hacía el verdadero metal.

Al llegar a la escena para anunciar la nueva ola de heavy metal británico, Judas Priest creó otra obra maestra para poner junto a British Steel, con algunas de las canciones más agresivas que escribirían en esa década. Desde el primer golpe de Hellion en Electric Eye, te espera un viaje emocionante desde el momento en que comienza este álbum, con cada banda de metal contabilizada.

Tienes la velocidad de Riding on the Wind, la fuerte influencia de Sabbath en Bloodstone e incluso las primeras incursiones en el mundo del pop metal en canciones como You’ve Got Another Thing Comin. Por otra parte, podría haber sido una ganga demasiado para Priest, especialmente considerando los errores que cometerían durante el resto de la década como Turbo. Aún así, es mejor tener al menos uno de estos en su arsenal que no haber alcanzado la perfección en absoluto.

R.E.M. - Murmur (1983) | Exile SH Magazine

7. REM: Murmur.

La mayoría de las grandes bandas de la generación de MTV vivieron y murieron en la imagen que proyectaron en la pantalla. Es por eso que la mayoría de las bandas de los 70 no pudieron ponerse al día cuando el medio cambió…solo tienes que mantenerte al día. Entonces, ¿cómo diablos fue uno de los discos más famosos de principios de los 80 el de una banda que no tenía tanta presencia visual para empezar?.

La estética que buscaba REM en los primeros días parecía la antítesis de lo que se suponía que era el rock and roll, siendo demasiado artística. Sin embargo, cuando realmente escuchas las canciones, todo lo promocional comenzó a desvanecerse lentamente, con los fans cayendo perdidamente por las partes de guitarra tintineantes y el increíble canto de Michael Stipe.

Estos tipos ni siquiera necesitaban letras adecuadas para la mayoría de estas canciones, y Stipe finalmente afirmó que estaba murmurando más de la mitad de las letras de canciones como Radio Free Europe. Sin embargo, mirando hacia atrás, realmente no necesitas entender la letra para entender por qué esto fue tan popular. De vez en cuando, tendrás una banda que tocó la emoción tan bien que la melodía llega directamente a tu corazón.

Álbum Pyromania, Def Leppard | Qobuz: descargas y streaming en alta calidad

8. Def Leppard: Pyromania.

Cuando el hard rock conoció la MTV, terminó pareciendo mucho más caricaturesco de lo que originalmente se convirtió. Si bien las estrellas de la época lograron darnos leyendas de sus géneros como Michael Jackson y Prince, el mundo del hard rock tuvo que conformarse con Billy Idol o Twisted Sister que le dieron su giro a la fórmula del rock. Y luego finalmente nos familiarizamos con un disco de rock con tanta fuerza detrás como cualquier álbum de pop.

Desde las notas iniciales de Pyromania, el sonido del disco es absolutamente gigantesco, cortesía de Mutt Lange. Junto con el talentoso don de Def Leppard para la melodía, la mayoría de estas canciones parecían estar pulidas hasta un brillo absoluto, con partes de guitarra que casi parecen armonizar entre sí debido a lo precisas que son.

Sin embargo, cualquier disco puede sonar bonito…echemos un vistazo a esta lista de pistas. Con solo 10 canciones, Def Leppard cumple su promesa de ser su nueva banda de rock favorita, con canciones que capturan la esencia del rock and roll en su forma más pura, desde el sonido de Rock of Ages hasta el coro casi poderoso de Stagefright…apenas habían pasado de la adolescencia, pero Def Leppard ya tenía el resto del movimiento hair metal arrodillado a sus pies después de este álbum.

Southern Accents | HIGHRESAUDIO

9. Tom Petty: Southern Accents.

Tom Petty no parece recibir suficiente crédito por lo mucho que pudo dominar los años 80. Como venía de ser una leyenda del radio rock en los años 70, había una porcentaje posibilidades de 50/50 de que continuaría su racha ganadora o se hundiera como una piedra. Sin embargo, por el aspecto de la producción de Southern Accents, no habrías puesto tu dinero en un estado legendario.

Dado que originalmente se suponía que iba a ser un álbum doble, las sesiones impulsadas por las drogas paralizaron todo, y Tom eligió lanzar un solo álbum con las mejores pistas. Lo que obtuvimos en cambio fueron algunas de las canciones con un sonido más orgánico que podrían salir de un disco de pop rock. Siendo un claro descendiente de los Bruce Springsteen del mundo, la visión de Petty del corazón de Estados Unidos es a partes iguales cínica y romántica, mostrando los lados más ásperos de las pistas así como los escénicos.

Para cada canción como Spike, hay algo así como la canción principal, que muestra al niño pequeño sin pretensiones debajo de la escritura de Petty, cuya chispa para el rock and roll lo sacó de Gainsville en busca de cosas mejores. Aunque la vida de un perro en fuga puede no ser glamurosa todo el tiempo, no ha dejado de ser poética a medida que pasan los años.

Rush, Permanent Waves (Remastered 2015) in High-Resolution Audio -  ProStudioMasters

10. Rush: Permanent Waves.

Una vez que la era de MTV se aceleró, el mundo del rock progresivo recibió un golpe significativo. Aunque bandas como Yes y Genesis se las arreglaron para hacer la transición a la era de los vídeos musicales bastante bien, la era de los solos de una milla de largo y Emerson Lake & Palmer se habían desvanecido desde hacía mucho tiempo. Incluso cuando la gente estaba emparejando cosas y haciendo todo más simple, Rush mantuvo su complejidad y logró llegar a las listas de todos modos.

A principios de los 80, Permanent Waves es el sonido de este trío canadiense que finalmente descubre qué funciona mejor para el molde de Rush, incorporando todo, desde música reggae hasta canciones de varias partes sin pestañear. Aunque algunas de estas pistas son un poco largas para los estándares de la radio de rock, se necesitaría un oyente atento para escuchar el primer toque de Spirit of Radio y decidir girar el dial.

Al desglosar la letra, este es también uno de los álbumes más emocionales que jamás haría Rush, con Neil Peart lidiando con la idea de la libertad de elección en Freewill y las duras realidades que surgen al tratar de encontrar una conexión humana en Entre Nous. El tema puede parecer severo como el infierno en la primera escucha, pero la música real es una de las más divertidas que tendrás mientras escuchas rock progresivo.





«Blood Sugar Sex Magik»: hits, rock, funk, sexo, casa embrujadas y drogas duras

30 09 2021
Must-See '90s Photos of Your Favorite Celebs | Red hot chili peppers  poster, Stuffed peppers, Red hot chili peppers
Red Hot Chili Peppers en 1991

El pasado 24 de septiembre se cumplieron 30 años del lanzamiento de una de los trabajos más emblemáticos del cuarteto californiano.

Si se hiciese una encuesta sobre cuáles fueron las bandas de rock más representativas de los ’90, seguramente Nirvana, Pearl Jam y The Smashing Pumpkins destacarían, con justicia, entre las más populares. Justamente esos tres grupos telonearon a los Red Hot Chili Peppers en la gira de Blood Sugar Sex Magik, quinto disco de los californianos, lanzado el 24 de septiembre de 1991. Se trata de un álbum que alcanzó un gran éxito global global maridando rock, funk, tatuajes, patinetes, tablas de surf y videoclips en MTV.

Pearl Jam Concert Chronology

Después de años de cambios constantes de integrantes y profunda inestabilidad (que incluyó la muerte por sobredosis del guitarrista Hillel Slovak, fundador del grupo), los Chili Peppers se habían consolidado en Anthony Kiedis (voz), Michael “Flea” Balzary (bajo), John Frusciante (guitarra) y Chad Smith (batería) en Mother’s Milk, CD lanzado en 1989 que había ampliado notablemente los horizontes de la banda, tanto musicalmente como en audiencia. A pesar de eso, decidieron modificar notablemente su organización interna para el siguiente trabajo: convocaron al mítico Rick Rubin como productor, a Gus Van Zant como director de fotografía y de videoclips (esta última tarea junto a  Stéphane Sednaoui) y firmaron su primer contrato con Warner Bros como discográfica. Para concretar la grabación, se mudaron a una mansión que había sido habitada por el mago Harry Houdini (a excepción de Smith, quien sostenía -como muchos otros- que el inmueble estaba embrujado, por lo que dormía en otra sede e iba a diario a pasar el día con sus compañeros).

Todo el trabajo quedó registrado en Funky Monks, documental en blanco y negro que, en una hora de duración, constituye una pieza audiovisual que brinda interesantes herramientas para dimensionar el proceso creativo del CD.

En el documental, las secuencias que retratan el día a día del grupo se mezclan con testimonios de los protagonistas, como uno de Flea que resume su espíritu: “Estar en los Red Hot Chili Peppers se trata de ser libre y no ser atado por nada, no tratar de encajar en ningún modelo, estilo o categoría”. Ese manifiesto se plasma de inmediato en el comienzo del disco con The Power of Equality, que inicia con Smith como director de orquesta anunciando el momento exacto de empezar: una oda a la igualdad entre personas y al poder que emana de ese soñado contrato social. La pieza sigue con la lasciva If You Have to Ask, en la que la guitarra de Frusciante se mezcla con vítores y aplausos: los cuatro jóvenes se despachaban con un nivel de autoconsciencia inédito en lo que iba de su carrera como banda. Y, si de reflexión sobre vida y obra se trata, la obra continúa en ese camino con la acústica Breaking the Girl, un lamento que discurre entre juegos vocales e instrumentación, con énfasis en la percusión.

Luego es el turno de otra oda a la exacerbada sexualidad que caracterizó a la banda desde sus inicios pero que estaba llegando a sus picos más altos, Suck My Kiss.

Y, otra vez, el freno de mano y la caída en picado emocional: el disco sigue con la balada I Could Have Lied, uno de los puntos más altos del disco: se trata de una catarsis de Kiedis acerca de su relación frustrada con Sinéad O’Connor. Posteriormente suena Mellowship Slinky in B Major, la máxima expresión funk del disco, claramente influenciado por la obra uno de los ídolos del grupo, George Clinton (quien les produjo el álbum Freaky Styley y al que la banda homenajeó en el clip de Dani California).

The Righteous & The Wicked sigue por el mismo carril con estribillo notable y coros a cargo de la inconfundible y eternamente joven voz de Flea, y es el preludio adecuado para uno de los grandes hits del disco: Give It Away. Acompañado por un videoclip multipremiado, se trata de un choque entre la potencia instrumental apoyada sobre la extraña melodía, y una lírica que pondera la cosmovisión de la multifacética artista alemana Nina Hagen.

El décimo tema es el homónimo al título del disco, y otra cabal demostración del enorme potencial que construyeron los cuatro jóvenes díscolos californianos reunidos en una casa ¿embrujada?: en Blood Sugar Sex Magik se lucen haciendo, literalmente, lo que quieren. Se trata de otra oda a la sexualidad, expresada en cada vocalización susurrada y también gritada, y en cada sonido, tanto sutiles como exagerados. Y, como a lo largo de todo el CD, llega el momento de la introspección: Under the Bridge, la autobiografía de un Kiedis sangrante por drogas duras enterrado en lo profundo de la oscuridad que, paradójicamente, lo cobija como único hogar.

El viaje continúa con con Naked in the Rain, una clase de funk rock; Apache Rose Peacock, un seductor monólogo que es al mismo tiempo coral; The Greeting Song, representante del rock más clásico y del virtuosismo sin igual de Flea para los arpegios; y My Lovely Man, continuadora del salvajismo de la primera época del cuarteto. Las últimas dos pistas son, respectivamente, la más extensa y la más corta del disco: la paródica pero también solemne Sir Psycho Sexy (de más de ocho minutos) y They’re Red Hot (cover de Robert Johnson en 71 segundos de pura velocidad).

La discográfica remasterizó el trabajo en 2006, edición en la que se agregaron Little Miss Lover y la preciosa versión de Castles Made of Sand, de Jimi Hendrix.

Así, con una catarata de hits, los Red Hot Chili Peppers alcanzaron la fama global definitiva y comenzaron una ambiciosa gira que terminaría de muy mala manera. Como si fuera una representación del arte de tapa del disco, en el que las lenguas de los integrantes intentan lamer una rosa pero se enredan entre espinas en el camino, las diferencias entre Kiedis y Frusciante se profundizaron, agudizadas por los consumos ingentes de heroína por parte del guitarrista y el pánico que le generó el éxito masivo. Dejó la banda de la que era fan desde adolescente (por primera vez) y volvería a sus filas para la grabación de Californication (1999, el otro disco fundamental del grupo) con sus brazos cauterizados pero repletos de cicatrices, y confirmó su status de ser un gran guitarrista y compositor.

Explosiva e introspectiva, novedosa y fiel al estilo clásico, rebosante de juventud pero madura: Blood Sugar Sex Magik es una obra cumbre de la música popular de los ’90 y el testimonio de que toda época memorable merece ser bien musicalizada.

Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik | Discogs




Whitesnake lanzará «Love Songs» en noviembre

18 09 2020

Whitesnake reúne parte de la música más apasionante de su carrera multiplatino en «Love Songs», una nueva colección que contiene versiones remezcladas y remasterizadas de las mejores canciones de amor del grupo. Es el segundo lanzamiento de la banda «Red, White and Blues Trilogy», una serie de compilaciones organizadas por temas musicales que comenzó este verano con «The Rock Album» (blanco) y concluirá el próximo año con «The Blues Album» (azul ).

La nueva colección incluye una mezcla de éxitos y temas que se lanzaron originalmente entre 1987 y 2011 en cinco álbumes de estudio de Whitesnake y el tercer álbum en solitario de David Coverdale, «Into The Light». Disponible para pre-pedido ahora, «Love Songs» se lanzará el 6 de noviembre como un CD, como un set de LP doble impreso en vinilo rojo de 180 gramos y digitalmente.

Al igual que «The Rock Album», Coverdale dice que todas las pistas de «Love Songs» han sido revisitadas, remezcladas y remasterizadas. «Algunas han sido embellecidas musicalmente donde mi coproductor Michael McIntyre, mi nuevo mezclador Christopher Collier y yo sentimos que era apropiado o necesario sacar lo mejor de estas canciones», explica.

Coverdale continúa: «Como la mayoría de ustedes saben, casi todas las canciones que escribo son canciones de amor de alguna manera. Estas son algunas de mis favoritas. No todas son baladas. Algunas son rockeras incondicionales con temas románticos poderosos … «

Un nuevo y fresco remix de uno de los mayores éxitos de Whitesnake, «Is This Love» (Remix 2020) del álbum homónimo multiplatino de la banda, está disponible hoy. Lanzado en octubre de 1987 como continuación del éxito número uno «Here I Go Again», «Is This Love» alcanzó el puesto número 2 en la lista de sencillos de EE. UU., convirtiéndose en el segundo mayor éxito de la carrera de la banda. El siguiente álbum del grupo, el platino «Slip Of The Tongue» (1989), está representado aquí por los exitosos sencillos «The Deeper The Love» y «Now You’re Gone».

Además de las pistas del álbum «Don’t You Cry» y «Midnight Blue», el set también presenta tres tomas descartadas inéditas de las sesiones del álbum «Into The Light». Los álbumes «Restless Heart» (1997), «Good To Be Bad» (2008) y «Forevermore» (2011) también están representados en la compilación con múltiples pistas.

En los próximos meses, algunos de los videos de éxito de la era MTV más adorados de la banda se lanzarán en el canal de YouTube de Whitesnake en alta definición, incluido un video promocional solicitado por los fans para la canción «Easier Said Than Done» del álbum «Forevermore».

«The Love Album» CD track listing:

01. Love Will Set You Free
02. The Deeper the Love
03. All I Want, All I Need
04. Too Many Tears
05. Can’t Go On
06. Is This Love
07. With All of My Heart *
08. Summer Rain
09. Your Precious Love
10. Now You’re Gone
11. Don’t You Cry
12. Midnight Blue
13. Easier Said Than Done
14. Yours For The Asking *
15. Let’s Talk It Over *

LP Track Listing:

Side One

01. Love Will Set You Free
02. The Deeper the Love
03. All I Want, All I Need
04. Too Many Tears

Side Two

01. Can’t Go On
02. Is This Love
03. With All of My Heart *
04. Summer Rain

Side Three

01. Your Precious Love
02. Now You’re Gone
03. Don’t You Cry
04. Midnight Blue

Side Four

01. Easier Said Than Done
02. Yours For The Asking *
03. Let’s Talk It Over *

* previously unreleased





La Martin D-18E que Cobain utilizó en MTV Unplugged a subasta

11 05 2020

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Kurt Cobain y su Martin D-18E

Julien’s Auctions ha anunciado que la guitarra que tocó Kurt Cobain durante la aclamada actuación «MTV Unplugged In New York» de Nirvana se venderá en su evento «Music Icons» que tendrá lugar el viernes, junio. 19 y el sábado 20 de junio de 2020 en vivo en Beverly Hills y en línea en JuliensAuctions.com.

Cobain tocó este Martin D-18E de 1959 en lo que se convertiría en la actuación más legendaria de Nirvana. En una grabación en vivo para la popular serie «MTV Unplugged» el 18 de noviembre de 1993, aproximadamente cinco meses antes de su muerte, Cobain eligió esta guitarra para pintar lo que Rolling Stone llamó «su último autorretrato». La actuación acústica de esa noche produjo uno de los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos, «MTV Unplugged In New York». Los cortes del álbum, lanzado siete meses después de la muerte de Cobain, se convertirían en las versiones más famosas y definitorias de las canciones de Nirvana, «About A Girl», «All Apologies», «Come As You Are» y «Dumb». «MTV Unplugged in New York» debutó en el número 1 en la lista de Billboard de los EE. UU. y se clasifica constantemente entre los diez mejores álbumes en vivo de todos los tiempos. El dominio de Cobain de esta guitarra junto con la impecable actuación acústica y vocal de la banda impulsó el álbum «MTV Unplugged In New York» a la certificación multiplatino y ganó el Premio Grammy por «Mejor álbum de música alternativa» en 1996. La guitarra fue la séptima de solo 302 D-18E construidas por Martin y fue personalizada por Cobain, quien agregó una pastilla Bartolini. La estimación inicial para la guitarra es de un millón de dólares.

Además, la guitarra viene con su estuche rígido original decorado por Cobain con un flyer del álbum de 1990 de la banda de punk rock Poison Idea, «Feel The Darkness». Hay tres resguardos de equipaje adheridos al asa, junto con una pegatina de Alaska Airlines pegada en el estuche. El compartimento de almacenamiento del estuche también contiene el paquete medio usado de cuerdas de guitarra Martin de Cobain, tres púas para guitarra y su bolsa de gamuza decorada con una cuchara, tenedor y cuchillo de plata en miniatura.

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Además, una Fender Stratocaster negra hecha a medida y rota depués utilizada por Kurt Cobain mientras actuaba con Nirvana en la gira «In Utero» de 1994 (estimación: $60,000- $80,000), una camisa plateada de manga larga usada por el artista en el vídeo «Heart-Shaped Box» de 1993 (estimado: $10,000- $20,000) y una copia de la portada del CD «Bleach» de 1989 de NIRVANA firmada «Kurdt» y con dibujos de Cobain (estimado: $1,000- $2,000), también serán ofrecidos en la subasta.

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Martin D-18E de Cobain





«ZZ Top: That Little Ol’ Band From Texas», será lanzado en DVD, Blu Ray y digital en febrero

12 12 2019

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El gran blues rock de ZZ Top, combinado con un carisma surrealista que continúa intrigando a los fans, catapultó a la banda al estrellato mundial. Su historia se explora profundamente en «ZZ Top: That Little Ol ‘Band From Texas», que se lanzará a través de Eagle Rock Entertainment en DVD, Blu-ray y digitalmente el 28 de febrero de 2020.

Producida por el galardonado Banger Films, «ZZ Top: That Little Ol ‘Band From Texas» ofrece la historia de este poderoso trío. Estrenada originalmente en una exhibición con entradas agotadas en el Cinerama Dome en Hollywood a principios de este año, la película experimentó una exitosa presentación de 10 semanas a través de 150 pantallas a nivel nacional. Ésta revela la historia de tres músicos adolescentes de blues: el guitarrista Billy F Gibbons, el bajista Dusty Hill y el batería Frank Beard, que se convirtieron en sensaciones internacionales. La película rastrea el rico legado de ZZ Top, desde sus inicios en bares hasta la era de MTV y el ascenso meteórico a la fama. Además de las entrevistas con los miembros de la banda, el disco presenta conversaciones con admiradores como Billy Bob Thornton y Joshua Homme, así como imágenes de archivo nunca antes vistas. Filmada exclusivamente para esta película, una actuación íntima de ZZ Top en el histórico Gruene Hall, el salón de baile más antiguo de Texas, se intercala en todo el documental.

«Creo que incluso nuestros fans más firmes se encontrarán sorprendidos por lo que aprenderan sobre esos hombres detrás de las barbas y las gafas de sol baratas», dijo Gibbons

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Versión «expanded 2LP» de «MTV Unplugged In New York» para celebrar el 25º aniversario

30 09 2019

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Nombrado como uno de los 10 mejores álbumes en vivo de todos los tiempos por Rolling Stone, «MTV Unplugged In New York» de Nirvana será reeditado en vinilo el 1 de noviembre para celebrar el 25 aniversario de su lanzamiento en 1994.

Ampliado para incluir cinco demos de ensayo que antes solo estaban disponibles en DVD, el lanzamiento también presenta detalles de lámina de plata de aniversario en la portada y contraportada.

Además de la edición de vinilo negro de 180 gramos, una edición exclusiva de vinilo de color de edición limitada estará disponible solo en Nirvana.com hasta agotar existencias.

Vinyl track listing:

LP 1 – Side A

01. About A Girl
02. Come As You Are
03. Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam
04. The Man Who Sold The World

LP 1 – Side B

01. Pennyroyal Tea

02. Dumb
03. Polly
04. On A Plain
05. Something In The Way

LP 2 – Side C

01. Plateau
02. Oh Me
03. Lake Of Fire
04. All Apologies
05. Where Did You Sleep Last Night?

LP 2 – Side D

01. Come As You Are (Rehearsal)
02. Polly (Rehearsal)
03. Plateau (Rehearsal)
04. Pennyroyal Tea (Rehearsal)
05. The Man Who Sold The World (Rehearsal)

DSP track listing:

01. About A Girl
02. Come As You Are
03. Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam
04. The Man Who Sold The World
05. Pennyroyal Tea
06. Dumb
07. Polly
08. On A Plain
09. Something In The Way
10. Plateau
11. Oh Me
12. Lake Of Fire
13. All Apologies
14. Where Did You Sleep Last Night?
15. Come As You Are (Rehearsal)
16. Polly (Rehearsal)
17. Plateau (Rehearsal)
18. Pennyroyal Tea (Rehearsal)
19. The Man Who Sold The World (Rehearsal)

Dave Grohl dijo hace un tiempo que Nirvana grabó una gran cantidad de material que nunca ha visto la luz del día,¡. «Hay muchas cosas inéditas que nunca he escuchado. Quiero decir, fui el quinto batería. No me uní hasta 1990, pero pasé mucho tiempo haciendo demostraciones y grabando prácticas en el sótano y cosas así».

En 2015, se lanzó una selección de grabaciones inéditas de la banda sonora del documental «Kurt Cobain: Montage Of Heck», junto con material nunca antes publicado de los archivos personales de Kurt Cobain.





«Small Victories: The True Story Of Faith No More», en septiembre

29 08 2018

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Adrian Harte, el blogger cuyo sitio web, Faith No More 2.0, se ha convertido en la fuente principal de todo lo concerniente a Faith No More, lanzará el 12 de septiembre, a través de Jawbone Press, el libro «Small Victories: The True Story Of Faith No More».

«Cuando escuché por primera algo de la biografía de Faith No More, no sabía qué pensar», dijo el bajista Bill Gould. «Pero tengo que reconocer que es una pieza de calidad, de investigación, y eso se nota. Me proporcionó unas pocas revelaciones…y eso que estoy en la banda!».

Aunque no es un libro oficial de Faith no More, las 376 páginas presentan entrevistas con miembros de múltiples bandas y figuras clave de los 39 años de historia de la banda y cuenta con el respaldo total del grupo.

«Small Victories …» cuenta cómo un grupo tan heterogéneo como Faiht No More se formó, creció , y ayudó a redefinir el rock, el metal y la música alternativa. El libro narra las tensiones creativas y personales que definieron y alimentaron a la banda, examina los comienzos de la banda en el post-punk de San Francisco y traza el ascenso del grupo al estrellato de la era MTV. Basado en una meticulosa investigación y cientos de entrevistas, el libro combina la pasión de un fan con la perspicacia de un reportero.
Harte es un periodista experimentado y profesional de las comunicaciones que trabaja como gerente de medios para la UEFA. Desde 2009 ha dirigido Faith No More 2.0.

 





Actualizado (2): La historia se repite, Chris Cornell se suicidó

19 05 2017

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Chris Cornell, fundador de Soundgarden, ha muerto dos décadas y media después del momento en el que vivió en la espuma de los días. Según han confirmado fuentes médicas del condado de Wayne, Cornell se  pudo haber ahorcado en el baño de la habitación de su hotel, donde fue encontrado su cuerpo después del concierto con la banda.

¿Cómo recordar a Soundgarden? Estuvieron en el lugar adecuado, en el momento justo, con el equipaje perfecto. Estuvieron antes, de hecho. Soudgarden ya era un grupo relevante antes de que Nirvana rompiera el cascarón. Eran de Seattle y tocaban un rock áspero y un poco barroco en su puesta en escena, de inspiración setentera y agraciado con la voz de Cornell, casi un tenor de capacidad insólita para su género. También con su carisma y su historia personal: Cornell era un muchacho atormentado con un historial de depresiones y comportamientos asociales. El tipo de héroe que requerían los años 90.

La fórmula era sencilla pero intensa, bendecida por la edad de oro de la MTV, la cultura de los videoclips y el renacer de los grandes festivales. «Badmotorfinger», su disco de 1990, rozó las puertas del cielo. «Superunknown», de 1994, dio ya de pleno con el espíritu del momento, aquello que se llamaba grunge, con canciones como «Spoonman» y «Black hole sun». ¿Dónde quedan Soundgarden en la memoria de aquellos años? Por entonces, cualquier aficionado hubiera dicho que primero iba Nirvana, después Pearl Jam y, en el tercer escalón del podio, Soundgarden. El tiempo no ha tratado del todo mal a ninguno de los tres grupos.

Cuando la década de los 90 entró en su segunda mitad, el momento de gracia de aquella generación empezó a apagarse. Soundgarden se separó en 1997, pero Cornell aún tuvo momentos relevantes en la música. Ocurrió en 2001, cuando el cantante se reunió con los náufragos de Rage against The Machine (todos menos Zack de la Rocha) y formó Audioslave. En resumen, su plan consistía en tomar el sonido de RATM y enriquecerlo con el carisma de su propia voz que, a su vez, entraba así en el siglo XXI con una propuesta más contemporánea, menos masticada. La fórmula funcionó durante años, con buenas ventas, aunque no duró mucho.

Audioslave se separó en 2007 y Cornell retomó una carrera en solitario que había iniciado una década antes, publicando varios discos después de interpretar el tema principal de una película de James Bond, Casino Royale (2006). Pero para una generación, nunca dejó de ser la voz de Soundgarden.

La banda, por cierto, se había reunido en los últimos años, ya como un auto-homenaje. Soundgarden daba conciertos por Estados Unidos con la excusa de los 25 años que han pasado desde «Badmotorfinger». Fue ése el motivo que llevó a Cornell hasta el Fox Theatre en el que iba a ser su último concierto.









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