Beetronics ha lanzado el Wannabee Beelateral Buzz, un nuevo pedal de doble accionamiento inspirado en los circuitos Bluesbreaker y Klon Centaur que la empresa ha denominado la “herramienta de overdrive definitiva”.
Las creaciones anteriores de la compañía, incluidas Abelha Tropical fuzz y Nectar Tone Sweetener, se han centrado en la originalidad, pero Wannabee adopta un enfoque diferente.
Aquí, Beetronics se aleja volando de su colmena para replicar los dos circuitos de overdrive frecuentemente repetidos, que muchos de sus empleados admiten amar también. Pero esta vez hay un giro: la abeja reina de los dos circuitos es el inteligente sistema de rutas del Wannabee. Su diseño permite elegir el orden en que se ejecutan los circuitos, así como combinarlos en paralelo, en un intento por ofrecer «un mundo de posibilidades tonales».
«Al encadenar un circuito a otro», dice Beetronics, «simplemente sube el volumen del primero para que el segundo genere un emocionante zumbido de distorsión».
Su circuito Bluesbreaker (Circuit #0) busca reunir tonos de amplificador vintage con una “nitidez cristalina” sin perder su calidez valvular. Mientras tanto, el circuito Klon (Circuito #1) tiene que ver con tonos overdrive transparentes.
Ambos lados ofrecen controles de volumen, gusto (tono) y miel (ganancia), junto con un interruptor de tres direcciones para que los guitarristas experimenten con un trío único de sabores.
Para el circuito Bluesbreaker, el interruptor controla qué se puede potenciar, con un Mid Boost, una opción Flat y un Low End Boost disponibles. El interruptor del circuito Klon varía la mezcla limpia, desde Ninguno hasta Medio y Completo. Cada circuito también está cargado con un interruptor de derivación dedicado.
«El Wannabee se inspira en nuestros circuitos de overdrive favoritos y luego los eleva a un nivel completamente nuevo, realzando su tono con un toque de miel e introduciendo características innovadoras», dice Beetronics. “Abre un mundo de posibilidades al combinar ambos circuitos de la manera más singular. Esperamos que esta pueda ser su herramienta de overdrive definitiva”.
El Wannabee Beelateral Buzz cuesta $299 y ya está disponible.
Un grupo de más de 200 artistas se ha unido para firmar una carta abierta instando a las empresas tecnológicas a «dejar de devaluar la música» y cesar el uso de inteligencia artificial para infringir los derechos de los artistas.
La Artist Rights Alliance, un grupo de artistas que incluye a Pearl Jam, Billie Eilish, Stevie Wonder, Nicki Minaj y Zayn Malik, ha compartido una declaración exigiendo que los desarrolladores de inteligencia artificial, las empresas de tecnología y los servicios de música digital se comprometan a no «desarrollar ni implementar tecnología, contenido o herramientas de generación de música de IA que socavan o reemplazan el arte humano de los compositores y artistas» o les niegan una «compensación justa» por su trabajo.
«Algunas plataformas y desarrolladores están empleando IA para sabotear la creatividad y socavar a artistas, compositores, músicos y titulares de derechos», se lee en el comunicado. «Cuando se utiliza de manera irresponsable, la IA plantea enormes amenazas a nuestra capacidad de proteger nuestra privacidad, nuestras identidades, nuestra música y nuestros medios de vida».
La declaración continúa describiendo cómo las empresas de tecnología están entrenando modelos de IA en el trabajo de los artistas sin su permiso, esfuerzos que la Artists Rights Alliance cree que están «dirigidos directamente a reemplazar el trabajo de los artistas humanos» con sonidos e imágenes generados por IA que diluirá los fondos de regalías pagados a los músicos en activo y artistas discográficos.
Stevie Wonder
«Para muchos músicos, artistas y compositores en activo que sólo intentan llegar a fin de mes, esto sería catastrófico», continúa el comunicado. La carta no exige una prohibición total del uso de la IA en la música, y reconoce que tiene el potencial de promover la creatividad humana cuando se usa de manera responsable.
Las preocupaciones sobre la amenaza que representa la inteligencia artificial generativa para artistas y músicos han crecido rápidamente en los últimos años a medida que las herramientas y plataformas impulsadas por IA han avanzado en sofisticación. Los generadores de música con IA, como Stable Audio y MusicFX de Google, ahora son capaces de generar pistas completas bajo demanda, lo que lleva a muchos a preguntarse si la música producida con esta tecnología podría ganar popularidad, desviando los pagos de royalties de los artistas humanos a los bolsillos de las empresas de tecnología.
El año pasado, se utilizó un software de clonación de voz con IA para imitar las voces de Drake y The Weekend en una pista viral que acumuló miles de reproducciones antes de ser eliminada de las plataformas de transmisión.
Tras el incidente, Universal Music Group emitió un comunicado expresando su preocupación por el entrenamiento de IA generativa utilizando la música de los artistas que pertenecen al sello. A principios de este año, Tennessee se convirtió en el primer estado de Estados Unidos en introducir una legislación que protege a los músicos de la clonación de voces no autorizada.
Gibson ha estado dando forma al sonido de la música desde 1894, cuando Orville Gibson diseñó y fabricó el instrumento musical más antiguo conocido salido de su taller de Kalamazoo (Michigan, Estados Unidos). Hoy, 130 años después, todavía puede ser tocado y suena mejor que nunca. El innovador y vanguardista diseño de tapa tallada que revolucionó el mundo de la mandolina y la guitarra al ofrecer un instrumento más sonoro, más duradero y fácil de tocar, sigue siendo el ADN de cada Gibson.
Desde hace 130 años, los innovadores instrumentos de Gibson han sido el catalizador de algunos de los momentos más sonoros y resonantes de la cultura pop. Muchos de estos han definido el género. Basta mencionar el impacto transformador de Maybelle Carter en la música countrycon su Gibson L-5; el ‘Padre del Bluegrass’, Bill Monroe, y su mandolina F-5; Eric Clapton recogiendo la antorcha de los ‘Padres del Blues’, Robert Johnson y Freddie King, y abriendo un nuevo camino con el explosivo sonido de su Beano; la ‘Madre del Rock N ‘Roll’, Sister Rosetta Tharpe, con su SG Custom; Tony Iommi inventando el vocabulario del heavy metal con su SG Special ‘Monkey’; Jimmy Page definiendo el hard rock frente a un mar de gente con una Les Paul colgada por debajo de su cintura y su EDS-1275 de doble mástil; Slash influyendo en el movimiento generacional y desafiando las leyes de la música con su propia Les Paul, y Bob Marley popularizando el reggae con su Les Paul Special. Hoy en día, potencias femeninas como Lzzy Hale y Olivia Rodrigo están estableciendo nuevos estándares para el estrellato del rock y el pop con las guitarras Gibson como instrumentos preferidos. Y la lista sigue y sigue. En otras ocasiones, las voces de instrumentos Gibson se han escuchado en eventos culturales de grandes repercusiones, como la actuación de Bob Dylan en lamarcha sobreWashington por el Trabajo y la Libertad, en 1963, o han inspirado a las nuevas generaciones a tocar la guitarra en apariciones icónicas en la pantalla grande, como la inolvidable escena de baile Enchantment Under the Sea en la película Regreso al futuro, de 1985.
“Estamos en la música, con instrumentos, sonido y medios de comunicación en todas nuestras marcas; somos una de las compañías más icónicas de la música. Los artistas nos han elegido para crear géneros musicales y eligen continuamente a Gibson y nuestras marcas. Mientras celebramos los 130 años desde que Orville Gibson comenzó a fabricar instrumentos, creo firmemente que nuestros mejores años están por delante. Somos Gibson. Nuestros artesanos, nuestro equipo internacional, nuestros artistas y nuestros fans son Gibson. En línea con esto, y para celebrar 130 años, hemos cambiado nuestro nombre Gibson Brands para que nuevamente sea simplemente Gibson, en consonancia con nuestro enfoque y objetivo de fabricar las mejores guitarras de nuestra historia”.César Gueikian, presidente y director ejecutivo de Gibson.
El dúo de música country The Monroe Brothers, alrededor de 1937
Mary Ford y Les Paul tocan sus guitarras Les Paul el 9 de septiembre de 1952
Joan Báez y Bob Dylan participaron en la Marcha sobre Washington por el Trabajo y la Libertad, el 28 de agosto de 1963
Sister Rosetta Tharpe, con su Gibson SG (Blues and Gospel Caravan Tour, 1964)
Tony Iommi, con su Gibson SG ‘Monkey’ (enero de 1970)
Jimmy Page, con su Gibson EDS-1275 (Led Zeppelin en Earl’s Court, Londres, 18 de mayo de 1975)
Slash, con su Gibson Les Paul (Rock In Rio II, Brasil, 15 de enero de 1991)
Lzzy Hale, con su Gibson Explorer (Halestorm, 28 de noviembre de 2023, Milán)
Olivia Rodrigo, con su Gibson G-00 (Grammy Museum, 3 de octubre de 2023)
A lo largo de los años, Gibson se ha expandido desde sus humildes orígenes en Kalamazoo hasta su base actual en el corazón de Nashville (Tennessee, Estados Unidos). La sede de la compañía está anclada en la mundialmente reconocida Gibson USA, donde todavía se fabrican a mano los diseños de las guitarras eléctricas más famosas de la historia, incluidas las Les Paul, SG, Flying V, Explorer y ES-335. Cerca de allí, los artesanos de Gibson Custom crean los nuevos instrumentos más deseados del mundo, incluidas impresionantes recreaciones de instrumentos antiguos a los que los expertos del Murphy Lab les dan un toque vintage, modelos exclusivos para artistas de Gibson y piezas hechas a medida para los fans de la guitarra más exigentes e intransigentes de todo el mundo. Mientras tanto, en la vanguardista Gibson Acustic craftory de Bozeman (Montana, Estados Unidos), fabrica modelos célebres como las J-45, SJ-200, Hummingbird y Dove, junto conguitarras acústicas personalizadas para artistas, reediciones antiguas con el toque vintage del Murphy Lab y más.
Todas las guitarras eléctricas de Gibson, entre ellas la Les Paul, son hechas a mano en Nashville
Todas las guitarras acústicas de Gibson, entre ellas la Dove Original y la Hummingbird Original, son hechas a mano en Bozeman
Aunque Gibson sigue dedicada a desarrollar y producir guitarras eléctricas y acústicas modernas, originales y de primera calidad, la marca está atrayendo a nuevas generaciones de músicos y amantes de la música a través de una variedad de ofertas. Volviendo a incursionar en el mundo de los amplificadores con los recientemente diseñados Falcon 5 y Falcon 20, inspirados en diseños de amplificadores antiguos Gibson que han sido reinventados para los músicos de hoy y que son fabricado a mano en Petaluma (California, Estados Unidos). Por su parte, las nuevas pastillas Gibson Humbucker Collector’s Edition Series 1 1959 de la Gibson Pickup Shop son las reproducciones más exactas fabricadas en toda la historia del invento original del santo grial de Gibson, las humbuckers ‘Patent Applied For’ o PAF de finales de la década de 1950.
Inaugurada en 2021 en el centro de Nashville, el tienda insignia Gibson Garage Nashville sigue siendo el mejor lugar para vivir de primera mano el mundo de la guitarra y es el destino obligado para los amantes de la música de todo el mundo. Los visitantes del Garage pueden tocar todos los instrumentos y accesorios de Gibson, Epiphone, Kramer, MESA/Boogie, KRK y Maestro, probar la línea completa de guitarras eléctricas y acústicas y llevarse a casa un pedazo de historia con guitarras de edición limitada, equipos, accesorios e indumentaria y mercancía de colaboraciones exclusivas. Los visitantes también pueden disfrutar de presentaciones en vivo, diseñar una guitarra de ensueño hecha a la medida por Gibson Custom y explorar narraciones interactivas y exhibiciones de recuerdos dentro del espacio histórico de 8.000 pies cuadrados (unos 750 metros cuadrados). Como novedad, a partir de enero 2024, los fanáticos ahora pueden vivir por primera vez una experiencia similar fuera de Estados Unidos en el Gibson Garage London, el cual ofrece un mundo incomparable para los fanáticos de la música en una ubicación central en la capital del Reino Unido.
Gibson Garage Nashville
Gibson Garage Nashville
Gibson Media también continúa expandiéndose. El poderoso brazo narrativo de la marca, encabezado por Gibson TV –un canal en línea de programación cinematográfica original que presenta a fondo artistas, grabaciones, destinos, colecciones de guitarras y muchos otros de los aspectos más importantes de la música–, actualmente también abarca Gibson Films, una rama que produce películas de proyectos especiales de larga duración que profundizan en las historias de los legendarios músicos de Gibson; Gibson Records, un sello discográfico que trabaja con artistas para producir, grabar y promover música impulsada por la guitarra en todo el mundo; Gibson Publishing, el hogar de los libros de primera calidad que detallan los preciados instrumentos de los músicos más emblemáticos; la Gibson App, especialmente diseñada para teléfonos inteligentes, la cual ofrece una experiencia de aprendizaje de guitarra personalizada e interactiva, que es enriquecida por inteligencia artificial, junto con contenido original de Gibson, y la recientemente lanzada Gibson Gazette, la nueva casa en línea para todo lo relacionado con Gibson, incluidas noticias de actualidad sobre guitarras, entrevistas con artistas, videos, tutoriales, guías del comprador y más.
Los ex miembros de King Crimson, Adrian Belew y Tony Levin, se unen por primera vez con el virtuoso Steve Vai y el baterista de Tool, Danny Carey para crear BEAT, una reinterpretación creativa de los tres álbumes icónicos de Kig Crimson de los años 80: «Discipline», «Beat» y «Three Of A Perfect Pair«. Se reunirán este otoño para una extensa gira por Norteamérica interpretando el repertorio de estos tres álbumes icónicos de King Crimson.
La gira BEAT comenzará en San José, California, el 12 de septiembre en el San Jose Civic, y el espectáculo final está previsto para el 8 de noviembre en el The Theatre de Virgin Hotels de Las Vegas, Nevada. La venta general está programada para el viernes 5 de abril a las 10 a. m. hora local en http://www.BEAT-tour.com.
El guitarrista Adrian Belew reflexiona: «King Crimson, de 1981 a 1984, creó una música propia. Atemporal. Hermosa. Compleja. Feroz. Para los fans que vivieron esto entonces, y los que nunca pudieron presenciarlo, nuestro objetivo es darle vida nuevamente. ¡Una tarea monumental, pero vamos a por ello! ¡No hay suficientes signos de exclamación para expresar mi emoción!».
Steve Vai afirma: «ser parte de este conjunto es un privilegio y una oportunidad extraordinaria para interpretar algo de la música más querida, atemporal y monumental de los años 80 (y más allá) con músicos verdaderamente inspirados. Esta música resuena profundamente en mí. Adrian, Tony y Danny son músicos únicos con una visión de otro mundo para presentar ricas complejidades musicales de una manera muy accesible, y estoy deseando explorar las mentes musicales de cada uno en tiempo real en el escenario. Estoy seguro de que volarán chispas«. Continúa: «El padre Robert Fripp es uno de nuestros genios históricos. Su técnica de guitarra altamente específica y excepcionalmente brillante es estudiada y venerada. Su contribución a la calidad de mi vida musical, y a la de muchas otras, es suprema. Puedo asegurar a los fans de KC que daré lo mejor de mí para respetar esta gran música con el cuidado y la intensidad que merece».
El bajista Tony Levin comenta: «esta va a ser una gran gira. Volver a visitar parte de mi música favorita es un placer en sí mismo, pero en compañía de esta formación estelar, ¡espero que me pateen el trasero musical!».
El batería Danny Carey comparte: «estoy muy emocionado de compartir escenario con tres de mis músicos favoritos en el planeta. Tony, Steve y Adrian siempre han sido una fuente de inspiración para mí desde el comienzo de mi carrera, y ahora poder compartir un poco de mi viaje musical con ellos es un sueño hecho realidad. No hay nada mejor para hacer volar algunas chispas y encender un fuego debajo de tu trasero que salir de tu zona de confort musical, y no se me ocurren otros tres chicos con los que preferiría hacer esto. Creo que puedo hablar por todos nosotros cuando digo que espero que todos nuestros fans estén tan entusiasmados como nosotros con esta gira».
La visión de esta empresa surgió del diálogo inicial entre Angelo Bundini y Adrian Belew. El productor de la gira Bundini recuerda: «cuando Adrian me llamó para que le ayudara a hacer realidad su idea, inmediatamente pensé que era mejor centrarme en los álbumes de los 80: ‘Discipline’, ‘Beat’ y ‘Three Of A Perfect Pair’. Estos tres discos marcaron la entrada de Adrian y Tony en King Crimson. Su virtuosismo fluido y melódico y la precisión dramática de Fripp y Bruford crearon un tira y afloja dinámico y totalmente único que influiría en casi todos los músicos y/o bandas de rock en el futuro durante años, si no décadas».
Óscar Díez está con nosotros prácticamente desde el principio: ha usado sus (muchas) Vanz prácticamente en sus (muchas) actividades musicales…músico de gira, de sesión, docente…
También, con su grupo Montana Stomp…suena a carretera, historias del día a día y embestidas. Un directo potente y una descarga de rock and roll high-energy para los amantes del blues-rock y del sonido del rock más clásico. La banda se encuentra actualmente presentando su primer trabajo homónimo, con un sonido actual y con influencias que van desde el Southern Rock americano y el British Blues al sonido del rock ‘70s, combinando riffs afilados con buenos grooves y una potente voz, la de Susana Colt.
Montana Stomp
Montana Stomp tienen previsto visitar la República Checa en mayo, en el Southern Rock & Blues…
La Serie S2, que significa «Stevensville 2», recibió el nombre de una segunda línea de fabricación que se creó dentro del taller de PRS Stevensville, Maryland, en 2013. Desde entonces, la Serie S2 ha crecido hasta integrarse completamente en la misma línea de producción que PRS Core y Bolt On. Aún así, la Serie S2 siguen siendo diseños frescos y tonos atrevidos para jugadores serios. Ahora con más ADN PRS que nunca, la Serie S2 monta pastillas y componentes electrónicos USA.
Todos los modelos de la Serie S2 se encuentran disponibles en diferentes acabados, tanto sólidos como semitransparentes…
PRS S2 Custom 24 (Black Amber)
PRS S2 Custom 24 (Faded Gray Black Burst)
PRS S2 Custom 24 (Faded Gray Black Blue Burst)
PRS S2 Custom 24 (Faded Gray Black Purple Burst)
PRS S2 Custom Guitars (Fire Red Burst)
PRS S2 Custom 24 (Lake Blue)
Todas las guitarras de la serie S2 ahora vienen con pastillas y componentes electrónicos fabricados en Maryland. Eso significa que, por primera vez, las PRS S2 cuentan con las reconocidas pastillas 85/15, 58/15 LT y las pastillas patentadas Narrowfield y TCI, fabricadas aquí en Maryland. La Serie S2 ahora también viene con la misma electrónica que los instrumentos PRS Core, incluidos potenciómetros y otros componentes con características diseñadas a medida.
PRS S2 Custom 24-08 (Faded Gray Black Burst)
Todos las PRS fabricadas en Maryland cuentan con un acabado de nitrocelulosa. Este acabado es fino, lo que permite que las guitarras tengan un tono orgánico y resonante. El acabado nitro también se siente natural bajo la mano, elevando la experiencia de tocar desde el primer momento.
PRS S2 McCarty 594 (Faded Gray Black Blue Burst)
La unión mástil-cuerpo es una junta en ángulo hecha de dos piezas de madera cortadas en ángulos complementarios y se pegan. En la serie PRS S2, el mástil es de caoba. Este método de construcción permite comenzar con una cantidad menor de materia prima, y el aumento de la superficie encolada da como resultado una unión muy fuerte.
PRS S2 McCarty Thinline (Antique White)
PRS S2 McCarty Singlecut (Fire Red Burst)
Materialmente hablando, la Serie S2 comienza con una tapa de dimensiones más pequeñas y el arce tiene una figura más sutil. La dimensión inicial de la madera del mástil también es mucho más pequeña; esto es posible mediante el uso de un nuevo proceso de construcción: un orden único de operaciones en el que se radia y trastea el diapasón antes de fijarlo al mástil, da como resultado un proceso de construcción eficiente que crea un mástil más duradero y cómodo.
PRS S2 Standard 22 Satin (Charcoal)
Las guitarras Satin Finish S2 pasan por un proceso de acabado más rápido que los modelos de alto brillo y los modelos de golpeador se ensamblan más rápidamente que las guitarras con ruteado trasero. Las guitarras de la Serie S2 vienen con una funda de nailon.
PRS S2 24 Standard Satin (McCarty Tobacco Sunburst)
Anderson Guitarworks nació en el garaje de Tom en 1984, como un negocio de pastillas y piezas de guitarra (mástiles y cuerpos). Después de fabricar pastillas, cuerpos de guitarra y mástiles para otros constructores, emmpezaron a construir guitarras completas y Anderson se traslada a un pequeño taller en 1985. Desde esos humildes comienzos hasta lad modernas instalaciones actuales, el proceso sigue siendo el mismo…
El proceso comienza eligiendo sólo las maderas más finas y hermosas de aserraderos seleccionados. Se utiliza la innovadora tecnología CAD para lograr las tolerancias más exigentes que se encuentran en la industria de la guitarra, mientras que los finos detalles de la carpintería y el lijado se realizan en manos de un maestro.
Los trabajos de pintura se realizan mediante un proceso de curado con luz ultravioleta que fue pionero. Permite desinhibir todo el potencial tonal del instrumento al tiempo que establece un nuevo nivel de belleza y durabilidad para las guitarras.
Para complementar mejor y permitir a sus clientes afinar aún más el sonido de su guitarra, Anderson ofrece muchos modelos de pastillas y configuraciones de conmutación. Todos están diseñadas y bobinadas en su propio taller de pastillas para lograr un tono óptimo. Y, al echar un vistazo al interior de cada guitarra, se podría decir que la excelencia del cableado interno es casi una obra de arte.
El proceso final es la unión de todas estas piezas de la manera correcta para permitir que todas y cada una de las guitarras alcancen su máxima facilidad de ejecución y sonido. Qué significa todo esto? Significa una guitarra de calidad incomparable y, sin importar el modelo que elijas, obtendrás el mismo nivel de excelencia.
Las carreras de Steve Vai y Joe Satriani se han entrelazado constantemente a lo largo de los años. Satriani dió clases a Vai, de 14 años, los trucos del oficio, y han tocado juntos innumerables veces desde entonces, la más reciente durante una gira que reunió a la formación original de G3.
Sin embargo, hasta ahora, nunca han colaborado juntos en música original. Eso hace que la primera de una canción de tres partes, «The Sea of Emotion», sea una composición histórica que rinde homenaje a su rica y enredada historia.
Musicalmente, «The Sea of Emotionpt.1″ suena como todo lo que los amantes de la guitarra sin duda habrán soñado: Vai, vacilante, lame el intercambio de grandes ritmos de Satriani antes de que sus inconfundibles voces se entrelacen unas con otras a lo largo de un enérgico tiempo de casi seis minutos.
Se puede saber qué guitarrista brilla en el centro de atención en todo momento, tal es la singularidad de sus personalidades musicales. Vai condimenta muchos de los momentos principales con florituras mixolidianas, mientras que Satriani apunta a motivos épicos.
Sin embargo, esto no se trata solo de quemar el diapasón. Después de que Vai revelara recientemente que la canción favorita de Satriani era «Wind in the Trees», gracias a su cruda “intención emocional”, la colaboración de la pareja se asegura de incluir mucho pensamiento y sentimientoen su nuevo trabajo.
Mientras tanto, la canción gira en torno a un ritmo retorcido que no sonaría fuera de lugar en Chickenfoot; el antiguo supergrupo de Satriani con Sammy Hagar, Michael Anthony y el batería de Red Hot Chilli Peppers, Chad Smith.
«Cuando Steve y yo decidimos que finalmente había llegado el momento de colaborar en un álbum, inmediatamente pensé en nuestros humildes comienzos, de dónde venimos y nuestras esperanzas y sueños de rock ‘n’ roll adolescente», dice Satriani sobre la inspiración de la canción.
“Para cualquier otra persona, puede parecer simplemente un campo, parte del extenso complejo de escuelas públicas de Carle Place, pero para algunos de nosotros, allá por principios de los años 70, cuando el sol se ponía y salía la luna, se convertía en ‘El mar de las emociones’. Salíamos allí hasta altas horas de la noche y compartíamos nuestros pensamientos más profundos. Los recuerdos que compartimos en ese lugar hace tanto tiempo se convirtieron en la inspiración para un viaje musical en tres partes. Cada parte de la canción tiene pequeños recuerdos de lo que nos gustaba musicalmente en aquel entonces, incluida una secuencia de acordes que Steve y yo a veces tocamos durante las lecciones de guitarra”.
Ampliando la historia de fondo del tema, Vai añade: “cuando éramos adolescentes, nos sentábamos contemplando este magnífico campo y hablábamos generosamente durante horas sobre el significado de la vida y muchas otras discusiones ricas y profundas. Consideramos este campo «El mar de la emoción»: 50 años después, ha sido conmemorado en melodía y ritmo. Conectar con Joe en este tema y en el resto de la música en la que estamos trabajando es quizás la colaboración musical más gratificante en la que he participado. Aunque hemos realizado giras y grabado improvisaciones juntos a lo largo de décadas, para esta música unimos íntimamente nuestros impulsos melódicos y técnicas de interpretación y creamos algo que es más grande que la suma de sus partes”.
De hecho, «The Sea Of Emotion, Pt.1» ha tardado décadas en realizarse. En una entrevista de 1990 con Vai y Satriani, los dos bromearon diciendo que si alguna vez hacían música juntos, probablemente implicaría una oda a la ubicación de Sea of Emotion.
Cuando se le preguntó sobre la posibilidad de grabar juntos, Satriani bromeó diciendo que lo harían «cuando nos hayamos vuelto totalmente impopulares». Con una voz algo así como de anciano, Satriani le dijo a Vai: «Oh, Steve, recuerda el viejo lick…», a lo que Vai, adoptando un afecto similar de anciano, dijo: «Llamemos a esta canción… ‘El Mar de la Emoción… ‘”
El modelo estándar Dellinger estándar de Caparison ha sido objeto de un rediseño completo y ahora presenta una construcción bolt on/flat top. La madera del cuerpo se ha actualizado a Australian Blackwood, lo que da como resultado una tonalidad que ofrece una gama rica y completa con claridad y definición.
Las pastillas se han montado directamente en el cuerpo para mejorar la resonancia y la calidad general del sonido, proporcionando un espectro sonoro bien definido con un carácter distintivo. La configuración de pastillas incluye una Caparison PH-bc de alta potencia para el puente y una Caparison PH-nc en el mástil.
Con el control de tono de push-pull, puedes dividir simultáneamente las bobinas de ambas pastillas, brindándote una selección más amplia de opciones de tono.
Puedes elegir entre un diapasón de ébano (EF) o arce (MF) y tres llamativos colores: el nuevo «Interstellar Black», «Cobalt Blue» y «Tangerine Orange» (3.849€).
Este abril se cumple el 30 aniversario de la muerte de Kurt Cobain. En honor al legado musical del líder de Nirvana, la BBC ha anunciado una serie de programación dedicada en televisión y radio para celebrar su carrera y su impacto.
La celebración se llevará a cabo en BBC Radio 2 y BBC Radio 6 Music, así como en una velada dedicada el 6 de abril en BBC Two. El final culminante será un documental completamente nuevo, «Moments That Shook Music: Kurt Cobain».
El documental de Touchdown Films detallará los últimos días de la vida de Cobain hasta que se quitó la vida el 5 de abril de 1994. La película tiene como objetivo reunir diferentes fuentes para sumergir completamente a los espectadores en el trágico desarrollo de los acontecimientos, tal como lo hicieron los fans hace 30 años.
Como explica la BBC, el documental incluirá una serie conmovedora de clips que rodean el caótico giro de los acontecimientos. Con un relato del electricista que descubrió el cuerpo de Kurt, para avivar la confusión en la escena, hasta Courtney Love leyendo la carta de suicidio de su difunto esposo, el documental capturará completamente la devastación de todos aquellos afectados por el trágico fallecimiento de Cobain.
Jonathan Rothery, director de BBC Popular Music TV, cree que el documental será un recuento vital de la historia musical. «La vida y la muerte de Kurt Cobain se han convertido en mito y leyenda desde su fallecimiento», dice. “Este documental intenta desmitificar ese momento contando la historia directamente desde la escena, a través de imágenes filmadas por quienes estaban allí”.
El productor y director John Osborne también cree que el documental servirá como la única manera de comprender verdaderamente el impacto del fallecimiento de Cobain en 1994. “Estamos increíblemente orgullosos de trabajar con la BBC en esta película, que comparte nuestra visión de utilizar sólo archivos para transportar a los espectadores a 1994; sumergirse en esta historia sísmica. Kurt Cobain fue la voz de una generación, pero reticente, y su muerte dejó un enorme vacío», continúa Osbourne. “La única manera de tener una verdadera idea de lo que pasó es presenciarlo de primera mano, y eso es exactamente lo que hace esta película. Nunca te permite mirar hacia otro lado”.
