Come as you are: la historia de Nirvana

9 09 2021

El 24 de septiembre de 1991, hará próximamente 30 años, vio la luz Nervermind, el segundo álbum de Nirvana y uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos.

Un trabajo que traspasó los límites de lo estrictamente musical para convertirse en un fenómeno social y cultural. Una verdadera revolución que, en sus canciones creadas sobre guitarras sangrantes como arañazos al alma y versos tejidos de negro nihilista, se convirtió piedra angular del grunge y banda sonora de una Generación X que encontró en Kurt Cobain en su icono y su mártir.

Sobre Nirvana, su historia y su legado, se han escrito infinidad de libros, ninguno, sin embargo, de la relevancia y resonancia de Come as You AreMichael Azerrad, uno de los periodistas que mejor conoce la escena alternativa norteamericana, tuvo acceso directo a la banda, pudiendo entrevistar personalmente, detenidamente y en profundidad, a los tres miembros del grupo: Kurt Cobain (voz y guitarra), Dave Grohl (batería) y Krist Novoselic (bajo), consiguiendo dar forma a una de las biografías de rock más íntimas, descarnadas e intensas de todos los tiempos.

Come as You Are, un libro que deleitará a los seguidores de Nirvana en particular y a melómanos de todo tipo en general, llega a las librerías de la mano de la editorial barcelonesa Contra. Os avanzamos un esbozo de su primer capítulo (respetando el trabajo de traducción al castellano que ha realizado Elvira Asensi).

Cow Palace, San Francisco, 9 de abril de 1993. Once mil personas —chavales de estética grunge, deportistas, metaleros, público mainstream, punks, niños pequeños con sus padres, hippies— han venido desde lugares tan lejanos como Los Ángeles o Seattle para ver el primer bolo de Nirvana en Norteamérica en siete meses, un concierto benéfico para las víctimas de violación en Bosnia.

Aparte de una gira por clubs de siete semanas a finales de 1991, lo más cerca que la mayoría de fans norteamericanos ha estado de ver al grupo en directo fue en su actuación en Saturday Night Live hace más de un año. Desde entonces han ocurrido muchas cosas: rumores sobre consumo de drogas, rumores sobre la separación del grupo, pleitos y la venta de unos cinco millones más de ejemplares del disco Nevermind a nivel mundial. Y no han ocurrido muchas otras, como una gira de estadios por Estados Unidos o un nuevo disco.

Se trata de un concierto crucial. El grupo sale al escenario. Kurt Cobain, ataviado con una chaqueta de punto de color aguamarina, una camiseta de Captain America del revés y unos vaqueros hechos trizas, saluda nervioso al público. Se ha teñido el pelo de rubio para la ocasión. Un gran mechón le cubre los ojos y, de hecho, toda la mitad superior del rostro. Desde los primeros acordes de ‘Rape Me’, el grupo toca con una fuerza explosiva, lanzándole al público un bombardeo sónico desde el escenario: ‘Breed’, ‘Blue’, ‘Sliver’, ‘Milk It’, ‘Heart-Shaped Box’. Hacia el final, tocan el Hit, y a pesar de que Kurt la pifia en los primeros acordes, los moshers se vuelven locos en la pista.

Mientras se alzan las cerillas y los mecheros durante ‘Lithium’, todos los presentes en este local cavernoso recuerdan exactamente por qué les encanta Nirvana. A pesar de que a Krist Novoselic y a Kurt los separan por lo menos diez metros, se mueven e interactúan como si estuvieran mucho más cerca; no les cuesta nada comunicarse. A mitad del set, Kurt le dice a Krist: “¡Me lo estoy pasando genial! ¡Podría seguir tocando una hora más!”. Dicho y hecho, embuten veinticuatro canciones en una hora y media, incluidos ocho temas de su próximo álbum.

El público aplaude entusiasmado el nuevo material, sobre todo la brutalidad con la que atacan “Scentless Apprentice” y la majestuosa “All Apologies”, que acaba disolviéndose en una confusión de canto mantra y feedback. Eddie Vedder de Pearl Jam ve el concierto desde el lateral del escenario; no muy lejos está Dale Crover, de los Melvins. Frances Bean Cobain está en el piso de arriba en el camerino de su padre con su niñera; Courtney baja justo a tiempo para esquivar una botella de plástico de agua mineral que Kurt ha lanzado sin mirar y le saluda con sarcasmo.

Al acabar el set, KurtKrist Dave Grohl desaparecen detrás de la tarima de la batería y se pasan un cigarro mientras deliberan sobre qué canciones tocar, y luego vuelven a salir para hacer un bis de media hora con siete canciones que alcanza su punto álgido con ‘Endless, Nameless’, el misterioso tema que cierra Nevermind. A medida que la banda acelera el riff principal de la canción, entra en trance. Kurt pasa por encima de su torre de amplis. No es que esté a mucha altura, pero aun así resulta fascinante, como un suicida en potencia que camina por la cornisa de un edificio. La música se acelera todavía más. Las guitarras despiden chillidos, Krist se ha soltado la correa del bajo y lo zarandea frente al ampli; Dave Grohl ataca la batería con un desenfreno calculado. Cuando la música alcanza su punto álgido, Kurt cae con fuerza sobre la batería y los timbales, y los pies de los platos se caen abriéndose hacia afuera, como una planta carnívora que se abre para devorar a su presa. Fin del concierto.

La gente se pregunta si Kurt estará bien. Esto no forma parte del espectáculo; de ser así, habrían puesto antes algún tipo de acolchado a modo de protección. Puede que se trate de un truco de frikis, como el típico niño en la escuela primaria que se hacía sangrar la nariz y se esparcía la sangre por la cara para que el matón de la clase lo dejara en paz, un ejemplo de “ya me hago daño yo antes de que me lo hagas tú” protagonizado por un tío que ha empezado el set con una canción titulada ‘Rape Me’ . Puede que sea un homenaje a dos de los saltimbanquis preferidos de KurtIggy Pop y Evel Knievel. ¿O será que la música le produce tal subidón que se vuelve insensible a cualquier daño físico, como un swami exaltado que camina sobre carbón incandescente?.

A juzgar por el público, radiante y entusiasmado, esta última explicación parece ser la más adecuada. Al acabar, todo el séquito de la banda celebra el concierto triunfal en el patio del motel Phoenix, el sitio de moda, a excepción de Kurt Courtney, que se han retirado a un hotel de lujo al otro lado de la ciudad. El Phoenix les trae malos recuerdos, comenta Courtney. Además, las toallas de baño son demasiado pequeñas. Aun en su ausencia, el lugar se convierte en una especie de Nirvanalandia. Está Dave con su madre y su hermana, Krist y Shelli, y también el sonriente Ernie Bailey, el técnico de guitarras, y su mujer Brenda, el tour manager Alex Macleod, la diseñadora de luces Suzanne Sasic, la gente de Gold Mountain Management, Mark Kates de Geffen, e incluso algunos miembros del grupo Love Battery de Seattle, que casualmente están en la ciudad.

November 1993 | Kurt cobain, Nirvana kurt cobain, Donald cobain
Kurt Cobain, noviembre de 1993

Krist se acerca al supermercado y vuelve cargado de cervezas y la fiesta prosigue hasta altas horas de la madrugada. Al día siguiente, Krist hace una peregrinación a todo un punto de referencia de la generación beat: la legendaria librería City Lights. Sale a la calle para ir a un cajero, donde un indigente anuncia: “¡Oigan, buenas noticias! ¡Nos complace comunicarles que por ser Pascua aceptamos billetes de veinte dólares!”. Krist le da uno. 

El concierto del Cow Palace fue toda una victoria. Parecía confirmar que, después de todo, el hecho de que a un grupo de punk rock le hubiera tocado el gordo del mainstream no había sido mera chiripa. Aquella victoria tuvo repercusiones para el grupo, para todos los grupos similares, y puede que incluso para el mundo de la cultura en general. Como dijo Kim Gordon de Sonic Youth recientemente: “Cuando un grupo como Nirvana sale del underground, realmente expresa algo que está sucediendo a nivel cultural y no es un producto”. Lo que estaba sucediendo a nivel cultural no solo quedaba reflejado en el sonido de la música, sino, de manera igualmente importante, en cómo alcanzó la popularidad.

El fenómeno del punk rock empezó prácticamente cuando Johnny Ramone le dio con la púa a la cuerda de su guitarra, inspirando así una década y media de trabajo duro por parte de innumerables grupos, sellos discográficos independientes, emisoras de radio, revistas y fanzines y pequeñas tiendas de discos que se esforzaron por crear algún tipo de alternativa al rock corporativo insulso y condescendiente que le estaban endilgando al público las cínicas multinacionales, los estadios impersonales, las tiendas de discos gigantescas, las emisoras de radio dirigidas al populacho y las revistas de rock nacionales obsesionadas con las estrellas.

Motivada por la revolución del punk rock, la escena musical underground creó una red mundial, una industria musical en la sombra. Creció sin parar hasta que ni siquiera todos los esfuerzos de la industria musical controlada por los baby boomers pudieron detenerla. R.E.M. fue la primera explosión, Jane’s Addiction llegó después, y luego llegó el Big Bang: Nevermind lleva vendidos hasta la fecha más de ocho millones de ejemplares a nivel mundial. Desafió los mayores esfuerzos de gente como Michael Jackson, U2 o Guns N’ Roses, y alcanzó el número 1 en la lista de discos de Billboard. Después de esto, todo fue pre- o post- Nirvana.

La radio y la prensa empezaron a tomarse en serio el rollo “alternativo”. De la noche a la mañana, las discográficas se replantearon su estrategia. En vez de promocionar de manera muy intensa un pop ligero que vendería bien al principio pero del que nunca más se volvería a saber nada, decidieron empezar a fichar artistas que tuvieran un potencial a largo plazo. Y los promocionaban desde la base, desde un nivel más centrado en la comunidad, en vez de soltarles dinero a espuertas hasta que empezaran a vender.

Se trataba de imitar la manera en que Nirvana consiguió darse a conocer: un pequeño grupo nuclear de medios locales y fans de la música cuyo valioso boca a boca fue aumentando el número de seguidores del grupo, poco a poco al principio y más tarde a pasos agigantados. El despliegue mediático era mínimo, con la buena música bastaba. El afán investigador necesario para abrirse paso a través del laberinto de la música independiente era, en efecto, un reproche al consumismo de masas. Suponía un avance molesto para las grandes discográficas, que habían pasado a depender del dinero invertido en la promoción de los artistas para conseguir camelarse al público.

La música independiente requería una manera de pensar independiente, empezando por los artistas que hacían la música, pasando por los empresarios que la vendían y acabando por la gente que la compraba. Es mucho más difícil encontrar el nuevo single de Calamity Jane que hacerse con un ejemplar del último cd de C+C Music Factory. En 1990 no hubo ningún álbum de rock que llegara al número 1, lo que llevó a algunos expertos del sector a profetizar el fin del rock. Los programadores radiofónicos habían ido fragmentando de manera sistemática el público de la música en busca del perfil demográfico perfecto, y parecía poco probable que los aficionados al rock pudieran unirse en torno a un disco en número suficiente como para colocarlo en lo más alto de las listas.

Así que mientras el rock degeneraba en una falsa rebelión tremendamente procesada de melenas al viento, géneros musicales como el country y el rap representaban de una forma más directa el estado de ánimo y las preocupaciones de las masas. Si bien hubo varios discos de rock que alcanzaron el número uno en 1991, Nevermind consiguió unir a un público que nunca se había unido hasta entonces: el de los veinteañeros.

La última sesión fotográfica de Kurt Cobain | Página 2 de 6 | Binaural
Nirvana




El bebé de “Nevermind” demanda a la banda por “pornografía infantil”

25 08 2021
midiscodemisemana - NIRVANA - "NEVERMIND" (1991)
Nevermind

Los miembros supervivientes de Nirvana, así como los herederos de Kurt Cobain, han sido demandados por Spencer Elden, el hombre que afirma ser el bebé que aparece en la portada del álbum “Nevermind“. Elden alega que la imagen del bebé alcanzando un dólar en una piscina violó los estatutos federales de pornografía infantil y argumenta la explotación sexual infantil.

En la denuncia presentada en el tribunal federal de Los Ángeles, que también nombra al fotógrafo Kirk Weddle y a las diversas compañías discográficas que están detrás del lanzamiento del álbum, Elden afirma que su “identidad y nombre legal están para siempre vinculados a la explotación sexual comercial que experimentó cuando era menor de edad, que ha distribuido y vendido en todo el mundo desde que era un bebé hasta la actualidad”.

Según la demanda, los acusados ​​”a sabiendas produjeron, poseyeron y publicitaron pornografía infantil comercial que representaba a Spencer, y a sabiendas recibieron valor a cambio de hacerlo … A pesar de este conocimiento, los acusados ​​no tomaron medidas razonables para proteger a Spencer y prevenir su propagación explotación sexual y tráfico de imágenes”.

Elden afirma que sus padres nunca firmaron un comunicado autorizando el uso de las fotos, que fueron tomadas en un centro acuático de Pasadena en 1990. Alega que la banda prometió cubrir sus genitales con una calcomanía, que nunca se incorporó a la carátula del álbum.

La demanda alega además que los acusados ​​”utilizaron pornografía infantil que mostraba a Spencer como un elemento esencial de un plan de promoción de discos comúnmente utilizado en la industria de la música para llamar la atención, en el que las portadas de los álbumes presentaban a los niños de una manera sexualmente provocativa para ganar notoriedad, impulsar las ventas y obtener atención de los medios y reseñas críticas”.

Elden pide daños y perjuicios de $150,000 de cada uno de los 17 acusados ​​o daños no especificados que se determinarán en el juicio, honorarios de abogados, una orden judicial para prohibir a todas las partes “continuar participando en los actos y prácticas ilegales descritos en este documento”, y un juicio por jurado.

“El daño permanente que ha sufrido próximamente incluye, entre otros, angustia emocional extrema y permanente con manifestaciones físicas, interferencia con su desarrollo normal y progreso educativo, pérdida de por vida de la capacidad de generar ingresos, pérdida de salarios pasados ​​y futuros, gastos pasados ​​y futuros para que el tratamiento médico y psicológico, la pérdida del disfrute de la vida y otras pérdidas se describan y prueben en el juicio de este asunto”, afirma la demanda.

Según los informes, a los padres de Elden se les pagaron solo $200 por las fotos, y la sesión duró alrededor de 15 segundos.

En una entrevista de 2016 con la revista Time, Elden dijo: “todos los involucrados en el álbum tienen toneladas y toneladas de dinero. Siento que soy el último trozo de rock grunge. Estoy viviendo en la casa de mi madre y conduzco un Honda Civic. Es difícil no enojarse cuando se escucha cuánto dinero se invirtió. Voy a un partido de béisbol y pienso en ello: ‘todos en este estadio probablemente han visto mi pene de bebé’, siento que me revocaron parte de mis derechos humanos”.

Nevermind” ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo y fue certificado como diamante por la RIAA por ventas superiores a los 10 millones de copias solo en los EE. UU.

Nevermind' cover baby Spencer Elden sues Nirvana over 'child pornography'
Spencer Elden





Brian Johnson se une a Foo Fighters en el escenario

11 05 2021
Foo Fighters y Brian Johnson se unen para tocar 'Back In Black'
Brian Johnson y Dave Grohl

La semana pasada vimos fugazmente al líder de AC / DC, Brian Johnson con los Foo Fighters en una versión del inmortal himno de 1980 de su banda, “Back in Black”.

“Vax Live: The Concert to Reunite the World” tuvo lugar en SoFi Stadium en Inglewood, California el 2 de mayo y se transmitió en una variedad de medios el 8 de mayo. El evento fue presentado por Selena Gomez y, además de los Foo Fighters, también contó con actuaciones de Eddie Vedder, Jennifer Lopez, J Balvin y HER, quienes interpretaron Glory junto a 125 estudiantes de Fender Play Foundation.

Más allá de su colaboración con Johnson, los Foo también interpretaron algunos de sus propios éxitos durante su breve set, incluidos “Everlong” y “Best of You”.





Nirvana demandada por usar una ilustración de “Inferno” de Dante en el merchandising

2 05 2021

Nirvana ha sido demandada por el heredero de un artista británico que dibujó un mapa del infierno para una traducción de “Inferno” de Dante, alegando que la icónica banda de rock usó la imagen en su merchandising. “Inferno” es la primera parte del poema épico del siglo XIV “Divina Comedia” del escritor italiano Dante Alighieri.

Jocelyn Susan Bundy demandó el miércoles (28 de abril) a Nirvana LLC, Live Nation Merchandise LLC y su unidad Merch Traffic LLC, junto con Silva Artist Management LLC, alegando que Nirvana había estado usando el dibujo de su abuelo CW Scott-Giles desde 1997 en camisetas, tazas, discos de vinilo y otros productos vendidos en tiendas como Walmart, H&M y Hot Topic. El dibujo representa los círculos del infierno superior de Dante.

En documentos presentados en otras dos acciones de derechos de autor ante el tribunal, Nirvana ha dado a entender que Kurt Cobain creó la Ilustración o, alternativamente, que la Ilustración es de dominio público en los Estados Unidos y que, por tanto, Nirvana y sus licenciatarios son libres de usarlo sin autorización o compensación. Nirvana y algunos de los otros demandados han mantenido esta posición en sus respuestas a las continuas solicitudes del demandante para que cese su conducta ilícita en los Estados Unidos y en el extranjero.

Esta no es la única batalla por infracción de derechos de autor en la que Nirvana está involucrada actualmente. Durante los últimos tres años, Nirvana se ha visto envuelta en un enfrentamiento legal contra la compañía de moda Marc Jacobs por sus diseños de camisetas con “caras felices”. La disputa de Nirvana con Marc Jacobs se centra en un diseño con una carita sonriente amarilla ondulada, que es muy similar a la marca registrada propiedad de la banda desde 1992. La versión de Marc Jacobs presenta una M y una J en lugar de X para sus ojos (como en la versión de Nirvana), y se lee “HEAVEN” en lugar de “NIRVANA” en un tipo de letra similar al de la banda.

Marc Jacobs demanda a Nirvana




Foo Fighters: vídeo de “Chasing Birds”

20 04 2021
Medicine at Midnight": El nuevo álbum de Foo Fighters - Duna 89.7 | Duna  89.7

Foo Fighters ha lanzado un video musical animado para “Chasing Birds”. La canción está tomada del último álbum de la banda, “Medicine At Midnight”, que alcanzó en el número 1 en la lista de ventas de álbumes principales de Billboard con ventas de 64,000 copias en la primera semana en los EE. UU. Foo Fighters encabezó anteriormente la lista con “Concrete And Gold” de 2017 y “Wasting Light” de 2011.





Mick Jagger y Dave Grohl: “Easy Sleazy”

14 04 2021
Mick Jagger y Dave Grohl estrenan canción juntos: "Eazy Sleazy" | Garaje  del Rock
Dave Grohl y Mick Jagger

Desde hace mucho tiempo se le conoce como el hombre más agradable del rock, pero creemos que Dave Grohl también es el más ocupado. En la última semana, Grohl ha anunciado planes para su libro The Storyteller, una nueva serie de televisión repleta de estrellas titulada What Drives Us, y ahora, una colaboración con Mick Jagger donde toca la guitarra, el bajo y la batería.

La canción un poco punk, titulada Easy Sleazy, es una celebración del final del confinamiento, con Jagger diciendo “quería compartir esta canción que escribí sobre la eventual salida del confinamiento, con un optimismo muy necesario… gracias a Dave Grohl por estar a la batería, el bajo y la guitarra, fue muy divertido trabajar contigo en esto, ¡espero que todos disfruten de Eazy Sleazy!”.

Grohl agregó en las redes sociales: “es difícil expresar con palabras lo que significa para mí grabar esta canción con Sir Mick Jagger. Va más allá de un sueño hecho realidad. Justo cuando pensaba que la vida no podía volverse más loca … y es la canción del verano, sin duda!!”.

Mientras tanto, What Drives us, con Ringo Starr, St. Vincent, Lars Ulrich y más, saldrá al aire el 30 de abril a través de The Coda Collection en los EE. UU. Y Amazon Prime en todo el mundo.





David Grohl publica “The Storyteller”

6 04 2021
Dave Grohl

Dey Street Books anunció hoy que publicarán “The Storyteller” del músico, documentalista y autor novato Dave Grohl. El libro saldrá a la venta el 5 de octubre de 2021 y también se publicará en Reino Unido y Commonwealth (Simon & Schuster), Finlandia (Bazar), Alemania (Ullstein), Holanda (A.W. Bruna) e Italia (Rizzoli).

Dave Grohl ha sido una de las figuras más queridas y respetadas en la escena musical internacional desde su debut con Nirvana en “Nevermind“, que definió a la generación de 1991. Grohl ocupó el centro del escenario con el debut homónimo de Foo Fighters en 1995, el primero de 10 álbumes en una racha masiva de 12 premios Grammy, incluyendo más recientemente el álbum #1 en las listas de ventas, “Medicine at Midnight”. Grohl ha viajado por todo el planeta haciendo lo que más le gusta: tocar rock n roll para decenas de miles de fans entusiasmados. Pero cuando la pandemia requirió el cierre, Grohl hizo un balance de cómo podría usar este momento de pausa. Canalizando su creatividad en la escritura y usando su notable habilidad para contar historias, en mayo de 2020 escribió una conmovedora reflexión sobre cómo perderse la emoción de la música en vivo durante la era Covid que se volvió viral. Luego, poniendo fin a un exilio autoimpuesto de larga duración de las redes sociales, nació la nueva cuenta de Instagram de Grohl, @davestruestories. Esta nueva plataforma se convirtió en una forma para que Dave comparte sus historias extraordinarias (y divertidas) con fans y compañeros de música y ahora, Grohl está listo para aprovechar ese impulso con su primer libro.

El nuevo libro de Grohl es tanto una celebración de la música como de los momentos que lo han moldeado en el hombre que es hoy. Desde divertidos contratiempos de la infancia, conmovedores momentos familiares, salir de casa para ver el mundo a los dieciocho años, hasta historias espectaculares sobre Nirvana, Foo Fighters, David Bowie, Joan Jett, Iggy Pop, Paul McCartney, tocando la batería para Tom Petty en Saturday Night Live, actuando en la Casa Blanca, e incluso bailando swing con AC / DC. “The Storyteller” es una mirada fascinante a una vida vivida en voz alta.

“Hay un hilo conductor en todo lo que hago: contar historias. Ya sea en una canción, un documental o en la página, siempre me he sentido obligado a compartir momentos de mi vida. Esta inclinación es una gran parte de lo que me emociona creativamente. sino también como ser humano. En marzo de 2020, al darme cuenta de que mi trabajo diario con los Foo Fighters iba a quedar en suspenso, abrí una cuenta de Instagram (@davestruestories) y decidí concentrar toda mi energía creativa en escribir algunas de mis historias, algo que me encanta hacer pero que nunca he tenido tiempo. Pronto descubrí que la recompensa que sentía cada vez que publicaba una historia era la misma que la que tengo al tocar una canción para una audiencia, así que seguí escribiendo. La respuesta de los lectores fue tan gratificante como cualquier aplauso. Así que hice un balance de todas las experiencias que había tenido en mi vida, increíbles, difíciles, divertidas y emocionales, y decidí que era el momento para finalmente ponerlos en papel. Ahora estoy emocionado y honrado de anunciar The Storyteller, una colección de recuerdos de una vida vivida en voz alta. Desde mis primeros días en los suburbios de Washington, DC, hasta salir a la carretera a la edad de 18 años, y toda la música que siguió, ahora puedo compartir estas aventuras con el mundo, como se ve y se escucha detrás del micrófono. ¡Sube el volumen!”, dice Grohl.





Queen Live Aid 1985 es el concierto más popular

30 03 2021
Estrenarán versión completa de Queen en Live Aid con el elenco de Bohemian  Rhapsody - La Tercera

El legendario concierto de Queen en Live Aid 1985 ha sido calificado como la actuación en vivo más popular de todos los tiempos.

TicketSource compiló los recuentos de vistas y las impresiones de YouTube y Google para los conciertos en vivo más importantes del mundo y creó una puntuación ponderada basada en estas cifras.

El set de Queen’s Live Aid encabezó la tabla con más del doble de la puntuación del set en segundo lugar, con 136.901.330 visualizaciones de YouTube, 4.812.000 búsquedas anuales en YouTube y 1.427.500 búsquedas anuales en Google.

Si bien el concierto que quedó en segundo lugar, Jennifer Lopez y Shakira en el Super Bowl 2020, tiene más vistas en YouTube, aún obtuvo una puntuación más baja en general gracias a su huella mucho más pequeña en cuanto a las búsquedas.

El Live Aid Performance no fue el más antiguo en aparecer en la lista, sino la icónica actuación de The Beatles en el Shea Stadium en 1965 llevándose. El rango de fechas de las que provienen las actuaciones varió enormemente, con las décadas de 1960, 1980, 1990, 2000, 2010 y 2020 representadas.

El jefe de marketing de TicketSource explicó el momento del estudio: “Ha sido un año realmente difícil sin conciertos en vivo, y mirar hacia atrás en vídeos antiguos o escuchar grabaciones en directo es lo más cercano que hemos conseguido. Es genial ver tantos espectáculos en vivo increíbles en esta lista, y es aún más emocionante ver que las cosas comienzan a abrirse nuevamente. Es increíble que la actuación de The Beatles de 1965 esté entre las 10 actuaciones favoritas del mundo en 2021. Esto demuestra cómo la música poderosa puede trascender generaciones. También es genial ver tantas actuaciones de Live Aid en la lista, que fue una causa increíble y sigue siendo relevante hoy en día. La investigación demuestra que a pesar de que se está creando tanta música nueva, ¡todos todavía amamos a nuestros favoritos!”

El resumen completo del estudio de TicketSource se puede ver a continuación:

  1. Queen, Live Aid 1985
  2. Jennifer Lopez y Shakira, Super Bowl Halftime, 2020
  3. Lady Gaga, Super Bowl Halftime, 2017
  4. Coldplay, Beyonce y Bruno Mars, Super Bowl Halftime, 2016
  5. The Beatles, Shea Stadium 1965
  6. Michael Jackson, Super Bowl Halftime, 1993
  7. Nirvana, MTV Unplugged, 1994
  8. Prince, Super Bowl Halftime, 2007
  9. Katy Perry, Lenny Kravitz y Missy Elliott, Super Bowl Halftime, 2015
  10. Jimi Hendrix, Woodstock 1969





Tres icónicas guitarras de Eddie Van Halen alcanzan los $442.000

3 12 2020

Tres guitarras pertenecientes al fallecido Eddie Van Halen se han vendido en una subasta por más de $422,000. Los instrumentos fueron incluidos en la trilogía anual Icons & Idols: Rock ’N’ Roll Auction de Julien’s Auctions; el evento de dos días comenzó el martes y concluyó el 2 de diciembre.

La Kramer personalizada de Van Halen, que montó con el técnico de guitarras Matt Bruck en su estudio 5150, obtuvo la suma más alta en el evento, vendiéndose por $231.250. La guitarra fue regalada a uno de los amigos cercanos del guitarrista, Bryan Cush.

Otra modelo personalizado, la Charvel Art Series 2004 de Van Halen se vendió por $140,800. El instrumento, en blanco y negro, se diseñó al estilo de la Frankenstrat original.

En la subasta se vendieron cerca de 900 instrumentos históricos y piezas de memorabilia musical, incluyendo dos Fender Stratocaster, tocadas y destrozdas por Kurt Cobain durante la gira In Utero de 1994 de Nirvana, se vendieron por un total combinado de $281,600.








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