«Nadie había visto nunca algo así. Jimi lo había visto así antes que nadie». Se ha presentado el tráiler oficial de un documental llamado Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision, una mirada retrospectiva a un momento específico de la historia de la música. Se estrenará en Nueva York en el cine The Quad a partir de principios de agosto, antes de proyectarse en más cines de todo el mundo.
La película documental narra la creación de Electric Lady Studios, un innovador estudio de grabación de Nueva York donde han grabado íconos como John Lennon, The Clash, AC/DC, Chic, David Bowie, Stevie Wonder, Taylor Swift, Lady Gaga y Beyoncé, mostrando el impacto de Hendrix en una industria musical en constante evolución.
Surgiendo de los escombros de un club nocturno en quiebra de Manhattan para convertirse en un estudio de grabación de última generación inspirado en el deseo de Hendrix de tener un estudio permanente. La película incluye algunas imágenes nunca antes vistas, junto con desgloses de temas de clásicos de Hendrix como «Freedom», «Angel» y «Dolly Dagger» del ingeniero de grabación Eddie Kramer. También cuenta con apariciones del arquitecto John Storyk, el bajista Billy Cox, el batería Mitch Mitchell y los músicos Steve Winwood y Buddy Guy.
Electric Lady Studios fue el primer estudio de grabación comercial propiedad de un artista. Al principio, había imaginado la creación de un club nocturno experimental, inspirado en el efímero local nocturno Cerebrum de Greenwich Village, cuyos clientes vestían túnicas sueltas y estaban inundados de luces intermitentes, imágenes espectrales y sonidos ambiente. Hendrix disfrutó tanto de la experiencia Cerebrum que le pidió a su arquitecto, John Storyk, que trabajara con él y su manager, Michael Jeffery, para transformar lo que alguna vez fue el Generation Club en «un estudio eléctrico participativo». Sin embargo, poco después de adquirir el contrato de arrendamiento de Generation Club, Hendrix pasó de construir un club nocturno a crear este nuevo estudio de grabación.
Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision está dirigida por el cineasta habitual de Hendrix, John McDermott, director de Jimi Hendrix Electric Church and Music, Money o Madness… Jimi Hendrix in Maui Abramorama estrenará Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision en los cines de Nueva York el 9 de agosto de 2024 este verano, seguido de un estreno mundial en cines.
La legendaria constructora de pastillas Abigail Ybarra ha salido de su retiro para trabajar en una nueva línea de guitarras Castedosa, que han sido construidas para honrar su legado como “diosa de las pastillas”.
Aunque hasta el momento se han revelado pocos detalles, el nuevo modelo ABI está claramente inspirado en la Stratocaster, aunque con curvas acentuadas. Cuenta con tres pastillas de bobina simple y un acabado relic, y la guitarra reúne la rica experiencia de dos ex empleados de Fender.
Castedosa ABI (Aged Birnt Marshamallow)
De hecho, Ybarra se retiró en 2013, después de haber sido parte de la familia Fender durante más de 50 años, haciendo de las pastillas una forma de arte en la Fender Custom Shop.
Sus creaciones hechas a mano han sido interpretadas por nombres gigantes, como Jeff Beck, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Buddy Holly y Stevie Ray Vaughan, lo que las convierte en piezas de colección muy buscadas.
Tras su jubilación, el director de marketing de Fender Custom Shop, Mike Eldred, la describió como una «líder en nuestra industria» que «marcó la pauta para Fender». Por lo tanto, es sorprendente (y emocionante) verla de nuevo en acción, nada menos que con otro ex asistente de Fender Custom Shop.
Castedosa Guitars fue fundada en 2022 por Carlos López, quien anteriormente trabajó como maestro constructor para la firma, creando guitarras para Eric Clapton, Jeff Beck y Eric Johnson, entre muchos otros.
Magnatone ha anunciado una nueva versión del cabezal de amplificador característico de Slash, el SL-100, una versión oscura y recuperada del mismo modelo, denominada Blackout Edition.
El Blackout recibe su nombre del tolex negro utilizado en los gabinetes, que continua con un tema reptil iniciado por su predecesor, el Limited Edition SL-100, con un acabado en cubierta verde anaconda.
Los amplificadores de válvulas de la empresa son famosos por su volumen y claridad contundente, y el SL-100 ciertamente no ha sido una excepción. «Es un monstruo», señala la empresa. “El Magnatone más potente hasta la fecha, que ofrece suficiente tono, ganancia y cuerpo increíbles para llenar un estadio”.
«Me he convertido en un gran admirador del sonido Magnatone», añade Slash. “Y ha sido un honor ayudar a diseñar un amplificador de 100 vatios con ellos. Creo que juntamos el tono y la claridad de Magnatone con un poco de potencia y crujido. La combinación es agresiva y dulce al mismo tiempo, es bastante impresionante”.
Debajo del capó, el Blackout Edition SL-100 se mantiene sin cambios. Obviamente, antes del impactante anuncio de que Slash estaba colaborando con Magnatone a finales del año pasado, el ícono de la guitarra era conocido por su asociación con Marshall Amplification.
El nombre y el diseño de ese cabezal es la versión estadounidense del clásico Marshall 1959 Super Lead (una de las llamadas versiones Plexi, preferida por todos, desde Eddie Van Halen hasta Angus Young y Jimi Hendrix).
El SL-100 combina ese circuito de estilo vintage (activado con el interruptor Lo) con un nuevo canal de ganancia Hi, inspirado en los tonos posteriores del Marshall JCM800 que definieron los primeros trabajos de Slash en Guns N’ Roses.
De acuerdo con las especificaciones británicas clásicas, hay cuatro válvulas de potencia EL34 y cuatro válvulas de preamplificador 12AX7. Los dos canales tienen controles de ganancia independientes, un ecualizador de cuatro bandas compartido y un bucle de efectos con búfer de válvulas, además de un control de volumen maestro y dos entradas.
Aún no hay información oficial sobre el precio del Blackout. Sin embargo, esperamos que reduzca algo los elevados $4,899 del SL-100 original.
Kurt Cobain. MTV Unplugged in New York, Nov. 18, 1993.
Kurt Cobain, líder de Nirvana e ícono musical, murió el viernes 5 de abril de 1994, hace 30 años.
Con Nirvana, Cobain lanzó sólo tres álbumes durante su vida en un lapso de cinco años, incluido «Nevermind», certificado por la RIAA Diamante, lo que lo convirtió en el rostro de la contracultura y el movimiento grunge y alternativo de principios de los 90. Sin embargo, a pesar de su breve carrera, Nirvana y su líder tuvieron un profundo impacto tanto en la música rock como en la cultura pop, que continúa más de una generación después.
Kurt Donald Cobain nació el 20 de febrero de 1967 en Aberdeen, Washington. Mientras estaba en la escuela secundaria, conoció al músico Krist Novoselic y formaron una banda juntos. Después de varios cambios de personal y de nombre, se creó Nirvana, con Cobain a la guitarra y voz, Novoselic al bajo y Chad Channing a la batería. Lanzaron su álbum debut, «Bleach», en junio de 1989, en el influyente sello independiente Sub Pop de Seattle; la elección es un reflejo de la pasión de Cobain por el espíritu anticorporativo del punk y el indie rock.
«Kurt suscribió eso profundamente», dijo Michael Azerrad, quien entrevistó a Cobain como autor de la biografía autorizada de Nirvana de 1993 «Come as You Are: The Story of Nirvana». “Y, sin embargo, tenía este impulso contradictorio de ser tan famoso como creía que merecía su talento. Creo que ese fue un gran conflicto que nunca logró resolver”.
Después de «Bleach»,Nirvana saltó de Sub Pop a un sello importante, DGC Records, y contrató a un nuevo batería: Dave Grohl, quien se inició tocando en bandas de punk de Washington, D.C. Juntos, la banda grabó lo que se convertiría en «Nevermind», añadiendo un acabado más brillante y expansivo a su sonido.
Dave Grohl, Kurt Coabin, Krist Novoselic (Alemania, Nov. 12, 1991)
«Nevermind» fue lanzado en septiembre de 1991, y rápidamente se corrió la voz sobre su sencillo principal, «Smells Like Teen Spirit», y su video, que mostraba a Nirvana actuando en el gimnasio de una escuela secundaria rodeada de teenagers rebeldes.
En enero de 1992, «Nevermind» alcanzó el puesto número 1 en la lista de álbumes Billboard 200 de todos los géneros. Impulsado por éxitos que también incluyeron «Come as You Are», «In Bloom» y «Lithium», el álbum finalmente vendió más de 10 millones de unidades y obtuvo la certificación Diamante de la RIAA solo siete años después.
Kurt Cobain durante una actuación en New York.
Las letras de Cobain, sobre el odio hacia uno mismo y la rebelión adolescente, junto con el rock distorsionado y lleno de ganchos de Nirvana, hablaban directamente del descontento que sentía la juventud de esa generación y fueron vistas como un antídoto contra el exceso y el libertinaje de la escena del hair metal de los 80. “Grunge” rápidamente se convirtió en un término familiar, y las bandas de Seattle Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains, todas las cuales encarnaban el mismo sonido y espíritu, subieron en las listas.
A medida que creció la popularidad de Nirvana, también creció el interés en la vida personal de Cobain, lo que afectó profundamente su ya frágil salud mental y emocional. Los informes sobre su consumo de heroína, así como su relación con su esposa, la líder de Hole, Courtney Love, se convirtieron en material de prensa sensacionalista.
Cobain y Love dieron la bienvenida a una niña, Frances Bean, en agosto de 1992. Poco después, Vanity Fair publicó un artículo que alegaba que Love había consumido heroína durante el embarazo. En septiembre, funcionarios de Los Ángeles investigaron la aptitud de la pareja como padres, y Cobain y Love perdieron brevemente la custodia de Frances.
Kurt Cobain con su esposa, Courtney Love, y su hija, Frances Bean Cobain, Sept. 2, 1993, MTV Music Awards.
El tercer y último álbum de Nirvana, el disonante «In Utero», salió a la venta en septiembre de 1993. En noviembre siguiente, en el apogeo de su popularidad, la banda grabó un espectáculo íntimo para la serie de conciertos de televisión «MTV Unplugged». La actuación fue lanzada en 1994 como el álbum en vivo «MTV Unplugged in New York», que finalmente obtuvo la certificación ocho veces Platino de la RIAA. Casi treinta años después, la guitarra que Cobain tocó durante el concierto se vendió en una subasta por una cifra récord de 6 millones de dólares en 2020, mientras que el andrajoso cárdigan verde que llevaba se vendió un año antes por 334.000 dólares.
Kurt Cobain. MTV Unplugged in New York, Nov. 18, 1993
Sin embargo, Cobain siguió siendo un alma afligida. Su consumo de drogas continuó y el 4 de marzo de 1994 fue hospitalizado en Roma por una sobredosis mientras Nirvana estaba de gira por Europa. Después de una hospitalización de cinco días, Cobain regresó a su casa en Seattle.
El 8 de abril, un electricista que llegó a la casa de Cobain en Seattle para hacer algunos trabajos lo descubrió muerto. Tras una investigación, se dictaminó que había muerto a causa de una herida de bala autoinfligida el 5 de abril. Cobain había cumplido 27 años apenas dos meses antes.
La muerte de Cobain marcó el fin de Nirvana y de la era grunge, y aumentó la oscura notoriedad del llamado ‘Club 27’, que incluye a los fallecidos músicos Jimi Hendrix, Jim Morrison y Janis Joplin, todos los cuales murieron a la misma edad. . Más conmovedoramente, su muerte generó conciencia nacional sobre el suicidio y la salud mental, y centró la atención en los comentarios y letras anteriores de Cobain que hacían referencia a armas o autolesiones.
«Es muy doloroso», dijo Azerrad sobre la revisión de esos comentarios anteriores de Cobain. “Te golpeas la frente metafóricamente y piensas: ‘Oh, ¿por qué no me di cuenta de eso?’ Pero a veces existe algo así como esconderse a plena vista, y esa era una de esas cosas”.
Kurt Cobain. MTV Live and Loud: Nirvana Performs Live. December 1993. Pier 28, Seattle
Una vez terminado Nirvana, Grohl formó su propia banda, Foo Fighters, que encabezó las listas de éxitos. Él y Novoselic se han reunido varias veces, quizás la más notable en la ceremonia de incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll de 2014, donde Cobain y Nirvana fueron incluidos en su primera nominación, y durante la cual interpretaron éxitos de Nirvana con cantantes invitados como Lorde y JoanJett.
En las tres décadas transcurridas desde la muerte de Cobain, la influencia de Nirvana nunca decayó y ha ido más allá de la música rock hacia otros géneros y la cultura pop en general. El rapero Post Malone transmitió en vivo un célebre tributo a Nirvana ambientado durante los primeros días de la pandemia, mientras que la actriz y cantante Selena Gomez, nacida menos de un mes antes que Frances Bean, compartió recientemente que estaba «obsesionada» con Kurt Cobain mientras crecía. En 2022, la canción «Something in the Way» resurgió debido a su uso en el tráiler de la exitosa película «The Batman».
«Por eso Kurt hizo música: para estremcer a la gente y a él mismo, para sentirse mejor y, por extensión, con suerte, que el público se sienta mejor».
Las celebraciones del 70º aniversario de la Fender Stratocaster continúan con el lanzamiento de una versión estelar de «Voodoo Child (Slight Return)» de Jimi Hendrix, con un elenco de los guitarristas de Stratocaster más famosos de la actualidad.
Y apropiadamente, el video, titulado Voodoo Child: Forever Ahead of Its Time, abarca varias generaciones. En un momento tienes a Nile Rodgers tocando su Hitmaker Strat, una leyenda de la guitarra de blues de Texas, Jimmie Vaughan, y Tom Morello apareciendo con su Soul Power Strat y la pedalera más grande de todas para introducir algunos cambios de tono.
Los siguientes son Tash Sultana, Rebecca Lovell y Tyler Bryant. Incluso está Mateus Asato, que aun no siendo un artista de Fender, parece que está tocando la Jimi Hendrix Stratocaster en Olympic White.
Gracias al poder de edición digital, Fender cambia debidamente a cada guitarrista de un escenario rodeado por una pared de Fender Super Sonic y cabinas a juego. Visualmente, ese escenario parece una referencia a las actuaciones de Jimi Hendrix Experience en 1970 en Maui…y la Stratocaster que toca Asato está basada en la que Hendrix usó ese día.
El elenco de músicos también incluye a Simon Neil de Biffy Clyro, REI y Ari O’Neal. Cada uno de ellos tocando Stratocaster bastante diferentes. Ninguna como la Hitmaker modificada de Rodgers y pocas tienen una historia de fondo como la Stratocaster “Pinky” de Bryant, marcada por la batalla, que fue robada y desapareció durante cinco años y medio antes de que se reuniera con ella de nuevo.
Janie Hendrix, presidenta y directora ejecutiva de Experience Hendrix y hermana menor de Jimi, comenta: «a Jimi le encantaba escuchar a los artistas tocar su música. De hecho, una vez dijo que lo habían imitado tan bien que la gente incluso había copiado sus errores. Décadas más tarde, su música sigue siendo interpretada por artistas contemporáneos y es posible que lo sea para las generaciones venideras. Eso realmente habla del impacto y la relevancia de un músico, un músico increíble, que estaba tan adelantado a su tiempo, que sus canciones siempre serán el sonido actual. Eterno. Creo que sus guitarras, como su Stratocaster, le ayudaron a transportarse”.
Próximamente en la página de YouTube y en las redes sociales de Fender habrá una serie de Strat Sessions, en las que los músicos discuten su vínculo con la Strat (y, con suerte, también nos mostrarán algunos licks), e Icons Of The Strat, en la que bien podríamos haber algo más de contenido relacionado con Hendrix para disfrutar, sin mencionar a los ya desaparecidos Stevie Ray Vaughan, Buddy Holly, Jeff Beck…
Gibson anuncia oficialmente una nueva tienda Gibson Garage, esta vez en elcentro histórico de Londres, Gibson Garage London se convertirá en la primera tienda de Gibson fuera de Estados Unidos, y sigue a la exitosa apertura de Gibson Garage Nashville. Gibson Garage es la mejor experiencia de guitarra y el destino obligado para los amantes de la música de todo el mundo y el lugar para explorar los 130 años de la historia musical de Gibson.
Ubicada en elcentro histórico de Londres, justo al lado deOxford Street, y con 418 metros cuadrados de espacio comercial, Gibson Garage London abrirá oficialmente sus puertas al público el sábado 24 de febrero en la61-62 Eastcastle St, Londres. Dentro de Gibson Garage London, los visitantes podrán conectar y tocar más de 300 guitarras eléctricas y acústicas de Gibson, Gibson Custom, Gibson Acoustic, Epiphone y Kramer, explorar la colección completa de pedales Maestro y mucho más.
“¡Estamos encantados de anunciar la apertura del Gibson Garage London!”, dijo César Gueikian, presidente y director ejecutivo de Gibson Brands.“Londres fue una elección obvia para nuestra segunda ubicación, dado que es una de las ciudades más cosmopolitas del mundo con un ecosistema musical vibrante y muy influyente. En Gibson Garage es donde queremos que nuestros fans experimenten Gibson; un espacio inmersivo de ensueño donde los fans entren y digan: ‘¡Guau, este es el lugar que Gibson siempre debería haber tenido!’. El Garage está diseñado para ser parte de la comunidad musical de Londres, cuenta con un escenario que ofrecerá presentaciones y actividades en vivo de artistas icónicos y emergentes. También es un lugar emocionante para experimentar la música y el estilo de vida a través de instrumentos, sonido, medios y vestimenta Gibson. Esperamos que Gibson Garage tenga impacto en la escena musical de Londres, además de convertirse en un destino de visita obligatoria”.
La Gibson Gallery, un mural que cambiará cada dos años, destacará la fotografía y el arte de artistas y músicos británicos. La exposición inaugural en la Gibson Gallery debutará con una colección exclusivadel legendario fotógrafo de rock ‘n’ roll Gered Mankowitz. Durante los últimos50 años, los retratos de Mankowitz han ayudado a dar forma a las imágenes icónicas de los principales actores de la música. Rolling Stones, Jimi Hendrix, PP Arnold, Kate Bush, Elton John, The Jam, Eurythmics, Oasis y muchos más, han posado para la cámara de Mankowitz.
Vox ha continuado con su reciente serie de lanzamientos con uno que mira hacia atrás en lugar de hacia adelante (de la mejor manera), ya que recrea fielmente los dos primeros pedales wah de producción. Vienen en forma de VRM-1 y V846 Vintage.
Apodado ‘The Real McCoy’, el VRM-1 es una «recreación meticulosa del pedal wah original» producido por Vox en 1967. El pedal fue creado para emular la técnica de sordina de trompeta de Clyde McCoy, aunque se convirtió en una bestia icónica en sí mismo cuando se combinó con una guitarra eléctrica, con Jimi Hendrix y Clapton encontrando rápidamente nuevas formas de expresarse con su pedal.
Posteriormente se combinó con otros instrumentos. Geezer Butler usó uno para crear la icónica introducción de N.I.B de Black Sabbath, mientras que los saxofonistas también comenzaron a usarlos, incluidos varios músicos que tocaron con Frank Zappa.
El VRM-1 pretende ser una especie de cápsula del tiempo, recreando la tonalidad del primer pedal wah y su tono nasal. Para lograrlo, acentúa el rango medio para lograr un sonido cálido y melódico que subraya cuidadosamente la articulación de cada nota.
VRM-1 Real McCoy Wah Pedal
También hay un VRM-1 Limited, que contiene el mismo hardware seleccionado a mano y la misma artesanía vintage, pero con un brillante acabado totalmente cromado que lo hace parecer sorprendentemente espacial.
VRM-1 LTD
El V846 Vintage, por otro lado, es una “recreación auténtica” de su sucesor, el segundo modelo wah de producción. Tonalmente, este pedal, y su nueva recreación de Vox, se caracteriza por un rango de barrido extendido, con un enfoque adicional en sus frecuencias altas para un efecto más nítido y mordaz.
V846 Vintage Wah Pedal
Los pedales cuentan con “piezas seleccionadas a mano y diseñadas a medida” que “crean una reproducción perfecta del sonido de estos dos pedales icónicos”.
Naturalmente, el uso de piezas «premium» significa que estas fieles recreaciones no son muy baratas. Las versiones normales costarán £279 (aproximadamente $350), mientras que la elegante edición cromada del VRM-1 cuesta un poco más: £329 (aproximadamente $415).
Fender ha anunciado la Stratocaster exclusiva de Bruno Mars, que rinde homenaje al talentoso cantautor y estrella del pop no sólo con una guitarra sorprendente, sino también con un color completamente nuevo para la marca, denominado Mars Mocha.
Todo esto significa que la exitosa estrella del pop, compositor e intérprete ahora puede agregar no solo una Strat sino también un acabado con su nombre a su gran lista de cosas con su nombre, junto con los ocho números uno, 14 premios Grammy y 200 millones de ventas de sencillos.
“No me considero un guitarrista. Soy más bien un compositor frustrado”, dice Mars. “Cada canción es como un rompecabezas que tienes que resolver, y una buena guitarra puede sacar algo de ti que te puede ayudar a llegar a la meta. Eso es lo que quería de esta guitarra. También era importante tener un caballo de batalla en el que pudiera confiar para tocar en vivo y escribir en el estudio, ya fuera ritmo o solista».
Los comentarios de Mars son un tanto modestos e imaginamos que algunos compradores de guitarras podrían descartar de plano la perspectiva del modelo característico de la estrella del pop, pero hay algunas especificaciones realmente inteligentes aquí.
Como tal, ese caballo de batalla ofrece una combinación muy atractiva entre look vintage y prestaciones modernas que garantiza que no se desgastará en tus manos después de un largo día en el estudio.
La lista de especificaciones resultante presenta un cuerpo American Ultra de fresno (con tallados ergonómicos y contemporáneos y un talón de mástil reducido) combinado con un perfil de mástil del 69 recreado (modelado a partir de la propia Stratocaster del 69 de Mars, y considerado por muchos como el mástil Strat definitivo), además de un diapasón de arce con radio compuesto de 9,5″-12″ y trastes de acero inoxidable.
Por otra parte, hay un conjunto de pastillas Fender Bruno Mars personalizadas, clavijero con bloqueo Deluxe y herrajes dorados. Ese hardware, junto con el acabado de laca nitro Mars Mocha, muestra el nuevo proceso de envejecimiento Heirloom de Fender, dándole una agradable sensación relic.
Todo se complementa con una correa con estampado de leopardo incluida, que pretende ser un guiño a dos de los íconos de la guitarra favoritos de Mars, Jimi Hendrix y Prince.
También incluye un golpeador de color mint de tres capas, por si acaso…
¿El precio por todo esto?… $2,999, lo cual no es barato para un Fender que no es Custom Shop USA, pero aquí hay algunos detalles de alta gama y eso, claramente, tiene un costo.
Es un buen momento para los fans de Uni-Vibe, pisándole los talones al Strymon Ultraviolet, el nuevo pedal Riptide de Eventide Audio es un combo inesperado que ofrece Uni-Vibe y overdrives legendarios en una sola unidad.
Estás pensando en Jimi Hendrix, David Gilmour y Robin Trower…este pedal de vibración y overdrive es una propuesta mucho más clásica que los sonidos de otro mundo del magnífico armonizador H90 lanzado este año.
Hay dos voces distintas para los lados Vibe y Drive del estéreo Riptide. Para este último, se presentan en verde para un «crunch dinámico de rango medio y en rojo para un sonido overdrive suave y potenciado». La voz verde de Vibe apunta a la riqueza arremolinada del Uni-Vibe original, mientras que la roja ofrece un «efecto de fase más profundo».
El pedal ofrece la opción de cambiar el orden de los dos lados y cualquier combinación de parámetros se puede asignar a un pedal de expresión externo opcional. Además de MIDI, también están disponibles las opciones Buffered, Relay, DSP+FX o Kill dry.
Puedes reordenar sin esfuerzo el proceso de Drive a Vibe o de Vibe a Drive, y cualquier combinación de parámetros se puede asignar a un pedal de expresión. Además, hay cinco ajustes preestablecidos integrados y más para explorar utilizando el software Eventide Device Manager (EDM).
Fender y Mission Engineering han anunciado el sorprendente regreso de los amplificadores Sunn, una de las marcas clásicas de amplificadores de guitarra de culto de todos los tiempos, utilizada y abusada por músicos de rock de gran volumen, desde Pete Townshend y Jimi Hendrix hasta Boris, Melvins y más.
Se espera que los nuevos modelos y accesorios estén disponibles a fines de 2023. Fender recogió la marca a mediados de los 80, pero ha estado inactiva durante muchos años.
Quizás lo más sorprendente de esta resurrección es que haya tomado tanto tiempo. La importancia de los amplificadores de válvulas Sunn, en particular los diseños como el Model T, ha sido una gran parte del sonido de guitarra de rock, alternativo y doom metal.
Fender dice que estaba esperando «el equipo y los recursos adecuados» antes de hacer un movimiento. El año pasado, eso sucedió, con Sunn Amplification Corporation para fabricar los amplificadores Sunn bajo licencia en USA. James Lebihan, CEO de Sunn Amplification, encabeza un equipo que lleva mucho tiempo esperando este momento.
“Resucitar la marca Sunn ha sido durante mucho tiempo un sueño de nuestro equipo, y estamos encantados de ser el socio de confianza que Fender ha seleccionado para hacer realidad esta visión”, dijo Lebihan. “Nos sentimos honrados de tener un grupo sólido de entusiastas de Sunn, incluidos algunos de los empleados originales, que se unen a nosotros en este viaje para devolver Sunn a los músicos de todo el mundo. Si conoce la marca Sunn y la importancia histórica que tiene en la industria de la música, comprenderá por qué el mundo la necesita de vuelta”.
Se han compartido pocos detalles sobre qué productos estarán disponibles, pero Fender y Mission Engineering han prometido una línea completa con un precio de $499 a $3,299, con «reproducciones históricas» unidas a nuevos diseños «que incorporan tecnología moderna para satisfacer las necesidades de los músicos de hoy». Esto podría significar cualquier cosa, desde escalado de potencia hasta emuladores de altavoces integrados para grabación directa.
Pero si piensas en los amplificadores Sunn, lo primero que le viene a la mente es el volumen. Así es como comenzó la marca, cuando Norman Sundholm de los héroes del garage rock de los años 60, The Kingsmen, se acercó a su hermano Conrad para un nuevo diseño de amplificador de bajo.
The Kingsmen estaban haciendo mucho ruido con su versión de Louie Louie y Norm necesitaba más volumen para sus shows en vivo. Conrado obedeció. Para el ’65, tenían su propia compañía, y en unos pocos años estaban proporcionando backline para The Who y Jimi Hendrix Experience.
El anuncio de hoy es muy emocionante para los músicos de doom metal, rock alternativo y punk que anhelan un Sunn Model T para darle a sus riffs un animalismo que solo puede provenir del volumen máximo.
Richard Bussey, vicepresidente de licencias de Fender, promete «potencia bruta».
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