«Deuce», el segundo disco de Rory Gallagher, tendrá edición 50º aniversario

5 08 2022

El reciente 50º aniversario del segundo álbum en solitario de la leyenda de la guitarra de blues Rory Gallagher, «Deuce», se celebrará con una reedición masiva del disco.

Con una nueva mezcla del LP original enormemente influyente, más de dos docenas de tomas alternativas inéditas y grabaciones de múltiples sesiones de radio en vivo, la edición en caja del 50º aniversario de «Deuce» se lanzará el 30 de septiembre a través de UMC.

La edición completa de caja de 4 CD también incluirá un libro de tapa dura de 64 páginas con un prólogo de Johnny Marr (quien una vez dijo que tocar juntos fue «un punto de inflexión completo» para él como guitarrista) imágenes inéditas del legendario fotógrafo de rock Mick Rock, ensayos y recuerdos de la grabación del álbum.

Además del conjunto completo de 4CD, la edición del 50º aniversario de «Deuce» también estará disponible en 2CD, 3LP de edición limitada, LP sencillo de edición limitada, HD digital de lujo y ediciones estándar digitales de lujo.

Al igual que su predecesor homónimo, lanzado a principios de 1971, «Deuce» pretendía capturar la explosividad de las actuaciones en vivo de Gallagher en un entorno de estudio.

Gerry McAvoy, que tocó el bajo tanto en Rory Gallagher como en Deuce, explicó el enfoque sencillo de Gallagher para grabar estos primeros álbumes en una entrevista de 2021: «todos los héroes de Rory, como Muddy Waters, probablemente grabaron con dos micrófonos en Chicago, y todos querían tener esa sensación de actuación en vivo. Si había alguna sobregrabación, tal vez era la extraña pista de guitarra rítmica o lo que sea, o una pandereta que sucedería después. Pero básicamente, las voces se grabarían en vivo. Lo que buscaba era una gran actuación: en su mente eso es lo que creó una gran canción».

“Muchas de las otras bandas no lo habrían hecho de esa manera, ¿sabes?…Quiero decir, Deep Purple, Led Zeppelin lo habría hecho de una manera completamente diferente, tal vez, y sobregrabando los solos. Pero Rory quería que fuera lo más vivo posible, lo que a veces puede ser perjudicial desde el punto de vista sonoro. Pero eso es lo que quería Rory y así fue».

Rory Gallagher – Deuce: 50th Anniversary 4CD Box Set tracklist:

CD1

1. Used to Be – 50th Anniversary Edition
2. I’m Not Awake Yet – 50th Anniversary Edition
3. Don’t Know Where I’m Going – 50th Anniversary Edition
4. Maybe I Will – 50th Anniversary Edition
5. Whole Lot of People – 50th Anniversary Edition
6. In Your Town – 50th Anniversary Edition
7. Should’ve Learnt My Lesson – 50th Anniversary Edition
8. There’s a Light – 50th Anniversary Edition
9. Out of My Mind – 50th Anniversary Edition
10. Crest of a Wave  50th Anniversary Edition

CD2

1. Used to Be – Alternate Take 1
2. Used to Be – Alternate Take 2
3. I’m Not Awake Yet – Alternate Take 1
4. Don’t Know Where I’m Going – Alternate Take 1
5. Maybe I Will – Alternate Take 1
6. Maybe I Will – Alternate Take 2
7. Maybe I Will – Alternate Take 3
8. Maybe I Will – Alternate Take 4
9. Maybe I Will – Alternate Take 5
10. Whole Lot of People – Electric Alternate Take 1
11. Whole Lot of People – 6 String Acoustic Alternate Take 1
12. Whole Lot Of People – Deuce Album Session/Alternative Acoustic Take
13. Whole Lot of People – 12 String Acoustic Alternate Take 1
14. In Your Town – Alternate Take 1
15. In Your Town – Alternate Take 2
16. In Your Town – Alternate Take 3

CD3

1. In Your Town – Alternate Take 4
2. Should’ve Learnt My Lesson – Deuce Album Session/Alternative Acoustic Take
3. Should’ve Learnt My Lesson – Deuce Album Session Outtake
4. Should’ve Learnt My Lesson – Alternate Take 2
5. Should’ve Learnt My Lesson – Alternate Take 3
6. There’s A Light – Alternate Take 1
7. There’s A Light – Alternate Take 2
8. There’s A Light – Alternate Take 3
9. Out of My Mind – Alternate Take 1
10. Out of My Mind – Alternate Take 2
11. Out of My Mind – Alternate Take 3
12. Crest of a Wave – Alternate Take 1
13. Crest of a Wave – Alternate Take 2
14. Don’t Know Where I’m Going – Home Demo
15. Maybe I Will – Home Demo
16. Should’ve Learnt My Lesson – Home Demo

CD4

1. Should’ve Learnt My Lesson – Radio Bremen 21/12/1971
2. Crest of a Wave – Radio Bremen 21/12/1971
3. I Could’ve Had Religion – Radio Bremen 21/12/1971
4. For The Last Time – Radio Bremen 21/12/1971
5. Messin’ With The Kid – Radio Bremen 21/12/1971
6. Don’t Know Where I’m Going – Radio Bremen 21/12/1971
7. Pistol Slapper Blues – Radio Bremen 21/12/1971
8. Used To Be – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
9. Should’ve Learnt My Lesson – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
10. Out Of My Mind – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
11. I Could’ve Had Religion – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
12. Crest Of A Wave – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
13. Messin’ With The Kid – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972





Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





Boss Waza Craft Tone Bender TB-2W

1 12 2020

Boss finalmente ha levantado el velo del misterioso pedal Waza Craft que ha estado anunciando desde el mes pasado, y el resultado es algo que nadie esperaba: una recreación del icónico pedal fuzz Tone Bender Mk II de los años 60 llamado Waza Craft Tone Bender TB-2W, diseñado en colaboración con Sola Sound.

Diseñado por Gary Hurst, el Sola Sound Tone Bender original es uno de los pedales de guitarra más importantes jamás fabricados, y el circuito (basado en un Maestro Fuzz-Tone) se utiliza como base para el Vox Tone Bender, Dallas Arbiter Fuzz Face, Dallas Rangemaster y más.

Sin embargo, la versión Mk II es la crema de la cosecha: Jimmy Page consiguió uno en 1965 y el Tone Bender se convirtió en un componente esencial de los primeros discos de Led Zeppelin, mientras que este y unidades idénticas fabricadas para otras marcas (incluido SupaFuzz de Marshall) aparecieron en decenas de otras canciones icónicas durante el período.

El TB-2W Tone Bender se describe como una «recreación sonora auténtica» de ese pedal legendario, creado en colaboración con Sola Sound, que todavía es propiedad de Macari, y ha estado produciendo recreaciones de alta gama minuciosamente precisas del original de la compañía durante más de una década.

El TB-2W hace referencia a una «obra maestra», el Tone Bender MK II de los archivos de Sola Sound, y visualmente se inclina hacia el Mk II con el mismo acabado texturizado plateado que el clásico recinto compacto, además de controles «cabeza de pollo» y la misma tipografía como en el original.

El TB-2W estará disponible en una producción limitada; con cada unidad con raros transistores de germanio «cuidadosamente probados para un tono óptimo».

Esta no es la primera vez que Boss colabora con una empresa boutique de pedales; en 2017, el gigante japonés se asoció con JHS para producir el Angry Driver en celebración de su 40 aniversario, pero esta es la primera vez que se produce una colaboración. bajo el estandar de Waza Craft de alta gama de la marca.





Queen: The Neal Preston Photographs

20 10 2020

El legendario fotógrafo de rock Neal Preston se unió a Queen como fotógrafo oficial de la gira en una etapa crucial de su evolución hacia una de las mejores bandas de rock de la historia. Preston capturó a Queen en su momento más íntimo y, sin perder el ritmo, comprometido a revelar la pasión y la dedicación de la banda dentro y fuera del escenario. «Queen: The Neal Preston Photographs» es el volumen fotográfico oficial que documenta el ascenso de la banda a la gloria. Preston y los miembros de Queen, el guitarrista Brian May y el batería Roger Taylor, han recopilado más de 300 imágenes, muchas de las cuales nunca antes vistas, para ofrecer una mirada a la emocionante vida de Queen. El libro será publicado el 29 de octubre por Reel Art Press.

Neal Preston se unió a Queen en 1977 después de haber estado de gira con Led Zeppelin. Desde sus comienzos con Queen, Preston tuvo la libertad y el acceso para moverse sin problemas dentro y alrededor de la banda, sin bajar la cámara ni escapar un solo momento de su mirada.

Con aguda habilidad de observación, Preston se familiarizó con cada miembro de la banda, capturando sus personalidades y peculiaridades, y muy pronto se convirtió en uno de su familia, habiendo sido apodado «Linda Lens» por Freddie Mercury.

«Queen me enseñó algo extremadamente importante: lo bueno solo es lo suficientemente bueno, lo grandioso solo es grandioso, pero siempre hay espacio para sobresalir», dijo Preston.

May dijo: «Neal simplemente tiene el don o la habilidad de estar siempre en posición en los momentos adecuados. Se convirtió en parte de la vida de la banda».

«Queen: The Neal Preston Photographs» cubre algunas de las giras más importantes de Queen, desde «News Of The World» en América del Norte en 1977 hasta la gira «Bites The Dust» en América del Sur y la gira «Gluttons For Punishment» en América del Sur en 1981 , Live Aid en 1985 y finalmente la gira «The Magic», Europa, 1986, la última gira de Mercury con la banda. Cada fotografía de la banda en el set es una explosión de movimiento y sentimiento intenso. Freddie Mercury cruzando el escenario con un maillot de diamantes con una precisión incomparable o la famosa foto de él inclinándose hacia atrás todo lo que podía en Live Aid; la expresión frenética de Roger Taylor en su batería, la confianza fría de Brian May tocando y el vigor serio de John Deacon, hacen que la energía en cada golpe sea palpable.

La dinámica de la banda en el escenario hace que las imágenes parezcan casi coreografiadas. Para los conciertos en vivo, el ojo agudo de Preston logró capturar las poses más icónicas, con humo que se elevaba de manera difusa a través de una luz roja y verde vívida, lo que arrojaba a la banda, particularmente a Mercury con sus atrevidos trajes, en un aura luminosa y humeante. También captó a los miembros de la banda más concentrados, y estas tomas de perfil que capturan la expresión de sus rostros crean una sensación contemplativa en algunos de los momentos escénicos más poderosos.

«Cada gira, desde 1977 en adelante, se hizo cada vez más grande», dijo Preston. «Se habían hecho conocidos por su grandilocuencia, y los fans venían completamente preparados para cualquier cosa que la banda ofreciera».

Preston descubrió que todos los ángulos se adaptaban a Queen. En muchos sentidos, sus fotografías de la banda en vivo son extensiones de la banda detrás de escena, trabajando con cuidado y diligencia todos los días y con un propósito: pruebas de sonido, ensayos, entrevistas, viajes…y fiestas.

«Eran los trabajadores más duros que he visto en una gira», dijo Preston. «Fotográficamente, no podría haber pedido más…las producciones estaban llenas de truenos y relámpagos y lo más grande era definitivamente mejor. Para mí fue como ser un niño en la mejor tienda de dulces y muchas de las fotografías de este libro muestran que así era».

Uno de los momentos históricos más importantes para Queen fue el Live Aid en el estadio de Wembley en 1985; su actuación los establece como las bandas de rock más importantes del siglo. Preston fue uno de los fotógrafos oficiales de Live Aid y fue el único fotógrafo autorizado en el escenario cuando Queen actuó.

Preston es un célebre fotógrafo de rock que ha trabajado en estrecha colaboración con artistas como Led Zeppelin, Queen, The Who, Bruce Springsteen, Fleetwood Mac, Michael Jackson y Whitney Houston. A una edad temprana, Preston ya estaba filmando espectáculos de rock en toda el área de la ciudad de Nueva York, ganando encargos de varias publicaciones. Durante cuatro décadas, su trabajo ha aparecido en innumerables revistas y se ha utilizado en las portadas de cientos de lanzamientos relacionados con la música.

Preston fue fotógrafo oficial en Live Aid en Wembley en 1985 y fue el fotógrafo oficial de la gira de Amnistía Internacional «A Conspiracy Of Hope» en 1988, que incluía a Bruce Springsteen, Sting y Peter Gabriel.

Preston ha tenido una larga asociación con la revista People y ha realizado portadas de Newsweek, Time y Rolling Stone, y muchas más. Ha fotografiado seis Juegos Olímpicos, boxeo, la NBA, la Copa del Mundo de Fútbol, el patinaje artístico profesional y las Grandes Ligas de Béisbol.





Joe Bonamassa: nuevo álbum «Royal Tea» en octubre

29 07 2020
Joe Bonamassa

El nuevo álbum de estudio en solitario de Joe Bonamassa, «Royal Tea», inspirado en sus héroes británicos Jeff Beck, John Mayall & The Bluesbrakers, Eric Clapton, Led Zeppelin y Cream, fue grabado en el legendario Abbey Road Studios y se lanzará el 23 de octubre.

«Toda esta aventura fue una lista de deseos para mí». Este álbum vuelve a conectar al músico de 43 años con el chico de guitarra del norte de Nueva York, que se topó con lo mejor de la música blues británica en la colección de vinilos de su padre, cuyas influencias lo han convertido en el guitarrista que es hoy. «Tenía unos doce años, y fue el sonido que escuché en mi cabeza. Como, ‘Ok, estoy dentro. Eso es lo que quiero ser'».

Estas diez pistas originales fueron coescritas por Joe y un elenco de notables incluido el ex guitarrista de Whitesnake, Bernie Marsden, el ex letrista de Cream, Pete Brown y el pianista Jools Holland.

«Escribir este disco en Londres ha tenido sus frutos», refleja Bonamassa. «Realmente suena inherentemente británico. Bernie y yo, terminamos las oraciones del otro. Estamos cortados de la misma tela».

«Royal Tea» y «A New Day Now» de Bonamassa, siguen su proyecto paralelo instrumental llamado The Sleep Eazys, que lanzó su impresionante álbum debut, «Easy To Buy, Hard To Sell», a principios de este año. El álbum, que la Associated Press promocionó como «sueños instrumentales», fue producido por Bonamassa y presenta a algunos de sus colaboradores frecuentes, junto con su banda de gira.

«Royal Tea» track listing:

01. When One Door Opens
02. Royal Tea
03. Why Does It Take So Long To Say Goodbye
04. Lookout Man!
05. High Class Girl
06. A Conversation With Alice
07. I Didn’t Think She Would Do It
08. Beyond The Silence
09. Lonely Boy
10. Savannah





No habrá disco de Black Country Communion hasta 2022

12 07 2020
Black Country Communion

En una entrevista reciente, el guitarrista Joe Bonamassa habló sobre la posibilidad de un quinto álbum de estudio con Black Country Communion, la banda que formó con el vocalista / bajista Glenn Hughes, el batería Jason Bonham, el guitarrista Joe Bonamassa y el teclista Derek Sherinian.

Joe dijo: «Lo teníamos programado, íbamos a intentar un disco en enero de 2021, pero la línea de tiempo se retrasó. Entonces probablemente sea un año más, a fines de 2021…sí todavía somos una banda, y todavía todos nos enviamos mensajes de texto y hablamos y cosas así».

«Escuché la nueva canción de Glenn con The Dead Daisies [‘Unspoken’], y pensé que era genial. Él puede cantar una receta de sopa de lentejas, y yo soy un fan … y es un gran bajista …tiene su propio estilo y su propio sonido, pero puedes rastrear sus influencias directamente hasta James Jamerson y Andy Fraser. Pero es un bajista muy sensible y melódico que se ve ensombrecido porque tiene una de las mejores voces de rock de todos los tiempos«.

El último disco de la banda, «BCCIV» fue supervisado por el productor Kevin Shirley, quien originalmente tuvo la idea de poner a Hughes y Bonamassa en una banda después de verlos tocar en el escenario en Los Ángeles en noviembre de 2009.

El inicio de Black Country Communion tuvo lugar cuando Hughes y Bonamassa fusionaron sus estilos en el escenario en Los Ángeles para una actuación explosiva en el evento King Of The Blues de Guitar Center. Con la ayuda y guía de Shirley, agregaron más a su linaje de rock al reclutar a Bonham y Sherinian.





Versión standard del amplificador Sundragon de Jimmy Page

16 01 2020

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Sundragon Standard

Los fans de Led Zeppelin están de enhorabuena. Después de el anuncio en la NAMM 2019 con el anuncio de su amplificador exclusivo Jimmy Page de edición limitada, Sundragon Amps ha anunciado que el amplificador ahora tendrá una modelo estándar.

El Sundragon Standard fue diseñado como una fiel recreación del Supro Coronado original de Page de 1959, que fue responsable de la mayor parte de sus tonos en el legendario álbum debut homónimo.

El nuevo modelo incluirá la mayoría de las características de la versión de edición limitada del año pasado, en la que el ícono del rock trabajó en estrecha colaboración con Mitch Colby y Perry Margouleff para que coincida con el sonido clásico de ese famoso Supro. El Sundragon Standard está fabricado a mano, con un cableado punto a punto exactamente como el original.

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«History Of Led Zeppelin», episodios 7 y 8

22 10 2019

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Los episodios 7 y 8 de «History Of Led Zeppelin», el séptimo y octavo de una serie que celebran lo que sucedió hace 50 años, cuando los miembros de Led Zeppelin entraron en los Estudios Olympic para grabar su álbum debut.

En enero de 1969, Led Zeppelin se presentó al mundo con el lanzamiento de su primer LP. Solo 10 meses después, en octubre de 1969, se lanzó el igualmente innovador álbum de seguimiento «Led Zeppelin II». 50 años después, Led Zeppelin sigue siendo una de las bandas más importantes en la historia de la música cuyas canciones continúan siendo descubiertas y aceptadas por cada nueva generación.





“History of Led Zeppelin” (IV)

12 07 2019

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Led Zeppelin

Led Zeppelin ha lanzado el cuarto episodio de «History of Led Zeppelin», el cuarto de una serie de historias cortas que celebran la historia de la banda.

Este episodio narra el continuo «ascenso de Led Zeppelin», con su debut homónimo en el Top Ten de los EE. UU. y el Reino Unido. La banda comienza la grabación de Led Zeppelin II en los Estudios Olympic de Londres y luego inicia una gira de primavera en EE. UU. San Francisco, donde previsualizan las canciones que aparecerán en el nuevo álbum.

La nueva serie es la última de una línea que celebran el 50 aniversario del lanzamiento del debut de Led Zeppelin en 1969, y sigue con recopilaciones de música en formatos digital, un álbum de fotos de 400 páginas y un documental del 50 aniversario, entre otros productos. Además, Page se unió a Fender para recrear la Telecaster de 1959 (en las versiones «Mirror» y «Dragon») que usó para grabar Led Zeppelin.





History of Led Zeppelin (III)

13 06 2019

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Led Zeppelin

«History Of Led Zeppelin III», el tercero de una serie de historias cortas que celebran lo que sucedió hace 50 años, cuando los miembros de Led Zeppelin entraron en Olympic Studios para grabar su álbum de debut.

En enero de 1969, Led Zeppelin se lanzó al mundo con el lanzamiento de su primer LP. Tan solo 10 meses después, en octubre de 1969, se lanzó el álbum de seguimiento igualmente innovador de la banda, «Led Zeppelin II». 50 años después, Led Zeppelin sigue siendo una de las bandas más importantes en la historia de la música cuyas canciones siguen siendo descubiertas y abrazadas por cada nueva generación.

El guitarrista Jimmy Page y el bajista John Paul Jones, eran jóvenes de Londres. El cantante Robert Plant y el batería John Bonham eran músicos ingleses de Midlands, cuya música en bruto y la sensación terrenal eran un contraste sorprendentemente efectivo. Juntos, los cuatro, redefinieron los límites de la música rock al tiempo que magnificaban su poder visceral.

«Led Zeppelin I» recibió un sorprendente número de críticas negativas por parte de críticos, lo que desató un debate sobre si los músicos blancos podrían tocar blues afroamericano sin explotar negativamente a los creadores, un debate que perseguiría a Led Zeppelin en sus primeros cuatro álbumes, ahora icónicos.

El 17 de enero de 1969, Led Zeppelin irrumpió en el escenario mundial con su álbum debut y las canciones «Communication Breakdown», «Good Times, Bad Times», «Dazed And Confused» y «Babe I’m Gonna Leave You» con una gran diversidad musical, dinámica y sonidos nunca antes escuchados en el rock, electrificando a las masas y vendiendo 10 millones de copias sólo en los Estados Unidos.

Page por qué cree que Led Zeppelin tuvo tanto éxito desde el principio. «Creo que todos se inspiraron en esa banda», dijo. «Creo que todos eran estrellas. No había ninguna debilidad allí. Cada uno de los miembros era muy fuerte».








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