Diez discos icónicos lanzados en 1991

24 09 2021
1991, el año de los prodigios - Mússica
Nirvana

Si hay algo que caracterizó a la década de los ’90 fue su música, sobre todo los que salieron en el 1991: son tan complejos y enriquecedores, que sus huellas aún se ven plasmadas en la industria y en todo lo que hacemos.

Mientras en Seattle se estaba cocinando el grunge como una respuesta áspera e iracunda al glam rock, en el Reino Unido aparecía el britpop con sonidos mucho más brillantes y apetecibles. Esto y más estalló durante 1991. En un lapso de tres meses se lanzaron álbumes que seguimos considerando clásicos y que aún nos vuelan la cabeza Para algunas bandas fue reinvención, para otras fue el origen, y para la música fue un honor. Te hacemos una breve reseña cronológica de los discos de 1991 que en tan sólo tres meses marcaron a la música y los fans para siempre.

12 de agosto: Metallica, «The Black Album»

Cómo se grabó el Black Album de Metallica | Hispasonic

Metallica inició los noventas con un nuevo productor, Bob Rock, quien era conocido por sus trabajos con Bon Jovi y Mötley Crüe. Eso no resonó bien en los fans que empezaron a llamarlos “vendidos”. Con gran influencia de AC/DC, ellos sabían que eran canciones más digeribles, incluso se cuestionaban la incursión de una balada como “Nothing Else Matters”, pues era una señal de una supuesta debilidad.

Sin embargo, ignoraron estas dudas y las críticas hacia su nuevo productor, y nos regalaron algunos de los himnos del metal más emblemáticos de la década, así como uno de los discos más exitosos de su género. 

26 de agosto: Blur, «Leisure«

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Así fue como Damon Albarn y compañía se presentaron al mundo. Aún cuando no se cocinaba por completo todo lo que Blur tenía para ofrecer, nos dio brillantes señales de su genialidad y gran habilidad de hacer coros y melodías que se filtran en tu mente para jamás salir.

Escuchar “There’s No Other Way” es adentrarte a la estética noventera y sentir que la década te respira en la nuca. Un disco de 1991 marcado por sus grandes influencias de la riquísima escena de Manchester y el shoegaze, y que sentó las bases para el Parklife y el movimiento britpop.

27 de agosto: Pearl Jam, «Ten«

PEARL JAM - Ten - Reloop Shop

Antes de Ten, nadie había escuchado una voz como la de Eddie Vedder. Su voz y sus letras deslumbraron a Stone Gossard, Jeff Ament Mike McCready cuando Vedder regresó sus demos desde California, después de una sesión de surf. Así fue como cobraron vida historias trágicas como el suicidio de un niño en clase, una chica recluida en una institución de salud mental, una conversación honesta con un padre fallecido, un vagabundo que está enloqueciendo y una “mini ópera” que describe a un asesino en serie.

Considerado uno de los mejores discos debut de la historia, «Ten» se caracteriza del resto del grunge por tener tintes de rock clásico, algo evidente en los riffs de McCready influenciados por Hendrix y Stevie Ray Vaughan. Esto marcó el inicio de un camino que se ha enriquecido del gran vínculo que los miembros de la banda forjaron entre ellos con los años. Sabían que sólo ellos podían salvarse protegiéndose entre sí. Se negaron a morir, aguantaron las tragedias y, contra todo pronóstico, siguen vivos, tal y como lo predijo el primer sencillo de este álbum.

17 de septiembre: Guns N’ Roses, «Use Your Illusion I & II»

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¿Cómo superas a uno de los discos debuts más grandes de toda la historia? Guns N’ Roses sabía que no podían mejorar lo hecho en «Appetite for Destruction», así que decidieron tomar otro rumbo. Con sesiones de composición en tiempo récord lograron tener alrededor de 36 canciones; la inspiración estaba fluyendo y la banda estaba en su punto creativo más alto. 

Al momento de entrar al estudio, Slash e Izzy empezaron a perder la paciencia con el perfeccionismo de Axl, siendo “November Rain” el gran dolor de cabeza. La banda no la consideraba como una canción característica de su sonido, según confesó Duff McKagan, pero los fans tuvieron la última palabra.

Esta fue la primera vez que una banda lanzó dos discos distintos el mismo día, y si bien se vendieron por separado, siempre se les consideró como uno mismo, que hasta la fecha sigue siendo idolatrado.

23 de septiembre: Primal Scream, «Screamadelica»

Primal Scream - Screamadelica — Futuro

Bobby Gillespie es un fiel creyente de que el rock ’n’ roll debe bailarse y «Screamadelica» es la prueba de ello. Con influencias poperas de los setentas, y mucho speed y ecstasy, «Screamadelica» es una mezcla perfecta de música dance y rock, no de sus ideologías o lo que representaban, sino de lo que te hacían sentir.

Considerado uno de los mejores discos de 1991, y por muchos, entre los mejores de la historia trascendiendo el tiempo e influencias.

23 de septiembre: Pixies, «Trompe Le Monde»

Pixies — Trompe Le Monde (1991): una (primera) gran despedida que llegó un  día antes de que Nirvana lo cambiasen todo - Noticias - Hipersónica

El disco previo a su separación en 1993 y el último en el que aparece Kim Deal, quien ya se había dado su escapada con The Breeders«Trompe Le Monde» salió justo un día antes que «Nevermind» de Nirvana como un guiño de que la música alternativa que estaba viendo la luz no hubiera sido posible sin la influencia de Pixies.

Ya se notaba la mala relación entre Black Francis y Kim Deal, pero también nos dio un álbum lleno de riffs distorsionados y cambios de ritmo. Este álbum le puso cierre a una época para así convertirse en una banda de culto.

s4 de septiembre: Nirvana, «Nevermind«

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Cuando Nevermind se volvió disco de oro, Nirvana aún tocaba en lugares con 800 personas; seguían saliendo de gira en una furgoneta cuando se convirtió en platino. Así lo confesó Dave Grohl, quien en el momento en que lanzaron el disco aún vivía en un cuarto trasero en la casa de un amigo, mientras Kurt Cobain seguía viviendo en el piso de su novia. El resto es historia, pues el álbum llegó al #1 de Billboard desplazando a Michael Jackson. 

La vida de Cobain, Novoselic y Grohl cambió rápida y drásticamente, al igual que la de muchos fans que se sintieron identificados. Su influencia fue más allá de Seattle o de la Generación X. Un disco que fue punta de lanza de un movimiento que sigue conectando con generaciones gracias a su sonido crudo y su honestidad sin poses.

La ira mutó en riff y la figura del rockstar se tiñó de dolor. El glam rock se hincó en señal de rendición para salir por la parte trasera de la industria. Lo que sea que digamos de Nevermind, siempre será poco.

24 de septiembre: Red Hot Chili Peppers, «Blood Sugar Sex Magik»

EN LA MANSIÓN DEL MAGO HOUDINI (Red Hot Chili Peppers. Blood Sugar Sex Magik,  1991) | Música | EL MUNDO

Este disco de 1991 fue el inicio de una larga y fructífera historia entre Rick Rubin y los Red Hot Chili Peppers. El productor les dio la libertad de jugar más con la melodía y dejar poco a poco los riffs metaleros. El mundo se dio una idea del verdadero potencial de John Frusciante desde los primeros acordes de “Under The Bridge”.

Fue tan grande el impacto, que el guitarrista dejó a los Peppers poco tiempo después, marcando el inicio de una relación inestable pero muy emotiva entre Frusciante y el resto de la banda.

Un disco que definió el sonido característico de los Peppers al encontrar nuevas formas de expresar su groove, y también marcó pauta en lo que a música alternativa se refiere, inspirando a nuevas generaciones de funk metal y derivando en subgéneros como el nü metal.

24 de septiembre: Soundgarden, «Badmotorfinger«

Badmotorfinger 25º Aniversario: Soundgarden: Amazon.es: CDs y vinilos}

Este es, por mucho, el más pesado y oscuro de los álbumes grunge que golpearon la música ese año, pues además de contar con la inigualable voz y letras de Chris Cornell, también desafiaba a la todopoderosa MTV que prohibió su video “Jesus Christ Pose”, ganándose la etiqueta de anticristianos en algunos lugares.

Tal vez no fue su mayor éxito, pero para muchos es el Soundgarden más auténtico y crudo, mientras que para otros este es su mejor disco. Este álbum significó la despedida de Soundgarden de la escena underground de Seattle, en donde ya eran considerados una autoridad con una gran credibilidad y dos discos bajo el brazo.

También fue la bienvenida a Ben Shepherd tras la partida del bajista fundador Hiro Yamamoto. Sin duda, fue una gran carta de presentación al mundo que sentaría las bases de lo que fue el aclamadísimo «Superunknown». 

18 de noviembre: U2, «Atchung Baby»

U2, Achtung Baby in High-Resolution Audio - ProStudioMasters

Antes de que el «Kid A» de Radiohead fuera referencia de reinvención en una banda, «Achtung Baby» estuvo en su lugar. Si bien actualmente U2 no es sinónimo de innovación musical, en los 90 experimentaron con su estilo como nadie. Este disco de 1991 fue la piedra angular de esa evolución.

No había nada que se escuchara como U2: crearon sus propias reglas y se volvieron provocadores por excelencia; la guitarra de The Edge agarró tintes aún más icónicos y sus conciertos se volvieron legendarios. Bono se convirtió en el rockstar vivo de la década. 

Ellos habían pasado de la ola del post punk al rock clásico y venían de un estilo americano; ya tenían bien cimentado su lugar en la industria y el reconocimiento de los fans, pero rápidamente entendieron que la evolución hacia lo alternativo los haría leyendas y fue así como en ese periodo se convirtieron en la banda más grande del mundo.





Cinco Charvel Art tocadas por Eddie Van Halen a subasta

26 05 2021

No uno, ni dos, sino cinco Eddie Van Halen Charvel Art Series de seis cuerdas, firmadas y tocadas en el escenario por la leyenda de la guitarra eléctrica están programadas para ser subastadas el próximo mes.

La casa de subastas online Julien’s Auctions ha incluido las cinco guitarras como parte de su lote «Iconos de la música», que también incluye guitarras firmadas por Prince, Tom Petty y Stevie Ray Vaughan, y la subasta está programada para el 11, 12 y 13 de junio.

Los cinco modelos EVH, que cuentan con la estética de rayas reconocible al instante, vienen con evidencia fotográfica de Van Halen utilizándolas en el escenario durante varios eventos.

Las especificaciones incluyen un mástil y diapasón de arce, cuerpo de estilo Stratocaster, sistema de trémolo Floyd Rose, control de volumen etiquetado como «Tone», pastilla humbucker y cejuela con bloqueo.

Como es la naturaleza de las guitarras Art Series, que fueron acabadas a mano por EVH durante la producción, lucen combinaciones de colores únicas que rinden homenaje a algunos de los instrumentos más emblemáticos de Van Halen.

Está disponible un modelo de rayas rojas, blancas y negras, inspirada en la guitarra Frankenstein Mark II, y cuenta con el número «5150», el nombre del estudio de grabación de EVH, pintado en el cuerpo.

También aparecen dos guitarras de rayas negras y amarillas inspiradas en la Bumblebee, que se tocaron y firmaron durante los shows en Las Vegas en 2004 y 2007. Otra guitarra Bumblebee con un acabado inverso único, que se usó durante un show de 2008 en Des Moines, Iowa, también está en el lote.

El modelo final es un hacha de rayas negras y plateadas. Posiblemente diseñada como un guiño a su propia guitarra EVH Wolfgang, la Stealth de seis cuerdas de Van Halen se agregó originalmente a la linea de Charvel Art Series en 2012, y el modelo en cuestión apareció durante un espectáculo en Kansas City ese mismo año.





Fender Limited Edition Mike McCready 1960 Stratocaster

8 04 2021
Fender Limited Edition Mike McCready 1960 Stratocaster

Fender ha lanzado oficialmente la Stratocaster exclusiva de Mike McCready de edición limitada, una fiel recreación de su Strat original de 1960, que la leyenda de la guitarra eléctrica dice que es “probablemente la guitarra más cómoda que tengo”.

Originalmente anunciada a principios de este año, cuando se reveló que la legendaria ’59 Strat de McCready era en realidad un modelo ’60, el modelo signature se describe como una recreación fiel que «da cuenta de cada especificación, detalle y rasguño icónico».

En cuanto a la construcción, la guitarra se compone de un cuerpo de aliso selecto de dos piezas, que destella un acabado de sunburst heavy relic, mástil de arce flameado con un perfil de C ovalado ’60 de la época y un diapasón de palisandro.

Otras especificaciones incluyen pastillas personalizadas bobinadas a mano por la propia Josefina Campos, un condensador «treblee bled» y un trémolo con bloque Callaham.

En una conversación, el miembro de Pearl Jam revela: «probablemente sea la guitarra que tengo que mejor toco. El mástil está un poco gastado, lo que me encanta, y la sensación es perfecta. No hay nada como eso para mí. Lo mejor que puedo decir sobre la guitarra es que después de que Fender me envió el prototipo, lo recogí pensando que era mi original. Me senté ahí tocando un rato, y luego finalmente dije, ‘espera un minuto…»

De su relación histórica con la Stratocaster, McCready recuerda: “una vez que pude comprar una guitarra de calidad, de inmediato me decidí por una Stratocaster de época. Era la guitarra de mis sueños debido a mi amor por Stevie Ray Vaughan, y como mis aspiraciones musicales se estaban haciendo realidad, tenía que tenerla. Fue la primera guitarra importante que compré, nunca pensé que podría tener una antes de que sucediera Pearl Jam».

Vincent Van Trigt, el maestro constructor detrás del nuevo modelo, comentó: “fue un honor deconstruir y recrear la Stratocaster de 1960 de Mike. Él toca un modelo muy estimado, y la historia única que hay detrás le da aún más carácter a la guitarra relic que pretendíamos recrear».

«Mike McCready es una auténtica leyenda del rock ‘n’ roll, y fue un privilegio recrear su guitarra favorita de todos los tiempos», continuó Mike Lewis, vicepresidente de desarrollo de productos de Fender Custom Shop. «Pearl Jam nos ha estado inspirando en Fender, por no mencionar al público de todo el mundo, y no podríamos pensar en una mejor manera de honrar el legado de este legendario guitarrista de rock».

La Fender Mike McCready 1960 Stratocaster de edición limitada está disponible ahora por $15,000 y viene con un estuche rígido de lujo, correa, estuche McCready y certificado de autenticidad.





Fender lanza la Kenny Wayne Sheperd Stratocaster

15 09 2020

Fender lanzó hoy la nueva Kenny Wayne Shepherd Stratocaster, el resultado más reciente de la colaboración de Fender con uno de los guitarristas más poderosos del Blues-Rock en la actualidad. Cuenta con un cuerpo de fresno con cámaras, un acabado de laca transparente Faded Sonic Blue y un mástil de arce en forma de «C» de principios de los 60. Esta guitarra ofrece unos tonos Stratocaster potentes con tres pastillas personalizadas creadas con el diseño del propio Shepherd para complementar meticulosamente su sonido personal.

“He estado tocando guitarras Fender esencialmente durante toda mi vida. Para mí, Fender definió los sonidos de innumerables géneros musicales y fue interpretado por la mayoría de mis héroes musicales. La comodidad de las guitarras Fender es incomparable y la calidad de los instrumentos insuperable. Estuve muy involucrado en todos los aspectos de la guitarra, desde las especificaciones hasta el diseño, especialmente las pastillas Vintage Hot personalizadas, cuidadosamente diseñadas para tener un sonido muy natural; el mástil con inlays de bloque que realmente distingue a esta Stratocaster visualmente; y el clavijero a juego que creo que tiene una estética inmejorable. No puedo esperar a ver lo que esta guitarra puede hacer en manos de otros músicos. Espero que esta guitarra sea una herramienta que inspire a otros a encontrar su propia voz y a expresarse verdaderamente a sí mismos y a su propio amor por la música».

Solo hay un puñado de artistas cuyo nombre es sinónimo de guitarra, y Kenny Wayne Shepherd es uno de ellos. Shepherd se inspiró a coger la guitarra a la edad de 7 años después de escuchar a leyendas como Stevie Ray Vaughan, así como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan, BB King y Muddy Waters, que todavía son algunas de sus actuales influencias musicales. “Escuchar y, en consecuencia, aprender su música me dio la base y el conocimiento para aprender el instrumento, lo que me liberó para explorar más y encontrar mi propia identidad dentro de la guitarra”. El guitarrista y compositor de Louisiana ahora cuenta con una sólida carrera discográfica de 20 años y se ha establecido como la fuerza líder detrás del resurgimiento del blues-rock, trayendo un renovado éxito comercial al género tan querido.

«Fender ha trabajado con Kenny Wayne Shepherd durante más de veinte años y es un artista que se esfuerza constantemente por mejorar y nunca deja de innovar, por lo que es una combinación perfecta», dijo Justin Norvell, vicepresidente ejecutivo de productos de Fender.





Fender prescinde de John Cruz

9 06 2020

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John Cruz en la Fender Custom Shop

Fender parece haber prescindido de los servicios John Cruz, Custom Shop Master Builder desde hace mucho tiempo, por una supuesta y controvertida publicación de Facebook que hizo sobre las protestas en los Estados Unidos.

El nombre del luthier se ha eliminado de la sección Meet The Builders del sitio web de Fender Custom Shop. Aunque Fender ha confirmado que Cruz ya no está en la compañía, declinó hacer más comentarios como «una cuestión de política de la compañía».

Las especulaciones sobre el motivo del despido de Cruz circularon en los foros, pero las acusaciones se remontan a una publicación de Facebook del bajista Gregor Fris el 2 de junio. Fris escribió: “Hola, Fender Custom Shop Master Builder John Cruz. ¿Planeas dejar de burlarte de dañar e incluso matar a los manifestantes negros a corto plazo?».

El bajista aparentemente se refería a un meme ahora eliminado, que se dice que Cruz comparte en Facebook. Un usuario del foro thefretboard.co.uk, que se conoce con el nombre de Deijavoo, subió una captura de pantalla de la supuesta publicación en un hilo titulado «Fender John Cruz». Todavía no está claro si Cruz hizo esta publicación en Facebook.

John Cruz se unió a Fender en 1987, llegando al rango de Master Builder en la Fender Custom Shop en 2003. Sus creaciones más conocidas incluyen reproducciones de la famosa Stratocaster ‘Number One’ de Stevie Ray Vaughan, Jeff Beck Esquire Relic, la réplica de la Stratocaster ‘Duck’ de Yngwie Malmsteen, la Stratocaster Black 1 edición limitada de John Mayer y la Stratocaster Fiesta Red 1961 de Gary Moore.

En respuesta a las protestas en curso en los Estados Unidos, el CEO de Fender emitió una declaración el 2 de junio condenando el racismo y aclarando la postura de la marca «en la lucha contra la desigualdad y la injusticia»…

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Sé responsale. Sigue tocando. Volveremos a abrazarnos.





Gyrock: dale la vuelta a tu tono

5 11 2019

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Cambiar el tono de tu guitarra siempre ha significado volver a cablear tu guitarra con nuevas pastillas. Ya no es el caso. Gyrock pretende ser un concepto revolucionario que permite cargar hasta 6 pastillas en una sola guitarra y cambiar de una pastilla a otra en una fracción de segundo gracias a las dos palancas de cambio (!).

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Gyrock es una tecnología desarrollada por Wild Customs que ofrece opciones ilimitadas para su guitarra. El sistema Gyrock está disponible exclusivamente en modelos Wild Custom Guitars.

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Además de los dos cambiadores, sus controles siguen siendo los mismos que en cualquier guitarra eléctrica tradicional. No se necesita batería, no hay dispositivo electrónico incorporado, nada más que la firma tonal auténtica de cada pastilla. Cambia los diferentes módulos de pastillas en la parte posterior de tu guitarra, dales la vuelta, mezcla y combina.

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Con los años, Seymour Duncan ha creado pastillas para casi todos los músicos que se te ocurran: Slash, Billy Gibbons, Mark Knopfler, David Gilmour, Steve Harris, Eddie Van Halen, Jimmy Page, Stevie Ray Vaughan y muchos más. Wild Customs ha decidido suministrar las mejores pastillas de Seymour Duncan en el paquete inicial. Más allá de las pastillas de Seymour Duncan, obviamente se pueden instalar muchas referencias diferentes disponibles en el mercado bajo pedido.

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Establecida en 2008 en Francia, Wild Customs construye guitarras eléctricas basadas en conceptos revolucionarios. La nueva colección Gyrock es la combinación de tradición e innovación: una guitarra boutique diseñada a la antigua usanza con una pieza de ingeniería de vanguardia.

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Las opciones en cuanto a acabados tambien son múltiples al ser un modelo custom…

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Fender Custom Shop Stevie Ray Vaughan Signature Stratocaster Relic

25 07 2019

Resultado de imagen de STEVIE RAY VAUGHAN SIGNATURE STRATOCASTER® RELIC®

Fender Custom Shop Stevie Ray Vaughan Signature Stratocaster Relic

Fender Custom Shop ha presentado la Stevie Ray Vaughan Signature Stratocaster Relic, una versión relic de su popular modelo SRV Custom Shop.

El nuevo modelo cuenta con un cuerpo de aliso de dos piezas con un acabado relic, que según la compañía «envejecerá de una manera claramente personal, al igual que el original». El mástil es de arce teñido con un perfil «Oval C» y el diapasón de palisandro con 21 trastes jumbo.

Como siempre, las pastillas son un trío de Custom Shop-Wound Texas Special, y las especificaciones adicionales incluyen selector de pastillas de cinco posiciones, cableado de estilo vintage, un trémolo sincronizado de estilo vintage para zurdos, golpeador «SRV» negro y clavijero de estilo vintage.

 





Fallece Jim Dunlop

8 02 2019

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Jim Dunlop en su primera feria en Las Vegas, Nevada

Para muchos en la industria de instrumentos musicales, Jim Dunlop Sr., fue el rey de los accesorios para guitarra. A lo largo de su larga carrera, la vasta selección de productos de su compañía se convirtieron en uno de los más conocidos en la industria. Cualquiera que sea la marca de su guitarra o amplificador, es probable que haya usado un accesorio Jim Dunlop en algún momento y, a menudo, sin pensarlo mucho, la presencia de su empresa en el universo de la guitarra era omnipresente.

De hecho, no es exagerado decir que el trabajo y la diligencia de Dunlop en la búsqueda de mejoras en cualquier aspecto de la industria de la guitarra, probablemente alcanzó a casi todos los guitarristas que cogieron el instrumento desde principios de los años 70. Fueron estos innumerables avances no reconocidos en forma y función lo que constituyó su verdadera recompensa por el trabajo que amaba. «Cuando me encuentro con gente y me dicen: ¿que haces para ganarte la vida?,,,cuando les digo que hago púas de guitarra, se quedan con la mirada en blanco, pero lo pongo en equivalencia al que hace pinceles para artistas. Soy como el tipo que hizo el pincel de Leonardo Da Vinci, ¿sabes a lo que me refiero?. Tengo la oportunidad de trabajar con los mejores guitarristas de nuestro tiempo».

Dunlop nació en Escocia en 1936 y siguió siendo un escocés orgulloso durante toda su vida. Formado como ingeniero químico, y un guitarrista en su tiempo libre, Dunlop ya estaba trabajando en accesorios relacionados con la guitarra mientras trabajaba en Glasgow como aprendiz. Fundó su negocio a tiempo parcial, Jim Dunlop Company (más tarde Dunlop Manufacturing, Inc.), luego emigró a Canadá. Sin embargo, tras una breve etapa en Ottawa, decidió abandonar el frio canadiense por la soleada California. «Recibí una tarjeta postal de un amigo mío», recordó Dunlop. “Tenía una foto de una dama vestida en bikini y dijo que estaba a 90 grados en Muscle Beach. Decidí que iba a salir de aquí. Mi esposa estaba embarazada de siete meses en ese momento».

En California, Dunlop consiguió un trabajo como maquinista en Dymo Industries, donde permaneció hasta 1972, mientras inventaba y fabricaba accesorios de guitarra. Después de un intento poco exitoso por inventar un nuevo afinador de guitarra, inventó y comercializó la cejilla Modelo 1100, luego el Modelo 1400 que aún son populares hasta el día de hoy.

Después de que se le pidiera que fabricara una versión de la púa National, fuera de producción, pasó a patentar un diseño para los dedos de punta curvada. Dunlop decidió darle mucho más respeto y atención a esta delgada parte de material sintético que representa el punto de contacto entre la carne y la cuerda de la mayoría de los artistas.

«En ese momento las púas para no estaban muy bien organizadas, con respecto a cúal era más delgada o gruesa. Y pensé, ¿por qué no lo hacemos?. El set nylon tenía seis calibres diferentes, los codificamos por colores y cambiamos los tamaños a tamaños milimétricos».

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Jim con el primer envío internacional de productos a Japón

«Una de mis mayores emociones es cuando un guitarrista realmente bueno disfruta de un producto que hacemos. Como ejemplo, la Jazz III … realmente me he sentido abrumado por el éxito de esa púa en particular. Mucha gente confía en ella, y mi hijo realmente la ha mejorado. Él le puso un agarre diferente, y es una gran púa ahora.»

El éxito de sus púas le permitió a Dunlop pasar a trabajar en su propia empresa a tiempo completo en 1972, y desde allí logró éxito tras éxito. La larga lista de artistas que usan, o han usado púas Dunlop incluye a Billy Gibbons, Joe Bonamassa, Carlos Santana, Jerry Garcia, Kirk Hammett, Slash, Jerry Cantrell y miles más, en la medida en que podría tomar menos espacio simplemente enumerar a los artistas que no usan las Dunlop. Y mientras muchos de los desarrollos más importantes de la compañía implicaron mejoras adicionales en los materiales y procesos a partir de los cuales se realizaron sus púas, incluido el desarrollo de las populares líneas Tortex, Delrin, Ultex y Primetone a través de los años, el avance de Dunlop en el mercado de accesorios se expandió en varias direcciones diferentes.

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Después de fabricar slides de acero para Ernie Ball, Dunlop compró una empresa de fabricación de slides de vidrio (también conocido como cuello de botella) y rápidamente se convirtió en un líder en ese ámbito, al tiempo que se trasladó a otras necesidades como productos de cuidado y mantenimiento. En el camino, también fue pionero en los enganches de seguridad para las correas. Sin embargo, un boom aún más grande estaba justo en el horizonte: el pedal de efectos más popular del mundo cayó de la producción en la década de 1980 y Dunlop cogió el testigo.

Siempre en busca de formas de expandir su negocio, Dunlop escuchó que el legendario pedal wah Cry Baby no estaba disponible, rastreó a los propietarios de la marca desaparecida y la incorporó a la familia Dunlop Manufacturing. «Cambió toda la dirección de la compañía», relata su hijo Jimmy. “Era muy poco característico de los productos con los que estábamos trabajando en ese momento. Tienes a un tipo que hace accesorios como slides, cejillas y púas y se lanza directamente al producto de electrónica número uno en ventas de todos los tiempos».

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Jim Dunlop 1936-2019

El paso a la electrónica allanó el camino para adquirir otras marcas de efectos, incluidos muchos clásicos que de otro modo habrían seguido el camino del olvido. En los años posteriores aparecieron varios pedales MXR icónicos, múltiples variaciones de Uni-Vibe, Fuzz Face y Echoplex, una gama de pedales Jimi Hendrix con licencia de la familia Hendrix, y una serie de favoritos de Way Huge. Mientras tanto, Dunlop continuó viviendo y disfrutando de los logros más humildes, desde, por ejemplo, la adherencia mejorada que ofrece la superficie texturizada de una nueva púa o al lanzamiento de un slide signature de un artista.

Cualquiera que se haya encontrado con Dunlop en la NAMM o lo haya tratado por asuntos relacionados con la industria de la guitarra, sabía que poseía una mezcla rara y admirable de profesionalidad y personalidad. Trataba cada pregunta seriamente, era un tipo que hacía cosas, y siempre intentaba que fueran lo mejor posible.

En última instancia, el genio de Jim Dunlop Sr. residía en su habilidad para identificar mejoras sutiles en los productos menos glamurosos que satisfacían las necesidades diarias esenciales de los guitarristas, capaces de producir saltos exponenciales para el proceso musical.

Con estas imágenes rendimos nuestro más sincero homenaje…

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Jim Dunlop con Stevie Ray Vaughn con un Cry Baby dorado

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Jimi Hendrix basó gran parte de su sonido en el Cry Baby

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Pedales MXR

 

 





Fender Custom Shop Stevie Ray Vaughan Stratocaster

23 01 2019

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Fender Custom Shop Stevie Ray Vaughan

Hace aproximadamente 30 años, Fender lanzó el modelo Stevie Ray Vaughan Stratocaster. En 2019, la Custom Shop de Fender ahora está asumiendo su responsabilidad.

Fender Custom Shop ahora ofrece su versión de esta guitarra clásica modelo Signature y, a partir de este año, en lugar de la edición normal de fábrica de EE. UU. Ahora obtiene las pastillas Custom Shop Hand-Wound Texas Special y un cuerpo Select Alder de dos piezas con acabado en laca de tres tonos.

El mástil de arce «rift sawn» tiene un perfil oval «C» y está acabado en nitrocelulosa teñida. Está equipado con 21 trastes jumbo en un diapasón Pau Ferro.

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Fender Custom Shop Stevie Ray Vaughan Signature Stratocaster 2019





La primera guitarra «profesional» de Stevie Ray Vaughan a subasta

7 02 2018

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Jimbo

Esta primavera, Heritage Auctions en Dallas subastará una Fender Broadcaster de 1951 que una vez perteneció al maestro de blues de Texas Jimmie Vaughan y su famoso hermano, el fallecido Stevie Ray Vaughan.

Jimmie le dio la guitarra a Stevie en 1966 a petición de su amigo común, Doyle Bramhall. Aparentemente, Stevie tenía la costumbre de «tomar prestada» la guitarra sin preguntarle a Jimmie. ¿La brillante solución de Bramhall?. Dásela a Stevie para que deje las otras guitarras de Jimmie en paz. Jimmie vio la sabiduría de la idea, y así fue como Stevie adquirió su primera guitarra profesional.

Según la leyenda, Jimmie talló la palabra «Jimbo» en la parte posterior de la guitarra antes de dársela a su hermano cuando ambos guitarristas todavía eran adolescentes. Puedes ver el grabado «Jimbo» en esta imagen de 360 ​​grados de la guitarra aquí mismo.

La guitarra «Jimbo», un Fender Nocaster de 1951 (número de serie 0964) que incluso podría haber comenzado su vida como un Esquire, tiene un cuerpo de arce (originalmente tenía un acabado natural que Stevie eliminó), un golpeador negro, un puente fijo y dos pastillas de bobina simple. «Jimbo» se exhibió en el Museo Grammy junto a la emblemática Stratocaster de Stevie. Durante este período, Stevie y «Jimbo» eran inseparables, con el joven SRV incluso durmiendo con la guitarra.

Tocó la guitarra con sus primeras bandas Southern Distributor, Liberation y Lincoln hasta que finalmente la dejó ir a principios de los años setenta, cambiándola a Geoff Appold por una Epiphone Riviera roja de 1963. Años más tarde, cuando él y Appold se encontraron una vez más, Stevie preguntó por «Jimbo» y descubrió que la guitarra había sido cambiada una vez más. Stevie estaba decepcionado, y buscó la guitarra hasta su muerte en 1990.

La guitarra está programada para una subasta el 24 de marzo en Heritage Auction Galleries en Dallas. Las oferta comenzarán por $200,000 sin reservas. Se estima que el precio final superará los $400,000.








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