Pearl Jam cancela shows por positivo de su bajista

19 05 2022

Pearl Jam han cancelado el concierto del miércoles 18 de mayo en el Golden 1 Center de Sacramento, California, y el espectáculo del viernes (20 de mayo) en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas, Nevada, después de que el bajista Jeff Ament diera positivo por covid.

Las últimas cancelaciones de conciertos se producen pocos días después de que el batería Matt Cameron contrajera covid, lo que llevó a los otros miembros de Pearl Jam a reclutar al nuevo guitarrista de gira Josh Klinghoffer, al antiguo colaborador de Ament, Richard Stuveru y el batería original de Pearl Jam, Dave Krusen, para sentarse detrás del equipo para sus shows en Oakland y Fresno.

Hoy temprano, Pearl Jam emitió la siguiente declaración a través de las redes sociales: «mientras la banda luchó en Oakland después de que Matt Cameron dio positivo por covid, y Fresno, donde Ed [Vedder, voz] y la banda lo superó con la ayuda de Dave Krusen como batería invitado especial, ahora les toca presentar la desgarradora noticia de que esta mañana el bajista Jeff Ament ha dado positivo por Covid. Esto es horrible para todos los involucrados y lamentamos especialmente a aquellos que han hecho planes para asistir a estos espectáculos. Nuestra atención para permanecer dentro de la burbuja ha sido constante. Realmente hemos hecho todo lo que pudimos para mantenernos libres de infección. Lamentablemente, los espectáculos de Sacramento y Las Vegas se cancelaron. Lo sentimos mucho. Mantente seguro».

La banda está programada para iniciar su gira europea el 18 de junio en el festival Pinkpop en los Países Bajos. La segunda etapa de la gira norteamericana de comenzará el 1 de septiembre en la ciudad de Quebec.





3RD Secret: el grupo con miembros de Soundgarden, Nirvana y Pearl Jam

12 04 2022

El guitarrista de Soundgarden Kim Thayil, el bajista de Nirvana, Krist Novoselic y el batería de Soundgarden y Pearl Jam, Matt Cameron han unido fuerzas en una nueva banda llamada 3RD Secret. El grupo, cuya formación se completa con Bubba Dupree, guitarrista de la banda de hardcore de D.C. Void y el supergrupo de metal alternativo Hater (también con Cameron), y las vocalistas Jennifer Johnson y Jillian Raye (compañera de banda de Novoselic en Giants in the Trees), lanzó por sorpresa su álbum debut homónimo, grabado y mezclado por el famoso productor de Seattle, Jack Endino, el lunes (11 de abril).

Novoselic insinuó la existencia de 3RD Secret en febrero, escribiendo en un tweet eliminado desde entonces: «Estoy muy ocupado tratando de terminar un disco. En medio de algunos problemas, buscando un lanzamiento a mediados de marzo. Pero es un secreto, así…¡No se lo digas a nadie!»

Listado de canciones de «3rd Secret»:

01. Rhythm Of The Ride
02. I Choose Me
03. Last Day Of August
04. Winter Solstice
05. Lies Fade Away
06. Live Without You
07. Right Stuff
08. Dead Sea
09. Diamond In The Cold
10. Somewhere In Time
11. The Yellow Dress

3RD Secret recientemente realizó un show secreto en el Museo de Cultura Pop de Seattle. Una foto de la actuación está disponible en el sitio web de la banda.

3RD Secret marca la primera colaboración de un álbum completo de Cameron y Thayil después de la muerte en 2017 del cantante de Chris Cornell.

Thayil expresó recientemente su esperanza de volver a formar equipo con sus antiguos compañeros de banda en un nuevo proyecto. «Creo que los tres tenemos interés en hacer cosas nuevas. Ciertamente nos gusta trabajar juntos».





«Blood Sugar Sex Magik»: hits, rock, funk, sexo, casa embrujadas y drogas duras

30 09 2021
Must-See '90s Photos of Your Favorite Celebs | Red hot chili peppers  poster, Stuffed peppers, Red hot chili peppers
Red Hot Chili Peppers en 1991

El pasado 24 de septiembre se cumplieron 30 años del lanzamiento de una de los trabajos más emblemáticos del cuarteto californiano.

Si se hiciese una encuesta sobre cuáles fueron las bandas de rock más representativas de los ’90, seguramente Nirvana, Pearl Jam y The Smashing Pumpkins destacarían, con justicia, entre las más populares. Justamente esos tres grupos telonearon a los Red Hot Chili Peppers en la gira de Blood Sugar Sex Magik, quinto disco de los californianos, lanzado el 24 de septiembre de 1991. Se trata de un álbum que alcanzó un gran éxito global global maridando rock, funk, tatuajes, patinetes, tablas de surf y videoclips en MTV.

Pearl Jam Concert Chronology

Después de años de cambios constantes de integrantes y profunda inestabilidad (que incluyó la muerte por sobredosis del guitarrista Hillel Slovak, fundador del grupo), los Chili Peppers se habían consolidado en Anthony Kiedis (voz), Michael “Flea” Balzary (bajo), John Frusciante (guitarra) y Chad Smith (batería) en Mother’s Milk, CD lanzado en 1989 que había ampliado notablemente los horizontes de la banda, tanto musicalmente como en audiencia. A pesar de eso, decidieron modificar notablemente su organización interna para el siguiente trabajo: convocaron al mítico Rick Rubin como productor, a Gus Van Zant como director de fotografía y de videoclips (esta última tarea junto a  Stéphane Sednaoui) y firmaron su primer contrato con Warner Bros como discográfica. Para concretar la grabación, se mudaron a una mansión que había sido habitada por el mago Harry Houdini (a excepción de Smith, quien sostenía -como muchos otros- que el inmueble estaba embrujado, por lo que dormía en otra sede e iba a diario a pasar el día con sus compañeros).

Todo el trabajo quedó registrado en Funky Monks, documental en blanco y negro que, en una hora de duración, constituye una pieza audiovisual que brinda interesantes herramientas para dimensionar el proceso creativo del CD.

En el documental, las secuencias que retratan el día a día del grupo se mezclan con testimonios de los protagonistas, como uno de Flea que resume su espíritu: “Estar en los Red Hot Chili Peppers se trata de ser libre y no ser atado por nada, no tratar de encajar en ningún modelo, estilo o categoría”. Ese manifiesto se plasma de inmediato en el comienzo del disco con The Power of Equality, que inicia con Smith como director de orquesta anunciando el momento exacto de empezar: una oda a la igualdad entre personas y al poder que emana de ese soñado contrato social. La pieza sigue con la lasciva If You Have to Ask, en la que la guitarra de Frusciante se mezcla con vítores y aplausos: los cuatro jóvenes se despachaban con un nivel de autoconsciencia inédito en lo que iba de su carrera como banda. Y, si de reflexión sobre vida y obra se trata, la obra continúa en ese camino con la acústica Breaking the Girl, un lamento que discurre entre juegos vocales e instrumentación, con énfasis en la percusión.

Luego es el turno de otra oda a la exacerbada sexualidad que caracterizó a la banda desde sus inicios pero que estaba llegando a sus picos más altos, Suck My Kiss.

Y, otra vez, el freno de mano y la caída en picado emocional: el disco sigue con la balada I Could Have Lied, uno de los puntos más altos del disco: se trata de una catarsis de Kiedis acerca de su relación frustrada con Sinéad O’Connor. Posteriormente suena Mellowship Slinky in B Major, la máxima expresión funk del disco, claramente influenciado por la obra uno de los ídolos del grupo, George Clinton (quien les produjo el álbum Freaky Styley y al que la banda homenajeó en el clip de Dani California).

The Righteous & The Wicked sigue por el mismo carril con estribillo notable y coros a cargo de la inconfundible y eternamente joven voz de Flea, y es el preludio adecuado para uno de los grandes hits del disco: Give It Away. Acompañado por un videoclip multipremiado, se trata de un choque entre la potencia instrumental apoyada sobre la extraña melodía, y una lírica que pondera la cosmovisión de la multifacética artista alemana Nina Hagen.

El décimo tema es el homónimo al título del disco, y otra cabal demostración del enorme potencial que construyeron los cuatro jóvenes díscolos californianos reunidos en una casa ¿embrujada?: en Blood Sugar Sex Magik se lucen haciendo, literalmente, lo que quieren. Se trata de otra oda a la sexualidad, expresada en cada vocalización susurrada y también gritada, y en cada sonido, tanto sutiles como exagerados. Y, como a lo largo de todo el CD, llega el momento de la introspección: Under the Bridge, la autobiografía de un Kiedis sangrante por drogas duras enterrado en lo profundo de la oscuridad que, paradójicamente, lo cobija como único hogar.

El viaje continúa con con Naked in the Rain, una clase de funk rock; Apache Rose Peacock, un seductor monólogo que es al mismo tiempo coral; The Greeting Song, representante del rock más clásico y del virtuosismo sin igual de Flea para los arpegios; y My Lovely Man, continuadora del salvajismo de la primera época del cuarteto. Las últimas dos pistas son, respectivamente, la más extensa y la más corta del disco: la paródica pero también solemne Sir Psycho Sexy (de más de ocho minutos) y They’re Red Hot (cover de Robert Johnson en 71 segundos de pura velocidad).

La discográfica remasterizó el trabajo en 2006, edición en la que se agregaron Little Miss Lover y la preciosa versión de Castles Made of Sand, de Jimi Hendrix.

Así, con una catarata de hits, los Red Hot Chili Peppers alcanzaron la fama global definitiva y comenzaron una ambiciosa gira que terminaría de muy mala manera. Como si fuera una representación del arte de tapa del disco, en el que las lenguas de los integrantes intentan lamer una rosa pero se enredan entre espinas en el camino, las diferencias entre Kiedis y Frusciante se profundizaron, agudizadas por los consumos ingentes de heroína por parte del guitarrista y el pánico que le generó el éxito masivo. Dejó la banda de la que era fan desde adolescente (por primera vez) y volvería a sus filas para la grabación de Californication (1999, el otro disco fundamental del grupo) con sus brazos cauterizados pero repletos de cicatrices, y confirmó su status de ser un gran guitarrista y compositor.

Explosiva e introspectiva, novedosa y fiel al estilo clásico, rebosante de juventud pero madura: Blood Sugar Sex Magik es una obra cumbre de la música popular de los ’90 y el testimonio de que toda época memorable merece ser bien musicalizada.

Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik | Discogs




Come as you are: la historia de Nirvana

9 09 2021

El 24 de septiembre de 1991, hará próximamente 30 años, vio la luz Nervermind, el segundo álbum de Nirvana y uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos.

Un trabajo que traspasó los límites de lo estrictamente musical para convertirse en un fenómeno social y cultural. Una verdadera revolución que, en sus canciones creadas sobre guitarras sangrantes como arañazos al alma y versos tejidos de negro nihilista, se convirtió piedra angular del grunge y banda sonora de una Generación X que encontró en Kurt Cobain en su icono y su mártir.

Sobre Nirvana, su historia y su legado, se han escrito infinidad de libros, ninguno, sin embargo, de la relevancia y resonancia de Come as You AreMichael Azerrad, uno de los periodistas que mejor conoce la escena alternativa norteamericana, tuvo acceso directo a la banda, pudiendo entrevistar personalmente, detenidamente y en profundidad, a los tres miembros del grupo: Kurt Cobain (voz y guitarra), Dave Grohl (batería) y Krist Novoselic (bajo), consiguiendo dar forma a una de las biografías de rock más íntimas, descarnadas e intensas de todos los tiempos.

Come as You Are, un libro que deleitará a los seguidores de Nirvana en particular y a melómanos de todo tipo en general, llega a las librerías de la mano de la editorial barcelonesa Contra. Os avanzamos un esbozo de su primer capítulo (respetando el trabajo de traducción al castellano que ha realizado Elvira Asensi).

Cow Palace, San Francisco, 9 de abril de 1993. Once mil personas —chavales de estética grunge, deportistas, metaleros, público mainstream, punks, niños pequeños con sus padres, hippies— han venido desde lugares tan lejanos como Los Ángeles o Seattle para ver el primer bolo de Nirvana en Norteamérica en siete meses, un concierto benéfico para las víctimas de violación en Bosnia.

Aparte de una gira por clubs de siete semanas a finales de 1991, lo más cerca que la mayoría de fans norteamericanos ha estado de ver al grupo en directo fue en su actuación en Saturday Night Live hace más de un año. Desde entonces han ocurrido muchas cosas: rumores sobre consumo de drogas, rumores sobre la separación del grupo, pleitos y la venta de unos cinco millones más de ejemplares del disco Nevermind a nivel mundial. Y no han ocurrido muchas otras, como una gira de estadios por Estados Unidos o un nuevo disco.

Se trata de un concierto crucial. El grupo sale al escenario. Kurt Cobain, ataviado con una chaqueta de punto de color aguamarina, una camiseta de Captain America del revés y unos vaqueros hechos trizas, saluda nervioso al público. Se ha teñido el pelo de rubio para la ocasión. Un gran mechón le cubre los ojos y, de hecho, toda la mitad superior del rostro. Desde los primeros acordes de ‘Rape Me’, el grupo toca con una fuerza explosiva, lanzándole al público un bombardeo sónico desde el escenario: ‘Breed’, ‘Blue’, ‘Sliver’, ‘Milk It’, ‘Heart-Shaped Box’. Hacia el final, tocan el Hit, y a pesar de que Kurt la pifia en los primeros acordes, los moshers se vuelven locos en la pista.

Mientras se alzan las cerillas y los mecheros durante ‘Lithium’, todos los presentes en este local cavernoso recuerdan exactamente por qué les encanta Nirvana. A pesar de que a Krist Novoselic y a Kurt los separan por lo menos diez metros, se mueven e interactúan como si estuvieran mucho más cerca; no les cuesta nada comunicarse. A mitad del set, Kurt le dice a Krist: «¡Me lo estoy pasando genial! ¡Podría seguir tocando una hora más!». Dicho y hecho, embuten veinticuatro canciones en una hora y media, incluidos ocho temas de su próximo álbum.

El público aplaude entusiasmado el nuevo material, sobre todo la brutalidad con la que atacan «Scentless Apprentice» y la majestuosa «All Apologies», que acaba disolviéndose en una confusión de canto mantra y feedback. Eddie Vedder de Pearl Jam ve el concierto desde el lateral del escenario; no muy lejos está Dale Crover, de los Melvins. Frances Bean Cobain está en el piso de arriba en el camerino de su padre con su niñera; Courtney baja justo a tiempo para esquivar una botella de plástico de agua mineral que Kurt ha lanzado sin mirar y le saluda con sarcasmo.

Al acabar el set, KurtKrist Dave Grohl desaparecen detrás de la tarima de la batería y se pasan un cigarro mientras deliberan sobre qué canciones tocar, y luego vuelven a salir para hacer un bis de media hora con siete canciones que alcanza su punto álgido con ‘Endless, Nameless’, el misterioso tema que cierra Nevermind. A medida que la banda acelera el riff principal de la canción, entra en trance. Kurt pasa por encima de su torre de amplis. No es que esté a mucha altura, pero aun así resulta fascinante, como un suicida en potencia que camina por la cornisa de un edificio. La música se acelera todavía más. Las guitarras despiden chillidos, Krist se ha soltado la correa del bajo y lo zarandea frente al ampli; Dave Grohl ataca la batería con un desenfreno calculado. Cuando la música alcanza su punto álgido, Kurt cae con fuerza sobre la batería y los timbales, y los pies de los platos se caen abriéndose hacia afuera, como una planta carnívora que se abre para devorar a su presa. Fin del concierto.

La gente se pregunta si Kurt estará bien. Esto no forma parte del espectáculo; de ser así, habrían puesto antes algún tipo de acolchado a modo de protección. Puede que se trate de un truco de frikis, como el típico niño en la escuela primaria que se hacía sangrar la nariz y se esparcía la sangre por la cara para que el matón de la clase lo dejara en paz, un ejemplo de «ya me hago daño yo antes de que me lo hagas tú» protagonizado por un tío que ha empezado el set con una canción titulada ‘Rape Me’ . Puede que sea un homenaje a dos de los saltimbanquis preferidos de KurtIggy Pop y Evel Knievel. ¿O será que la música le produce tal subidón que se vuelve insensible a cualquier daño físico, como un swami exaltado que camina sobre carbón incandescente?.

A juzgar por el público, radiante y entusiasmado, esta última explicación parece ser la más adecuada. Al acabar, todo el séquito de la banda celebra el concierto triunfal en el patio del motel Phoenix, el sitio de moda, a excepción de Kurt Courtney, que se han retirado a un hotel de lujo al otro lado de la ciudad. El Phoenix les trae malos recuerdos, comenta Courtney. Además, las toallas de baño son demasiado pequeñas. Aun en su ausencia, el lugar se convierte en una especie de Nirvanalandia. Está Dave con su madre y su hermana, Krist y Shelli, y también el sonriente Ernie Bailey, el técnico de guitarras, y su mujer Brenda, el tour manager Alex Macleod, la diseñadora de luces Suzanne Sasic, la gente de Gold Mountain Management, Mark Kates de Geffen, e incluso algunos miembros del grupo Love Battery de Seattle, que casualmente están en la ciudad.

November 1993 | Kurt cobain, Nirvana kurt cobain, Donald cobain
Kurt Cobain, noviembre de 1993

Krist se acerca al supermercado y vuelve cargado de cervezas y la fiesta prosigue hasta altas horas de la madrugada. Al día siguiente, Krist hace una peregrinación a todo un punto de referencia de la generación beat: la legendaria librería City Lights. Sale a la calle para ir a un cajero, donde un indigente anuncia: «¡Oigan, buenas noticias! ¡Nos complace comunicarles que por ser Pascua aceptamos billetes de veinte dólares!». Krist le da uno. 

El concierto del Cow Palace fue toda una victoria. Parecía confirmar que, después de todo, el hecho de que a un grupo de punk rock le hubiera tocado el gordo del mainstream no había sido mera chiripa. Aquella victoria tuvo repercusiones para el grupo, para todos los grupos similares, y puede que incluso para el mundo de la cultura en general. Como dijo Kim Gordon de Sonic Youth recientemente: «Cuando un grupo como Nirvana sale del underground, realmente expresa algo que está sucediendo a nivel cultural y no es un producto». Lo que estaba sucediendo a nivel cultural no solo quedaba reflejado en el sonido de la música, sino, de manera igualmente importante, en cómo alcanzó la popularidad.

El fenómeno del punk rock empezó prácticamente cuando Johnny Ramone le dio con la púa a la cuerda de su guitarra, inspirando así una década y media de trabajo duro por parte de innumerables grupos, sellos discográficos independientes, emisoras de radio, revistas y fanzines y pequeñas tiendas de discos que se esforzaron por crear algún tipo de alternativa al rock corporativo insulso y condescendiente que le estaban endilgando al público las cínicas multinacionales, los estadios impersonales, las tiendas de discos gigantescas, las emisoras de radio dirigidas al populacho y las revistas de rock nacionales obsesionadas con las estrellas.

Motivada por la revolución del punk rock, la escena musical underground creó una red mundial, una industria musical en la sombra. Creció sin parar hasta que ni siquiera todos los esfuerzos de la industria musical controlada por los baby boomers pudieron detenerla. R.E.M. fue la primera explosión, Jane’s Addiction llegó después, y luego llegó el Big Bang: Nevermind lleva vendidos hasta la fecha más de ocho millones de ejemplares a nivel mundial. Desafió los mayores esfuerzos de gente como Michael Jackson, U2 o Guns N’ Roses, y alcanzó el número 1 en la lista de discos de Billboard. Después de esto, todo fue pre- o post- Nirvana.

La radio y la prensa empezaron a tomarse en serio el rollo «alternativo». De la noche a la mañana, las discográficas se replantearon su estrategia. En vez de promocionar de manera muy intensa un pop ligero que vendería bien al principio pero del que nunca más se volvería a saber nada, decidieron empezar a fichar artistas que tuvieran un potencial a largo plazo. Y los promocionaban desde la base, desde un nivel más centrado en la comunidad, en vez de soltarles dinero a espuertas hasta que empezaran a vender.

Se trataba de imitar la manera en que Nirvana consiguió darse a conocer: un pequeño grupo nuclear de medios locales y fans de la música cuyo valioso boca a boca fue aumentando el número de seguidores del grupo, poco a poco al principio y más tarde a pasos agigantados. El despliegue mediático era mínimo, con la buena música bastaba. El afán investigador necesario para abrirse paso a través del laberinto de la música independiente era, en efecto, un reproche al consumismo de masas. Suponía un avance molesto para las grandes discográficas, que habían pasado a depender del dinero invertido en la promoción de los artistas para conseguir camelarse al público.

La música independiente requería una manera de pensar independiente, empezando por los artistas que hacían la música, pasando por los empresarios que la vendían y acabando por la gente que la compraba. Es mucho más difícil encontrar el nuevo single de Calamity Jane que hacerse con un ejemplar del último cd de C+C Music Factory. En 1990 no hubo ningún álbum de rock que llegara al número 1, lo que llevó a algunos expertos del sector a profetizar el fin del rock. Los programadores radiofónicos habían ido fragmentando de manera sistemática el público de la música en busca del perfil demográfico perfecto, y parecía poco probable que los aficionados al rock pudieran unirse en torno a un disco en número suficiente como para colocarlo en lo más alto de las listas.

Así que mientras el rock degeneraba en una falsa rebelión tremendamente procesada de melenas al viento, géneros musicales como el country y el rap representaban de una forma más directa el estado de ánimo y las preocupaciones de las masas. Si bien hubo varios discos de rock que alcanzaron el número uno en 1991, Nevermind consiguió unir a un público que nunca se había unido hasta entonces: el de los veinteañeros.

La última sesión fotográfica de Kurt Cobain | Página 2 de 6 | Binaural
Nirvana




Eddie Vedder publica «Long Way», adelanto de su próximo álbum

9 09 2021
Eddie Vedder fechas de gira 2021 2022. Eddie Vedder entradas y conciertos |  Wegow España
Eddie Vedder

Poco después de descubrir los temas que Vedder había compuesto como cantado para la banda sonora de Flag Day, el mediático cantante ha sorprendido publicando ‘Long Way‘, single totalmente nuevo que vendrá incluido en su próximo disco en solitario. Este trabajo en cuestión se titulará Earthling. La fecha de edición aún no confirmada públicamente.

Las trazas de Springsteen salen a flote en un soleado y simplón single cuyo estival ADN nos remite también a los cortes más pop y cálidos editados por Tom Petty en los ochenta y noventa. Andrew Watt, ganador del Grammy a Mejor Productor Del Año del 2021 y conocido por haber trabajado con Miley Cyrus, Maroon 5 y Justin Bieber, ha sido la persona encargada de producir el single.

Aparte de ser incluido en el mencionado LP, Long Way será editado en un disco de edición limitada de 7″ en el que se presentará otra composición titulada The Haves. Andrew Watt interpreta la guitarra y el bajo en Long Way, mientras que Josh Klinghoffer hace lo propio al piano y a la guitarra, y Chad Smith de Red Hot Chili Peppers a a la batería.





Después de «Un largo tiempo» vuelve Miguel Ríos

10 05 2021
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«Un largo tiempo» es el nuevo álbum de Miguel Ríos con The Black Betty Trío: José Nortes (guitarra y coros), Luis Prado (piano), y Edu Ortega (violines y mandolina).

Según Miguel Ríos«el título sale del poema ‘Para que yo me llame Ángel González’, que he musicado con Jose Nortes. Me siento tan identificado con ese texto que me bastaría con ponerle mi nombre para que fuera mi autobiografía».

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El nuevo trabajo llega tras más de 12 años sin publicar nada inédito y 11 años después de anunciar su retirada. El disco se compone de diez temas, que incluyen ocho canciones inéditas y dos versiones o adaptaciones de clásicos. Como adelantos están los singles «El Blues de la Tercera Edad», «La estirpe de Caín» y «Que salgan los Clowns». Esta última es una adaptación del clásico de Stephen Sedeen de 1973, popularizado más tarde por Frank Sinatra y Judy Collins, entre otros. La otra cover es «Viene y luego va», cuyo original es «Come then goes» de Eddie Vedder (Pearl Jam).

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1.Memphis-Granada
2.Que salgan los clowns
3.Cruce de caminos
4.Por San Juan
5.Esplendor en la hierba
6.La estirpe de Caín
7.Para que yo me llame Ángel González
8.El blues de la tercera edad
9.A contra ley
10.Viene y luego va

Además, Miguel Ríos vuelve a la carretera con una pequeña serie de conciertos:

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Fender Limited Edition Mike McCready 1960 Stratocaster

8 04 2021
Fender Limited Edition Mike McCready 1960 Stratocaster

Fender ha lanzado oficialmente la Stratocaster exclusiva de Mike McCready de edición limitada, una fiel recreación de su Strat original de 1960, que la leyenda de la guitarra eléctrica dice que es “probablemente la guitarra más cómoda que tengo”.

Originalmente anunciada a principios de este año, cuando se reveló que la legendaria ’59 Strat de McCready era en realidad un modelo ’60, el modelo signature se describe como una recreación fiel que «da cuenta de cada especificación, detalle y rasguño icónico».

En cuanto a la construcción, la guitarra se compone de un cuerpo de aliso selecto de dos piezas, que destella un acabado de sunburst heavy relic, mástil de arce flameado con un perfil de C ovalado ’60 de la época y un diapasón de palisandro.

Otras especificaciones incluyen pastillas personalizadas bobinadas a mano por la propia Josefina Campos, un condensador «treblee bled» y un trémolo con bloque Callaham.

En una conversación, el miembro de Pearl Jam revela: «probablemente sea la guitarra que tengo que mejor toco. El mástil está un poco gastado, lo que me encanta, y la sensación es perfecta. No hay nada como eso para mí. Lo mejor que puedo decir sobre la guitarra es que después de que Fender me envió el prototipo, lo recogí pensando que era mi original. Me senté ahí tocando un rato, y luego finalmente dije, ‘espera un minuto…»

De su relación histórica con la Stratocaster, McCready recuerda: “una vez que pude comprar una guitarra de calidad, de inmediato me decidí por una Stratocaster de época. Era la guitarra de mis sueños debido a mi amor por Stevie Ray Vaughan, y como mis aspiraciones musicales se estaban haciendo realidad, tenía que tenerla. Fue la primera guitarra importante que compré, nunca pensé que podría tener una antes de que sucediera Pearl Jam».

Vincent Van Trigt, el maestro constructor detrás del nuevo modelo, comentó: “fue un honor deconstruir y recrear la Stratocaster de 1960 de Mike. Él toca un modelo muy estimado, y la historia única que hay detrás le da aún más carácter a la guitarra relic que pretendíamos recrear».

«Mike McCready es una auténtica leyenda del rock ‘n’ roll, y fue un privilegio recrear su guitarra favorita de todos los tiempos», continuó Mike Lewis, vicepresidente de desarrollo de productos de Fender Custom Shop. «Pearl Jam nos ha estado inspirando en Fender, por no mencionar al público de todo el mundo, y no podríamos pensar en una mejor manera de honrar el legado de este legendario guitarrista de rock».

La Fender Mike McCready 1960 Stratocaster de edición limitada está disponible ahora por $15,000 y viene con un estuche rígido de lujo, correa, estuche McCready y certificado de autenticidad.





Fender Limited Edition Mike McCready Stratocaster

1 03 2021
Limited Edition Mike McCready 1960 Stratocaster® | Limited Edition Series |  Fender® Custom Shop

Fender Custom Shop ha revelado detalles del nuevo modelo exclusivo de Mike McCready de Pearl Jam, que se anunció por primera vez en NAMM.

La guitarra es una meticulosa recreación de su Stratocaster de 1960. Para el proyecto, Vincent Van Trigt desmontó la guitarra para determinar cómo recrearla; curiosamente, esto reveló que la fecha de origen de la guitarra era 1960, no 1959 como McCready había pensado anteriormente.

La recreación de la Custom Shop viene con las mismas características y apariencia que la original de McCready. El acabado que ha sido tan relicado, es un sunburst sobre un cuerpo de aliso de dos piezas, con un mástil de arce de corte plano y un diapasón de palisandro de 21 trastes. El perfil del mástil es un C ovalado de 1960, y el diapasón está cargado con trastes de especificación vintage.

En el departamento de electrónica, hay un juego de pastillas Josefina personalizadas, de bobinado manual para que coincidan con las que se encuentran en el original. Están conectadas a un interruptor de cinco posiciones y un diseño de control de volumen y tono estándar de Stratocaster vintage.

La guitarra también está equipada con un vibrato sincronizado de estilo vintage con bloque de puente Callaham, así como una cejuela de hueso y clavijero de estilo vintage.

Viene en un estuche rígido de lujo, con una serie de accesorios como una correa, certificado de autenticidad y «McCready Case Candy Kit».

La guitarra está limitada a 60 unidades en todo el mundo y tiene un precio de venta de $15,000 / £13,399 / €14,999. Estará disponible en abril de 2021.





Eddie Vedder publica «Matter of Time»

25 12 2020
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El líder de Pearl Jam, Eddie Vedder, lanzará el paquete «Matter Of Time» hoy viernes 25 de diciembre a través de Monkeywrench / Republic Records. Justo a tiempo para Navidad, amplía el conjunto de dos pistas lanzado anteriormente y recopila una serie de canciones y versiones acústicas interpretadas y grabadas a lo largo de 2020. Presenta todas estas pistas juntas por primera vez en una colección completa que también incluye una versión acústica de la canción de Bruce Springsteen, «Growin ‘Up».

Entre las adiciones, el proyecto incluye una poderosa interpretación acústica de «Future Days». La pista originalmente concluyó el décimo álbum de Pearl Jam en 2013, «Lightning Bolt» y también apareció en el exitoso videojuego «The Last of Us Part II» como una despedida conmovedora entre los personajes principales. Mientras tanto, «Matter Of Time» incluye actuaciones caseras llenas de emoción y energía de los clásicos «Porch» y «Just Breathe».

Lista de canciones de «Matter Of Time»:

01. Matter Of Time
02. Say Hi
03. Just Breathe (acoustic at home)
04. Future Days (acoustic at home)
05. Growin’ Up (acoustic at home)
06. Porch (acoustic at home)

La nueva canción de Pearl Jam, «Get It Back», fue lanzada en octubre como parte de «Good Music To Avert The Collapse Of American Democracy Vol. 2». La pista fue compuesta por el batería de Pearl Jam, Matt Cameron, y marcó la primera música nueva de la banda desde el lanzamiento del álbum «Gigaton» en marzo. Producida por Josh Evans y Pearl Jam, se posicionó en el n. ° 1 en la lista Billboard Top Rock Albums. Además, aterrizó en el Top 5 del Billboard 200. A nivel internacional, el álbum debutó en el No. 1 en Italia y Austria, en el Top 5 en Holanda, Suiza, Australia, Alemania, Bélgica, Noruega, Canadá y Finlandia y en el Top 10 en el Reino Unido, Irlanda y Nueva Zelanda.





Miembros de Pearl Jam y Foo Fighters forman una nueva banda

14 12 2020

Matt Cameron (de Pearl Jam) y Taylor Hawkins (de Foo Fighters), ambos baterías de sus respectivas formaciones, se han unido para formar una nueva banda llamada Nighttime Boogie Association.

Después de tocar en el concierto tributo a Chris Cornell del año pasado, los dos decidieron unirse formalmente para escribir música juntos, y pronto se dirigieron al estudio de Hawkins en Los Ángeles para discutir ideas. Las obligaciones con sus bandas habituales les obligó a dejar el proyecto paralelo en un segundo plano poco después, pero una vez que golpeó la pandemia del coronavirus, decidieron intentar escribir canciones virtualmente enviando demos de un lado a otro.

«Long in the Tooth”, un tema funky rock que tiene un toque de hair metal de los 80 y cuenta con un Hawkins muy versado en la voz, fue la primera canción que redactaron. Sorprendentemente, ninguna de las composiciones incluye baterías reales, pero es algo que Nighttime Boogie Association adaptará.

Mientras tanto, Cameron escribió la letra y la música de “The Path We’re On”, una pieza de grunge progresivo que presenta trabajos de guitarra adicionales de Buzz Osborne y Steven McDonald de The Melvins.

Parece que Nighttime Boogie Association puede convertirse en un proyecto más grande con el tiempo. Sin embargo, por ahora, solo esperan lanzar más música en “los próximos seis a ocho meses“.








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