La productiva asociación de Gibson con Slash ha dado más frutos en la forma de otra incorporación a sus modelos Les Paul, la Slash “Jessica” Les Paul Standard con acabado Honey Burst with Red Back. Apodada «un pedazo de la historia del rock ‘n’ roll renacido», lo último de Gibson se basa en el arma en vivo preferida del ícono de Guns N’ Roses.
Slash «Jessica» Les Paul Standard (Honey Burst with Red Back)
«Esta guitarra ha estado conmigo desde 1988», ha dicho Slash sobre la guitarra que ha sido su instrumento de referencia en el escenario durante más de 30 años. «Está descolorida, se le cayó un puto cigarrillo… ¡Le puse ese nombre cuando estaba borracho, pero no recuerdo cuál fue el motivo para eso!».
La nueva réplica de Jessica está construida alrededor de un cuerpo de caoba sin alivio de peso rematado con una tapa de arce liso de tres piezas, mientras que el mástil está elaborado en caoba con un perfil vintage de los años 50.
Sónicamente, está impulsada por dos pastillas Burstbucker personalizadas con imanes Alnico 2, hábilmente aumentados con componentes electrónicos cableados a mano, incluidos condensadores Orange Drop, que han demostrado ofrecer una variedad de tonos, desde limpios y articulados hasta los sonidos saturados característicos que aparecen en éxitos de GNR como «Welcome to The Jungle», «Paradise City», «Sweet Child O’ Mine» y muchos más.
Slash adquirió la Jessica por primera vez cuando retiró sus réplicas de Kris Derrig y Max Baranet Les Paul a finales de los 80 y Gibson envió dos segundas de fábrica como candidatas para reemplazarlas.
«Ambas eran bastante idénticos, con un brillante Cherry Sunburst», recuerda. “Comencé a usarlas en la carretera por un tiempo, luego las retoqué para que quedaran un poco más apagadas. Y esa se convirtió en mi guitarra principal en el escenario y backup durante toda la gira de Guns N’ Roses y de Velvet Revolver, y ahora con Guns nuevamente”.
La Gibson Slash Jessica Les Paul Standard ya está disponible a $3,199/£2,999.
Disponible en acabados Original Sunburst o Antique NaturalArtisan Aged, esta nueva guitarra cuenta con una tapa y cuerpo de arce rizado altamente flameado, además de la 225 Classic Archtop Humbuckers completamente nuevas. La guitarra ha sido fabricada en su famosa fábrica de 225 Parsons Street en el corazón de Kalamazoo, Michigan, donde la marca tiene su sede desde 1985.
Heritage dice que las nuevas humbuckers instaladas en este modelo ofrecen «la cantidad adecuada de calidez para amplificar las cualidades tonales y resonantes de la guitarra», mientras que un perfil de mástil en C de los años 50 de caoba, diapasón de palorrosa, radio 12″ y trastes Jescar medium jumbo, ofrece una facilidad de ejecución cómoda.
Sus otras características “premium” incluyen un diapasón con binding, incrustaciones de bloque y un golpeador de tortoise de múltiples capas. Al igual que los otros modelos de la Core Collection, la Custom Shop H-575 se envía en un estuche rígido Heritage Custom Shop que también tiene esa estética clásica.
La colección principal de Heritage está en constante crecimiento. El año pasado lanzaron la Heritage Standard H-150 P90 y Heritage Custom Core H-150 P90.
La H-575 tiene un precio de $5,999 y está disponible para su compra directamente en Heritage Guitars.
Algunas de las remezclas y versiones en vivo de U2 antes de la era digital aún no han aparecido… ¡hasta ahora!. Los tesoros remezclados y en vivo abundan en el mundo físico de los sencillos en vinilo, CD y casetes, y ahora se lanzarán 12 colecciones de sencillos recién remasterizados a lo largo de este año, empezando por «Discotheque»...
Parece que fue ayer, pero han pasado 27 años desde que «Discotheque» irrumpió por primera vez en la pista de baile como sencillo en enero de 1997.
Esta primera colección de sencillos digitales contiene nada menos que 10 mezclas de la canción y dos más de la cara B ‘Holy Joe‘.
Podrás escucharlos todos a partir del 5 de abril, desde la edición de radio hasta «Howie B, Hairy B Mix», pasando por «DM Deep Extended Club Mix» (con una duración de 10 minutos), pasando por el «Hexadecimal Mix» y el clásico de 12 pulgadas, además del «Garage Mix» y el «Guilty Mix» de «Holy Joe».
En 2023, Death Cult regresó y se reunió para algunos conciertos. En 2024, para celebrar el 40º aniversario de The Cult, Ian Astbury y Billy Duffy seleccionaron la colección Ghost Dance publicada anteriormente de Death Cult y volvieron a compilar las pistas para un nuevo lanzamiento titulado «Paradise Now».
Habrá dos variantes de vinilo. Uno lanzado al público en general y una edición especial limitada estará disponible para preventa en la tienda web de la banda. Los detalles al respecto se compartirán pronto.
Tracklist:
A1. Horse Nation A2. Ghost Dance A3. Brothers Grimm A4. Christians B1. Gods Zoo (These Times) B2. A Flower In The Desert B3. Butterflies B4. With Love (Sea and Sky)
Black Country Communion, el supergrupo formado por el legendario vocalista y bajista Glenn Hughes (Deep Purple, Black Sabbath), el guitarrista Joe Bonamassa, el baterista Jason Bonham (Led Zeppelin) y el teclista Derek Sherinian (Dream Theater, Alice Cooper, Billy Idol), ha lanzado un nuevo sencillo, «Red Sun». La canción está extraída del muy esperado quinto álbum de estudio, «V», que saldrá el 14 de junio.
Disponible ahora en las principales plataformas de streaming, «Red Sun» muestra el genio colectivo de Hughes y Bonamassa, tanto en sus poderosas letras como en su profunda composición musical. La canción es un viaje lírico a través de las profundidades del alma, haciéndose eco de las luchas y revelaciones que acompañan a los desafíos de la vida. La rica narrativa y la convincente melodía de la canción se ven realzadas por la combinación característica de hard rock y blues de la banda, marcando otro hito en su histórica carrera.
«Esta banda me permite abarcarlo todo», comenta Bonamassa. «Es curioso porque los cuatro músicos que están aquí, todos aportan algo que es muy específico. Cada parte es insustituible. Para mí, se trata de tocar la guitarra de rock antiguo, a todo volumen».
Hughes añade: «hacemos música para nosotros cinco. Hacemos música que amamos y nos gusta, esperando que sea registrada por todos los demás. No la hacemos para compañías discográficas, ni para este o aquel tipo. Sherinian le da crédito al productor Kevin Shirley por mantener enfocadas las energías creativas de la banda y agrega: «Tenemos que darle un crédito enorme a Kevin Shirley porque él controla. Hace que todo fluya».
«Red Sun» es una pieza profunda en la discografía de BCC, que muestra el crecimiento y el respeto mutuo de la banda. Se erige como un faro de su filosofía compartida: crear música auténtica, sincera y un reflejo de sus experiencias colectivas y su destreza musical.
Producido por Shirley, «V» marca un capítulo monumental en la histórica carrera de la banda, encarnando un espíritu renovado y una evolución de su inconfundible sonido. Shirley captura la esencia del viaje de la banda y afirma: para una banda que comenzó como una colección de los mejores intérpretes de sus instrumentos, rápidamente encontraron un sonido único. Esta vez, tiene más propósito, los riffs son más duros. Es el disco más cohesivo, lleno de alma y valor, y creo que este será el punto de referencia para BCC».Glenn está de acuerdo: «en mi opinión, pasamos el mejor momento grabando este disco en Sunset Sound en Hollywood, mucha diversión y una grabación mágica. Nos encontramos dentro de la música».
«Stay Free», el sencillo principal, es un tema poderoso que combina la energía cruda del hard rock con una fuerte dosis de blues, canalizando el espíritu de leyendas como AC/DC y Led Zeepelin. Establece el tono de lo que los fans pueden esperar de «V», un testimonio de la sinergia dinámica y la evolución creativa de la banda.
Desde su debut en 2010, Black Country Communion ha lanzado una serie de álbumes aclamados por la crítica, cada uno de los cuales muestra la capacidad del grupo para fusionar el blues-rock británico con el soul estadounidense de una manera que cautiva al público de todo el mundo. Su regreso con «V» y el sencillo «Stay Free» reafirma su estatus como realeza del rock y muestra su crecimiento como músicos y narradores.
«V» track Listing:
01. Enlighten 02. Stay Free 03. Red Sun 04. Restless 05. Letting Go 06. Skyway 07. You’re Not Alone 08. Love And Faith 09. Too Far Gone 10. The Open Road
El modelo Dellinger-JSM-V2 irradia un clásico de la «vieja escuela» que se combina con el sabor de la «nueva escuela», con un nuevo conjunto de características que lo elevan a un clásico instantáneo.
La pastilla de mástil de bobina simple Fishman SSA montada en golpeador y la humbucker del puente Fishman Fluence Ceramic Killswitch Engage permiten una amplia gama de tonos, desde el clásico vintage hasta el metal moderno. El diseño tradicional de la placa de control es práctico e intuitivo y ofrece una amplia gama de opciones de conexionado, con un push-pull en el volumen para la seleccion de voz de las pastillas, un push pull en el tono para coil-tap y el típico selector de tres posiciones.
Con una estructura de cuerpo «WB», con tapa de nogal y fondo de australian blackwood, el modelo V2 garantiza un tono claro y enfocado de rango medio-bajo con una separación de notas mejorada y un extremo superior cristalino y armónicamente rico. Un mástil de 5 piezas de nogal/arce, rápido y suave, garantiza una comodidad y estabilidad.
Caparison Dellinger JSM-V2 (Vintage White)
Un puente fijo Caparison rediseñado, con un silenciador de palma más cómodo y ergonómico, proporciona una claridad, solidez y equilibrio impecables, mientras que los afinadores de bloqueo Gotoh y la tuerca Graph-Tech garantizan una afinación consistente y estable. Un radio compuesto muy plano (14″-16″), 24 trastes Jescar de acero, cejuela Graphtech Black Tusq XL (42mm) y clavijero Gotoh completan las especificaciones del mástil.
Caparison Dellinger JSM-V2 (Tobacco Sunburst)
La Dellinger JSM V2 está disponible en Tobacco Sunburst y Vintage White.
«Esta nueva encarnación de la Dellinger JSM es una guitarra realmente sorprendente y se siente como una evolución natural del modelo anterior. Es capaz de producir los mismos tonos aplastantes de metal y rock, pero la bobina simple en la posición del mástil y las opciones de push pull abren un nuevo mundo de posibilidades para tonos limpios. ¡También me encanta el aspecto de esta guitarra! ¡Es una combinación perfecta de estilos clásicos y modernos que solo Caparison podría lograr con tanta facilidad! Muchas gracias Itaru, Gabriel y todos en Caparison por hacer ¡¡¡Otra guitarra de mis sueños es una realidad!!! ¡¡¡Espero que cualquiera que tenga una en sus manos la ame tanto como a mí!!!» –Joel Strötzel
DSM Humboldt ha anunciado el Simplifier X, un pedal que llama “el simulador de amplificador analógico más avanzado jamás creado”.
Un amplificador de pedal dual totalmente analógico que cuenta con 20 controles y seis interruptores para una gran cantidad de posibilidades de configuración de tono. Dentro del pedal hay dos amplificadores independientes, cada uno con sus propias entradas, salidas, preamplificadores, amplificadores de potencia, gabinetes y bucles de efectos.
El Amp B tiene la misma sensación totalmente analógica y natural de su pedal Simplifier MK-II, mientras que el Amp A ofrece versiones de mayor ganancia.
De los preamplificadores, el ‘AC Brit’ minimiza el control de medios para un tono estilo Vox AC30, el ‘American USA’ rinde homenaje a un Fender Bassman del 59 y el ‘MS Brit’ replica un Marshall Plexi hot-rod.
El pedal se puede ejecutar en paralelo, creando una plataforma estéreo en vivo, mientras que la opción de amplificador A/B y cabina estéreo permite a los usuarios alternar entre los dos amplificadores, utilizando diferentes configuraciones de cabina y bucle de efectos en cada lado para un «sonido 3D más completo”.
También hay una opción mono dual, con dos configuraciones diferentes de amplificador/caja/efectos disponibles con solo presionar su interruptor A/B.
«Sabemos que puede parecer un poco intimidante a primera vista», afirma Daniel Schwartz, director de ingeniería y fundador de DSM Humboldt.«Pero, si sabes cómo usar un amplificador, sabrás intuitivamente cómo usar cada función».
Tiene razón. Cada lado tiene parámetros de preamplificador para graves, medios, agudos y ganancia, con controles de amplificador de potencia para resonancia, presencia y potencia, junto con interruptores para alternar entre diferentes opciones de preamplificador y amplificador de potencia.
Eso representa 14 de los controles y cuatro de los interruptores del pedal. Los controles restantes, nuevamente reflejados en cada lado de cada amplificador, sirven para ajustar la reverb, el color del altavoz, el tipo de cabina y el nivel maestro.
Su reverb estéreo completa ofrece un tres estilos (Room, Plate y Long) y cada lado se puede modificar de forma independiente. También hay un práctico interruptor de bucle mono para aplicar efectos mono a ambos canales, sin estar restringido al modo paralelo completo.
A pesar de ese abrumador primer vistazo, el pedal está diseñado para ofrecer una versatilidad fácil de usar. Como tal, el Simplifier X también se beneficia de latencia cero, un diseño sin menú, un “sonido y sensación ultrarrealistas” y una entrega transparente de “lo que ves es lo que obtienes”.
Vale la pena señalar que el Simplifier X se enfrenta a una competencia seria en el mercado de amplificadores de pedal y tendrá que competir con algunos favoritos, incluido el amado Strtymon Iridium y la gama de pedales Amp Emulator aprobados por Universal Audio.
Sin embargo, parece tener características a su favor, con suficientes campanas y silbidos analógicos para tentar a los guitarristas y diferenciarlo.
El pedal está encerrado en una carcasa de aluminio anodizado resistente con un acabado negro esmerilado pulido con chorro de arena. Está disponible por un precio de lanzamiento con descuento de $469 y luego aumentará a $499.
Diseñado para crear filtros originales, el Spatial Delivery V3 es, como su nombre indica, la tercera versión de EarthQuaker Devices del pedal de filtro de envolvente controlado por voltaje.
Esta última actualización agrega seis ajustes preestablecidos de usuario a los que se accede mediante un control giratorio, lo que permite a los usuarios acceder a sus presets sin necesidad de marcar todas las configuraciones para cada sesión. Esto hace que este pedal sea mucho más útil para trabajos en vivo y en estudio.
Los tres filtros de envolvente incluyen Up Sweep, Down Sweep y Sample and Hold. Estos se pueden ajustar con los contorles de Rango, Resonancia y Filtro. Todo es sencillo, lo que hace que sea muy divertido tocar con este pedal.
Si necesitas más control, conectar un pedal de expresión para controlar cualquier parámetro (puede asignarse a Rango, Resonancia o Filtro) hará que este filtro de envolvente sea aún más divertido. La tecnología Flexi-Switch de EarthQuaker también permite una acción momentánea del pedal.
Los filtros de envolvente pueden ser divertidos una vez que hayas encontrado algunas buenas configuraciones. Por lo tanto, guardar seis ajustes preestablecidos de tu elección es una gran ventaja: ahorra tener que girar los controles en un escenario oscuro o durante una sesión de estudio ocupada. EQD ha hecho que un excelente filtro envolvente sea aún más amigable para los músicos al actualizar el diseño con esta nueva característica.
Kurt Cobain. MTV Unplugged in New York, Nov. 18, 1993.
Kurt Cobain, líder de Nirvana e ícono musical, murió el viernes 5 de abril de 1994, hace 30 años.
Con Nirvana, Cobain lanzó sólo tres álbumes durante su vida en un lapso de cinco años, incluido «Nevermind», certificado por la RIAA Diamante, lo que lo convirtió en el rostro de la contracultura y el movimiento grunge y alternativo de principios de los 90. Sin embargo, a pesar de su breve carrera, Nirvana y su líder tuvieron un profundo impacto tanto en la música rock como en la cultura pop, que continúa más de una generación después.
Kurt Donald Cobain nació el 20 de febrero de 1967 en Aberdeen, Washington. Mientras estaba en la escuela secundaria, conoció al músico Krist Novoselic y formaron una banda juntos. Después de varios cambios de personal y de nombre, se creó Nirvana, con Cobain a la guitarra y voz, Novoselic al bajo y Chad Channing a la batería. Lanzaron su álbum debut, «Bleach», en junio de 1989, en el influyente sello independiente Sub Pop de Seattle; la elección es un reflejo de la pasión de Cobain por el espíritu anticorporativo del punk y el indie rock.
«Kurt suscribió eso profundamente», dijo Michael Azerrad, quien entrevistó a Cobain como autor de la biografía autorizada de Nirvana de 1993 «Come as You Are: The Story of Nirvana». “Y, sin embargo, tenía este impulso contradictorio de ser tan famoso como creía que merecía su talento. Creo que ese fue un gran conflicto que nunca logró resolver”.
Después de «Bleach»,Nirvana saltó de Sub Pop a un sello importante, DGC Records, y contrató a un nuevo batería: Dave Grohl, quien se inició tocando en bandas de punk de Washington, D.C. Juntos, la banda grabó lo que se convertiría en «Nevermind», añadiendo un acabado más brillante y expansivo a su sonido.
Dave Grohl, Kurt Coabin, Krist Novoselic (Alemania, Nov. 12, 1991)
«Nevermind» fue lanzado en septiembre de 1991, y rápidamente se corrió la voz sobre su sencillo principal, «Smells Like Teen Spirit», y su video, que mostraba a Nirvana actuando en el gimnasio de una escuela secundaria rodeada de teenagers rebeldes.
En enero de 1992, «Nevermind» alcanzó el puesto número 1 en la lista de álbumes Billboard 200 de todos los géneros. Impulsado por éxitos que también incluyeron «Come as You Are», «In Bloom» y «Lithium», el álbum finalmente vendió más de 10 millones de unidades y obtuvo la certificación Diamante de la RIAA solo siete años después.
Kurt Cobain durante una actuación en New York.
Las letras de Cobain, sobre el odio hacia uno mismo y la rebelión adolescente, junto con el rock distorsionado y lleno de ganchos de Nirvana, hablaban directamente del descontento que sentía la juventud de esa generación y fueron vistas como un antídoto contra el exceso y el libertinaje de la escena del hair metal de los 80. “Grunge” rápidamente se convirtió en un término familiar, y las bandas de Seattle Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains, todas las cuales encarnaban el mismo sonido y espíritu, subieron en las listas.
A medida que creció la popularidad de Nirvana, también creció el interés en la vida personal de Cobain, lo que afectó profundamente su ya frágil salud mental y emocional. Los informes sobre su consumo de heroína, así como su relación con su esposa, la líder de Hole, Courtney Love, se convirtieron en material de prensa sensacionalista.
Cobain y Love dieron la bienvenida a una niña, Frances Bean, en agosto de 1992. Poco después, Vanity Fair publicó un artículo que alegaba que Love había consumido heroína durante el embarazo. En septiembre, funcionarios de Los Ángeles investigaron la aptitud de la pareja como padres, y Cobain y Love perdieron brevemente la custodia de Frances.
Kurt Cobain con su esposa, Courtney Love, y su hija, Frances Bean Cobain, Sept. 2, 1993, MTV Music Awards.
El tercer y último álbum de Nirvana, el disonante «In Utero», salió a la venta en septiembre de 1993. En noviembre siguiente, en el apogeo de su popularidad, la banda grabó un espectáculo íntimo para la serie de conciertos de televisión «MTV Unplugged». La actuación fue lanzada en 1994 como el álbum en vivo «MTV Unplugged in New York», que finalmente obtuvo la certificación ocho veces Platino de la RIAA. Casi treinta años después, la guitarra que Cobain tocó durante el concierto se vendió en una subasta por una cifra récord de 6 millones de dólares en 2020, mientras que el andrajoso cárdigan verde que llevaba se vendió un año antes por 334.000 dólares.
Kurt Cobain. MTV Unplugged in New York, Nov. 18, 1993
Sin embargo, Cobain siguió siendo un alma afligida. Su consumo de drogas continuó y el 4 de marzo de 1994 fue hospitalizado en Roma por una sobredosis mientras Nirvana estaba de gira por Europa. Después de una hospitalización de cinco días, Cobain regresó a su casa en Seattle.
El 8 de abril, un electricista que llegó a la casa de Cobain en Seattle para hacer algunos trabajos lo descubrió muerto. Tras una investigación, se dictaminó que había muerto a causa de una herida de bala autoinfligida el 5 de abril. Cobain había cumplido 27 años apenas dos meses antes.
La muerte de Cobain marcó el fin de Nirvana y de la era grunge, y aumentó la oscura notoriedad del llamado ‘Club 27’, que incluye a los fallecidos músicos Jimi Hendrix, Jim Morrison y Janis Joplin, todos los cuales murieron a la misma edad. . Más conmovedoramente, su muerte generó conciencia nacional sobre el suicidio y la salud mental, y centró la atención en los comentarios y letras anteriores de Cobain que hacían referencia a armas o autolesiones.
«Es muy doloroso», dijo Azerrad sobre la revisión de esos comentarios anteriores de Cobain. “Te golpeas la frente metafóricamente y piensas: ‘Oh, ¿por qué no me di cuenta de eso?’ Pero a veces existe algo así como esconderse a plena vista, y esa era una de esas cosas”.
Kurt Cobain. MTV Live and Loud: Nirvana Performs Live. December 1993. Pier 28, Seattle
Una vez terminado Nirvana, Grohl formó su propia banda, Foo Fighters, que encabezó las listas de éxitos. Él y Novoselic se han reunido varias veces, quizás la más notable en la ceremonia de incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll de 2014, donde Cobain y Nirvana fueron incluidos en su primera nominación, y durante la cual interpretaron éxitos de Nirvana con cantantes invitados como Lorde y JoanJett.
En las tres décadas transcurridas desde la muerte de Cobain, la influencia de Nirvana nunca decayó y ha ido más allá de la música rock hacia otros géneros y la cultura pop en general. El rapero Post Malone transmitió en vivo un célebre tributo a Nirvana ambientado durante los primeros días de la pandemia, mientras que la actriz y cantante Selena Gomez, nacida menos de un mes antes que Frances Bean, compartió recientemente que estaba «obsesionada» con Kurt Cobain mientras crecía. En 2022, la canción «Something in the Way» resurgió debido a su uso en el tráiler de la exitosa película «The Batman».
«Por eso Kurt hizo música: para estremcer a la gente y a él mismo, para sentirse mejor y, por extensión, con suerte, que el público se sienta mejor».
Pophouse ha cerrado hoy un acuerdo histórico con la icónica banda Kiss. Pophouse es la firma sueca de inversión en entretenimiento y música reconocida por su desarrollo de actividades de creación de marcas en música y entretenimiento, como el innovador espectáculo «ABBA Voyage» en Londres.
Pophouse ha adquirido la participación artística de Kiss en las grabaciones maestras y los derechos de publicación. Los términos financieros de la transacción no fueron revelados, pero Fortune informa que a la banda se le pagarán más de 300 millones de dólares.
Trabajando en estrecha colaboración con Kiss, Pophouse seguirá su enfoque único y aprovechará su experiencia creativa y narrativa para desbloquear nuevas audiencias y fuentes de ingresos. Pophouse utilizará su manual probado que define la industria para crear nuevos contenidos y experiencias para enriquecer el catálogo de Kiss para los fans, antiguos y nuevos, que buscan activamente enriquecer y agregar valor a las marcas y artistas con los que se asocia. La inclusión y la comunidad siempre han sido vitales para la experiencia Kiss, y Pophouse se compromete a fomentar la estrecha relación entre Kiss y sus devotos fans en el futuro.
Johan Lagerlöf, jefe de inversiones de Pophouse, dice: «Kiss es una de las bandas más reconocidas e icónicas de la historia de la música. Redefinieron el concepto de los espectáculos de rock y siempre han llevado su arte a nuevos territorios inexplorados. Hemos podido atraer a nuevas generaciones de fans y nuestra misión es cumplir la visión de la banda de volverse inmortal y permitir que las nuevas generaciones descubran y sean parte del viaje de Kiss y lo lleven adelante. Con la ayuda de la energía de los fans, la banda, nuestra experiencia y creatividad haremos realidad esa visión».
Gene Simmons, bajista y cofundador de Kiss, dijo: «siempre hemos estado abriendo nuevos caminos en la cultura popular, y esta asociación garantizará que continuaremos haciéndolo en los años venideros. Porque lo que Pophouse está haciendo es romper las reglas. Ya tenemos varios planes en desarrollo, donde el show de avatar es uno, una película biográfica otro y una experiencia temática de Kiss el tercero. ¡El futuro no podría ser más emocionante!»
Paul Stanley, vocalista principal y cofundador de Kiss, dice: «nuestro viaje con Pophouse está impulsado por el deseo de resonar eternamente en diversas facetas de la cultura global. Al embarcarnos en esta empresa, pretendemos tejer nuestro legado en el tapiz de mundos diferentes, asegurando que la experiencia Kiss continúe cautivando tanto a nuestros devotos fans como a aquellos que aún están por descubrir la emoción. Esta asociación no es sólo un capítulo; es una sinfonía eterna de la inmortalidad del rock ‘n’ roll».
La asociación con Kiss marca la segunda inversión de Pophouse fuera de Suecia, después de la adquisición del catálogo musical de Cyndi Lauper, agregando una marca verdaderamente global con una base de fans diversa y dedicada a la cartera de artistas internacionales de la firma.
