U2: «A Celebration 40th Anniversary» para el Record Store Day

22 04 2022

U2 publicará el sábado 23 de abril el EP de vinilo de 12″ de edición limitada, marcando cuarenta años desde que la banda lanzó «A Celebration» como su séptimo sencillo en 1982.

Publicado originalmente entre los álbumes «October» (1981) y «War» (1983), esta reedición especial de aniversario es un EP de 4 pistas que contiene dos grabaciones inéditas.

La primera es una toma de estudio de la canción principal, la segunda es una interpretación de la cara B «Trash, Trampoline And The Party Girl», grabada en vivo en octubre de 2015 en Colonia, Alemania, durante la gira iNNOCENCE + eXPERIENCE.

Tracklist:
SIDE A
1. A Celebration – 02:55
2. A Celebration (Studio Out-take) – 02:52

SIDE B
1. Trash, Trampoline and The Party Girl – 02:34
2. Trash, Trampoline and The Party Girl (Live from iNNOCENCE +eXPERIENCE Tour, Köln 2015) – 03:16
 
12″ INFO
• 4 track 12″ EP, cut at 45 rpm.
• Pressed on 180gsm black vinyl.

«A Celebration» estará disponible exclusivamente en las tiendas de discos independientes participantes el sábado 23 de abril de 2022.

Record Store Day es el único día del año en el que más de 250 tiendas de discos independientes de todo el Reino Unido se reúnen para celebrar su cultura única. Se hacen lanzamientos especiales de vinilo exclusivamente para el día y muchas tiendas presentan actuaciones de artistas para conmemorar la ocasión.





J.J. Abrams está haciendo una serie biográfica de U2 para Netflix

19 03 2022

Netflix ha decidido que ahora es el momento de hacer una serie biográfica sobre U2. J. J. Abrams y su productora Bad Robot están en proceso de desarrollar el programa para Netflix, con el escritor de «Bohemian Rhapsody», Anthony McCarten.

Aunque todavía no se ha publicado información sobre qué partes de la historia de la banda se abordarán en la serie, se espera que la banda «se involucre y apruebe el proyecto».

Al menos, en este caso, Bono todavía está presente y puede aportar algo, por lo que hay menos posibilidades de que su historia sea «confusa» como le sucedió a Freddie Mercury. El guión de McCarten para «Bohemian Rhapsody» fue criticado por no profundizar completamente en la extrañeza de Mercury y pasar por alto al legendario cantante muriéndose de SIDA, así que tendremos que ver cómo aborda la historia de U2.

La banda aún tiene que confirmar la noticia de la serie biográfica, y los representantes de Netflix se negaron a comentar la noticia.





«The Joshua Tree»: 35 años del disco que lanzó al estrellato a U2

8 03 2022

Cuenta la leyenda que fueron inmigrantes irlandeses quienes dieron el nombre de Joshua Tree a este peculiar árbol que crece en el desierto de Mojave tras cruzar el río Colorado. Su peculiar forma les recordó la figura del patriarca bíblico Josué pidiendo la ayuda de Dios con las manos hacia el cielo. El fotógrafo Anton Corbijn y los miembros de U2 se metieron en un autobús a mediados de diciembre de 1986 y se embarcaron en un breve viaje por carretera a través de los desolados lugares del Valle de la Muerte, Zabriskie Point y el desierto de Mojave. «Hicimos un cronograma de tres días para filmar», dice Corbijn, «y fue durante la noche del primer día de filmación que salí con Bono y le dije: hay un árbol que realmente amo y se llama Joshua Tree. Será una idea brillante tener eso en el frente y luego la banda estará en la parte de atrás”.

«Bono luego bajó a la mañana con una BibliaHabía buscado el árbol de Josué en el libro sagrado y pensó que debería ser el título para un álbum. Luego salimos ese día para buscar el árbol». Corbijn encontró lo que estaba buscando. «Sorprendentemente, encontramos este hermoso árbol que se erguía de pie en el desierto por sí solo. Este tipo de árbol suele crecer en grandes grupos, por lo que fue increíble encontrar ese solo. Nunca he visto otro árbol solo desde entonces», recuerda el fotógrafo. La banda se detuvo y pasó 20 minutos posando con él antes de que el tiempo invernal les obligara a regresar al autobús. «Hacía mucho frío y es una de las razones por las que aparecemos tan sombríos», explica The Edge.

Sólo hace falta echar un vistazo a las listas de éxito de aquel marzo de 1987 para comprobar la terrible decadencia en la que entonces había entrado la música pop. Eran las permanentes oxigenadas de Bon Jovi con «Linvin’ on a prayer» o de Europe con «The Final Countdown». O el AOR sin concesiones de Huey Lewis con «Jacob’s Laddler»…o el insoportable pop enlatado de The Jets con «You got it all»…Y fue en este contexto en el que surgió «The Joshua Tree», monumental en todos los sentidos.

«Realmente, no suena como ninguna otra cosa de su época», recordaba The Edge en un documental de 1999. Y añadía: «No viene de una mentalidad de los ochenta. Viene de un lugar completamente diferente. (…) Cuando estábamos haciendo este álbum, realmente no sentíamos que fuéramos parte de lo que estaba sucediendo en el negocio de la música en ese momento. Y nos sentíamos muy alejados de aquello». Efectivamente, lo que había detrás de aquel mágico sonido era blues, folk y góspel, pero con un barniz absolutamente contemporáneo. Si se escuchan las bases acústicas de las canciones, todo era realmente simple, casi tradicional. La visión estuvo en ensamblar ritmos primitivos con una guitarra eléctrica llena de efectos y una voz mesiánica que derramaba versos casi evangélicos.

Buena parte del éxito de aquel sonido se debió al trabajo de Daniel Lanois y Brian Eno, los productores del álbum. Ambos ya habían trabajado con U2 en su anterior disco, «The Unforgettable Fire», de 1984, que había supuesto un salto cualitativo en la capacidad de penetración de la banda y la definición de su sonido. Y un disco que permitió a los irlandeses asomarse a las puertas de América. Ahí estaba el gran salto: conquistar la tierra de Elvis. Ya lo habían advertido mucho antes bandas como Beatles, Rolling Stones o Kinks: el éxito definitivo solamente llegaba cuando Estados Unidos daba su beneplácito. Para U2, aquella era la misión.

Bono, The Edge, Brian Eno y al fondo Adam Clayton

Si bien el título y la portada del álbum evocaban el suroeste de Estados Unidos y la letra expresaba la indignación de Bono por las atrocidades contra los derechos humanos en diferentes partes del mundo y cuestiones sentimentales como el dolor o la culpa, el quinto disco de estudio de la banda se grabó en gran parte en una mansión georgiana de dos pisos ubicada en Rathfarnham, al sur de Dublín, junto a la antigua escuela de Adam Clayton. The Edge había visto la residencia mientras buscaba una casa con su entonces esposa Aislinn varios meses antes. No le convenció para vivir, aunque sí para grabar. «Decidimos que no era para nosotros, pero luego tuve la idea de que el dueño nos lo alquilaría para grabarAsí que nos instalamos en esta gran mansión georgiana antigua en las estribaciones de las montañas de Wicklow, aproximadamente a media milla de Columba’s College, de donde Adam Clayton, el bajista había sido expulsado», recordaba el guitarrista.

Era un plan que ya había dado resultado, pues U2 grabó gran parte de «The Unforgettable Fire» en el Slane Castle del condado de Meath. Con la convicción de que el nuevo lugar era mucho más inspirador que un cuarto de grabación al uso, el grupo decidió construir un estudio completamente funcional dentro de las antiguas paredes. En enero de 1986, el comedor se había convertido en una sala de control completa con grabadora y mesa de mezclas. Se quitaron las enormes puertas dobles y se reemplazaron por una mampara de vidrio que daba al elegante salón, que serviría como sala de estar. Con suelos de madera y un techo de doble altura, el espacio poseía una acústica impresionante. «Cuando escuchas ese gran sonido de batería en “The Joshua Tree”, es el sonido de esa habitación», dice Clayton, quien se compraría la casa poco después de completar la grabación.

Fue a primeros de agosto cuando U2 se trasladó a Dublín para reanudar el trabajo del álbum y comenzar la etapa de mezclas propiamente dicha. Durante esta fase de grabación, ya más intensa, el grupo comenzó a trabajar en la casa recién comprada de The Edge, situada en Melbeach, en la costa de Monkstown. La banda estaba lanzada y todavía hubo más sesiones a final de año. De hecho, en algún momento, se sugirió la posibilidad de sacar un álbum doble ante la abundancia de material. Brian Eno disuadió al grupo, con buen criterio, y les instó a seleccionar las canciones que lograran completar un álbum redondo en composiciones y unidad de sonido. Casi a contrarreloj, la última etapa fue la finalización de las mezclas en busca de un solo objetivo: una ambientación profunda. Este concepto, que podría parecer tan etéreo, encuentra su explicación al comprobar el trabajo que hicieron Eno y Lanois por llenar esos fondos instrumentales con tenues sintetizadores y distorsiones de guitarras. Algo realmente único entonces.

Daniel Lanois y Brian Eno

Para noviembre de 1986, U2 tenía lo más importante de un buen disco: las canciones y el sonido. Eran composiciones muy directas, con extraordinarias melodías y cierta épica en las letras de Bono, muy inspirado en aquel momento con la escritura de gente como Norman Mailer o Raymond Carver. El vocalista irlandés consiguió mezclar pequeños retazos costumbristas con frases que parecían salmos. El ritmo era hipnótico y las guitarras de The Edge sonaban tremendamente originales y capaces de llenar la canción por sí solas. Y también estaba esa atmósfera envolvente. Cuando el disco salió, todo el mundo se quedó de piedra.

Lo siguiente sería la conquista del mundo, incluida América. A medida que las tiendas despachaban millones de ejemplares del álbum, U2 se embarcó en una gira mundial de 111 fechas que tuvo parada obligatoria en Estados Unidos. El impresionante éxito del disco llevó al grupo a tocar en enormes estadios. Cuatro chicos frente a la inmensidad de la masaGrandes luces y un sonido extraordinario que encontraban en la megalómana teatralidad de Bono el complemento perfecto para seducir a millones de espectadoresFue entonces cuando U2 se convirtió en el grupo del momento, en una banda para la historia. Sencillos como «Where the streets have no name», «With or without you» o «Still haven’t found what i’m looking for» sonaban a todas horas en la radio mientras miles de chavales en el mundo ensayaban frente al espejo cada pose de Bono deseando algún día imitar aquel sueño: cuatro muchachos surgidos de los suburbios de Dublin habían logrado tener el planeta en sus manos.

Bono. The Joshua Tree Tour, Rotterdam 1987
Bono y Adam Clayton, Estadio Santiago Bernabeu, 15 de julio de 1987
115.000 personas en el concierto del Bernabeu




U2 lanzará el EP «A Celebration» para el Record Store Day

18 02 2022

Este abril se lanzará un EP de vinilo de 12″ de edición limitada, que marca cuarenta años desde que la banda lanzó «A Celebration» como su séptimo sencillo en 1982.

Publicado originalmente entre los álbumes «October» (1981) y «War» (1983), esta reedición especial de aniversario es un EP de 4 pistas que contiene dos grabaciones inéditas.

La primera es una toma de estudio de la canción principal, la segunda es una interpretación de la cara B «Trash, Trampoline And The Party Girl«, grabada en vivo en octubre de 2015 en Colonia, Alemania, durante la gira iNNOCENCE + eXPERIENCE.

TRACKLIST:
SIDE A
1. A Celebration – 02:55
2. A Celebration (Studio Out-take) – 02:52

SIDE B
1. Trash, Trampoline and The Party Girl – 02:34
2. Trash, Trampoline and The Party Girl (Live from iNNOCENCE +eXPERIENCE Tour, Köln 2015) – 03:16

Información sobre el 12″
• EP de 4 pistas de 12″, cortado a 45 rpm.
• Prensado en vinilo negro de 180gsm.

«A Celebration» estará disponible exclusivamente en las tiendas de discos independientes participantes el sábado 23 de abril de 2022.

Record Store Day es el único día del año en el que más de 250 tiendas de discos independientes de todo el Reino Unido se reúnen para celebrar su cultura única. Se hacen lanzamientos especiales de vinilo exclusivamente para el día y muchas tiendas presentan actuaciones de artistas para conmemorar la ocasión.





Bono y The Edge: “Sunday Bloody Sunday” acústico en el 50º aniversario de la masacre

31 01 2022
Bono y The Edge homenajean a víctimas del 'Bloody Sunday' con versión  acústica de su famosa canción - elDiarioAR.com

Bono y The Edge han compartido una nueva versión acústica de su sencillo de 1983 y la apertura del álbum de War, “Sunday Bloody Sunday”. Llega en el 50 aniversario del Domingo Sangriento, la masacre en una protesta en Irlanda del Norte y un momento decisivo de los disturbios.





U2 Achtung Baby 30 Live

14 01 2022

U2 ha anunciado un regalo especial para los suscriptores de U2.com. Una colección única de actuaciones en vivo, seleccionada por la banda y extraída de múltiples giras desde que la banda llevó a Achtung Baby de gira con ZOOTV por primera vez en 1992.

Lo último en la línea de lanzamientos de edición limitada es este conjunto único se presentará en un CD conmemorativo especial y un paquete de descarga.





The Edge confirma que está trabajando en nuevo material

23 11 2021
Happy Birthday to U2's the Edge - Right Chord Leadership

Los fans de U2 estarán muy felices de saber que el guitarrista de la banda, The Edge, ha anunciado que está trabajando en un nuevo material para un posible nuevo álbum, pero aún no está seguro de hacia dónde se dirigirá el nuevo material. The Edge dijo que él y el bajista de la banda, Adam Clayton, estaban trabajando en algunas cosas nuevas. Dijo que estaba disfrutando mucho el proceso, sin tener ninguna presión o expectativas de lo que pueda surgir del proceso de escritura actual. Es un poco ambiguo, pero los fans de U2 indudablemente esperarán que el nuevo material del que habla The Edge termine convirtiéndose en un nuevo álbum de U2.

La banda ha seguido lanzando material nuevo de forma bastante continua, por lo que tenemos la sensación de que el nuevo material del que hablaba Edge tiene muchas posibilidades de convertirse en un nuevo álbum de U2. El último álbum de material nuevo de la banda fue Songs Of Experience de 2017, con lo que cuatro años es un periodo bastante usual para un nuevo trabajo.

El presente mes de noviembre de 2021 también es un momento especial en la historia de U2, ya que la banda celebra el 30 aniversario de su álbum Achtung Baby. Si bien la banda realizó una gira para promocionar el 30º aniversario de The Joshua Tree y lanzó una increíble caja en homenaje al álbum, por el momento no hay gira programada para el 30º aniversario de Achtung Baby.





U2 celebra el 30º aniversario de «Achtung Baby» con un box set digital

15 11 2021
U2start.com | Photos | U2 1991

Esta semana es el 30º aniversario del álbum emblemático de U2, Achtung Baby, y celebran la ocasión al anunciando las reediciones en vinilo del álbum (a partir del 19 de noviembre) y una caja digital de 50 pistas (a la venta el 3 de diciembre) que presenta 22 canciones que nunca se han lanzado digitalmente.

También se han vuelto a unir con el artista francés con sede en Berlín Thierry Noir, quien creó los icónicos autos Trabant de la banda en la gira Zoo TV de 1992, para una nueva instalación de arte en los estudios Hansa en Kreuzberg, Alemania. Incluye un automóvil Trabant recién pintado y un mural que crearon en una sección del Muro de Berlín.

U2 Achtung Baby – Thierry Noir

El canal SiriusXM de la banda, U2 X-Radio, tendrá una celebración Achtung Baby de un mes de duración que incluirá nuevas entrevistas con los miembros de U2 junto con el coproductor Daniel Lanois, el ingeniero Flood y el fotógrafo Anton Corbijn.

En una entrevista de 2011, The Edge reflexionó sobre cómo nuevos grupos innovadores como My Bloody Valentine, Nine Inch Nails, Stone Roses y Einstürzende Neubauten inspiraron a la banda a alejarse radicalmente de su música pasada cuando comenzaron a trabajar en el álbum. «Siempre recuerdo la intensa vergüenza cuando estaba en un club y un DJ de espíritu generoso ponía una de nuestras canciones del álbum War. Era tan evidente que nunca habíamos pensado en cómo sería en los clubes. Así que solo quisimos adentrarnos en el área del ritmo, el backbeat y el groove».

Mirando hacia el presente, el grupo está trabajando en su LP de seguimiento de Songs of Experience de 2017, pero no está claro cuándo estará listo. Recientemente lanzaron «Your Song Saved My Life» de la banda sonora de Sing 2. Es su primera canción nueva en tres años. En la película, Bono ofrece la voz de un solitario león que canta rock & roll llamado Clay Calloway.

Achtung Baby 30th Anniversary Edition Tracklist

Component 1 – Achtung Baby (2018 remaster, not currently available digitally)

Zoo Station
Even Better Than The Real Thing
One
Until The End Of The World
Who’s Gonna Ride Your Wild Horses
So Cruel
The Fly
Mysterious Ways
Tryin’ To Throw Your Arms Around The World
Ultra Violet (Light My Way)
Acrobat
Love Is Blindness

Component 2 – Uber Remixes (New remaster)

Night and Day (Steel String Remix)
Real Thing (Perfecto Mix)
Mysterious Ways (Solar Plexus Extended Club Mix)
Lemon (Perfecto Mix)
Can’t Help Falling in Love (Triple Peaks Remix)
Lady with the Spinning Head (Extended Dance remix)
Real Thing (V16 Exit Wound Remix)
Mysterious Ways (Ultimatum Mix)
The Lounge Fly Mix
Mysterious Ways (The Perfecto Remix)
One (Apollo 440 Remix)

Component 3 – Unter Remixes (New remaster)

Mysterious Ways (Tabla Motown Remix)
Mysterious Ways (Apollo 440 Magic Hour Remix)
Can’t Help Falling in Love (Mystery Train Dub)
One (Apollo 440 Ambient Mix)
Lemon (Momo’s Reprise)
Salomé (Zooromancer Remix)
Even Better Than The Real Thing (Trance Mix)
Numb (Gimme Some More Dignity Mix)
Mysterious Ways (Solar Plexus Magic Hour Remix)
Numb (The Soul Assassins Mix)
Even Better Than The Real Thing (Apollo 440 Stealth Sonic Remix)

Component 4 – B-Sides And Other Stuff (New remaster)

Lady With The Spinning Head (UV1)
Blow Your House Down
Salomé
Even Better Than The Real Thing (Single Version)
Satellite Of Love
Who’s Gonna Ride Your Wild Horses (Temple Bar Remix)
Heaven And Hell
Oh Berlin
Near The Island (Instrumental)
Down All The Days
Paint It Black
Fortunate Son
Alex Descends Into Hell For A Bottle Of Milk / Korova 1
Where Did It All Go Wrong?
Everybody Loves A Winner
Even Better Than The Real Thing (Fish Out Of Water Remix)





«Your song saved my life» es el nuevo tema de U2

6 11 2021

La banda escribió el nuevo tema para la película Sing 2, que se estrena en los EE. UU. el 22 de diciembre, y presenta a Bono haciendo su debut en la película animada como el león leyenda del rock, Clay Calloway, reacio y solitario.

La película en sí está repleta de 40 pistas clásicas y contemporáneas, y celebra el poder de la música para sanar, algo a lo que Bono le dio voz el año pasado en su lista de ‘canciones que salvaron mi vida’.

Mientras tanto, la banda sonora oficial de la película, completa con la nueva canción de U2, se lanzará el 17 de diciembre. Incluye una versión de I Still Haven’t Found What I’m Looking For cantada por Scarlett Johansson y Bono, así como Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of (Johansson) y Where the Streets Have No Name (en la que Johansson se une a los miembros del reparto Reese Witherspoon, Nick Kroll y Taron Egerton).

Hay 21 pistas en total en la BSO, con artistas como Halsey, Elton John, Billie Eilish y Pharrell Williams.

U2 no es ajeno, por supuesto, a hacer música para películas, y anteriormente ha tenido dos canciones nominadas a los Premios de la Academia The Hands that Built America y Ordinary Love.





Diez álbumes (casi) perfectos de los 80’s

25 10 2021
The Joshua Tree', canción por canción

Una vez que la flacidez del rock de los 70 se desvaneció, la próxima década estaba a punto de ser mucho más divertida. Pero, ¿qué hizo exactamente que esta década fuera gloriosa?.

Si tuvieras que echarle la culpa a alguien, una pequeña emisora ​​llamada MTV sería probablemente la principal candidata para hacer que los 80 sucedieran como lo hicieron. Pudimos ver a los artistas interpretar estas canciones, casi se sintió como si hubiera más carne y sangre en todo lo que escuchaste en la radio. Cuando quitas los trucos, estas eran el tipo de canciones que se sentían como algo más…eran canciones que sentían que podían durar mucho, con mensajes que hablaban más a tu alma que a cualquier fan del rock casual. Por mucho que algunos géneros como el hair metal hayan resultado cursis, estas son las canciones que se convirtieron en la banda sonora del futuro. En comparación con el mainstream de los años 90 y más allá, estos son los himnos que tuvieron el poder de sacudir al mundo.

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1. U2: The Joshua Tree.

Cuando se hablaba de rock en los 80, normalmente había que mirar todo a través de una lente específica. O una banda estaba haciendo rock alternativo, new wave rock, heartland rock, o eran simplemente el tipo de banda de la que te olvidarías una vez que terminara el vídeo. A pesar de que se esperaba que fuera artificial, U2 golpeó al mundo del rock directamente en su herida abierta con The Joshua Tree.

Después de años de ser uno de los mejores actos post punk de discos como War, aquí es donde U2 realmente comenzó a fusionar su sonido con lo que los conocemos hoy, creando texturas de guitarra increíbles en canciones como Where the Streets Have No Name. Aparte de los nuevos afectos, la humanidad en la voz de Bono estaba en marcado contraste con los chicos guapos de la época, sonando como si estuviera al borde de las lágrimas en algunas de estas canciones.

Incluso las canciones que no fueron elegidas como singles todavía golpean con la intensidad de un martillo, desde el intenso tema detrás de Bullet the Blue Sky hasta algunas de las mejores voces de Bono en canciones como Red Hill Mining Town. Este no fue solo un álbum de verano del que te olvidarías el próximo año. Eran canciones que tenían el poder de cambiar el mundo.

Appetite For Destruction : Guns N Roses, Guns N Roses: Amazon.es: CDs y  vinilos}

2. Guns N’Roses: Appetite for Destruction.

Tan pronto como MTV comenzó a triunfar, algunas de las bandas de rock más glamurosas de todos los tiempos lograron ser tocadas como si fueran a lograr la segunda juventud, desde Whitesnake hasta Poison haciendo su debut en la plataforma. Sin embargo, una vez que llegamos al final de la década, Guns N Roses le dió a toda la era del rock la patada en el trasero que merecía.

Formado más como una pandilla que como una banda de rock real, había mucha más musicalidad cruda en Appetite for Destruction de la que encontraría en una banda como Ratt, yendo por solos que se sentían mucho más en sintonía con el rock clásico de los ’70. Si bien aún tenía una actitud amigable con la cámara, el poder estelar de Axl Rose y Slash los convirtió en dos de los titanes de la industria de la música en ese momento, especialmente después de tener éxitos como Sweet Child O Mine.

Las letras también eran mucho más maduras, pasando de canciones sobre el amor a entrar en el vientre de Los Ángeles en Welcome to the Jungle o lo cruda que puede ser la vida en la calle en It’s So Easy o Paradise City. Era hora de que el resto de las banda de hair metal se fueran. La banda más peligrosa del mundo acababa de llegar.

The Smiths: La historia detrás de la portada de The Queen is Dead

3. The Smiths: The Queen is Dead.

Junto con todos los rockeros con laca que se pavonean en MTV, había muchas más caminos por explorar en los años 80. Casi al mismo tiempo que gente como Duran Duran subía en las listas de éxitos, un pequeño género conocido como rock alternativo también estaba comenzando a ver la luz, con bandas como The Pixies y REM en las estaciones de radio universitarias. Si bien la mayoría de estas bandas no alcanzaron su ritmo hasta los años 90, The Smiths se les adelantó con The Queen is Dead.

Habiendo sido los favoritos de la escena del rock británico durante un tiempo, Morrissey y Johnny Marr finalmente encontraron algunas de las mejores canciones de su carrera en este álbum, creando historias de personas que son tan audaces y descaradas como rotas por dentro. Aunque podrías llamarlo un poco exagerado en algunos puntos, pistas como The Boy With the Thorn In His Side y There is a Light That Never Goes Out aprovechan ese lado emocional interno de nosotros mismos que tratamos de mantener en secreto en nuestro día para vive el día.

Eso tampoco es para descartar la forma en que Marr toca la guitarra, quien pone cada nota donde debe estar en canciones como Bigmouth Strikes Again. Si bien algunos Smiths dirían que este fue el principio del fin para el grupo, solo un puñado de bandas alternativas pueden esperar hacer un disco tan prístino.

Back in Black (álbum) - Wikipedia, la enciclopedia libre

4. AC/DC: Back in Black.

Dado que perdieron a uno de los mejores frontman de todos los tiempos, Bon Scott, no había razón para que continuaran sin su voz áspera y desigual. Sin embargo, para nuestra sorpresa, Angus Young no iba a pasar el resto de su carrera musical deprimido.

Con el nuevo cantante Brian Johnson a cuestas, estos australianos se propusieron hacer un álbum que se sintiera como un digno tributo a su hermano caído, que se convirtió en uno de los mejores álbumes de toda su carrera. Tampoco es que el espíritu de Bon no esté vivo y bien representado en este disco, desde el toque de apertura de la campana en Hells Bells hasta canciones como la canción principal que actúa como una celebración de lo que hizo en lugar de un memorial.

Tampoco se detiene en un puñado de elogios, dado que canciones como You Shook Me All Night Long y Shoot To Thrill podrían presentarse como el mejor trabajo de cualquier banda de rock menor si lo hubieran publicado por su cuenta. Tal como está, AC / DC descubrió que la mejor manera de alcanzar la perfección máxima no es intentar replicarla. Se trata de mirar profundamente dentro de ti mismo y encontrar algo de lo que ni siquiera estabas seguro de ser capaz.

Rolling Stone México on Twitter: "'Synchronicity' se estrenó un día como  hoy, pero de 1983. Así The Police cerró su carrera con broche de oro:  https://t.co/vpQqlBOUmr… https://t.co/TCMz6POfKo"

5. The Police: Synchronicity.

Toda la trayectoria profesional de The Police es casi como un feliz accidente. Teniendo en cuenta los orígenes dispares de los que provenían cada uno de estos músicos, es un milagro que obtuviéramos al menos un disco tan bueno como es, y mucho menos cinco. Sin embargo, cuando comenzaron a llegar al final, comenzamos a ver cuán lejos su la música pudo llegar a Synchronicity.

Desde sus inicios punk en el álbum Outlandos D’Amour, este fue el momento en el que Sting finalmente alcanzó la cima de sus poderes de composición, con canciones como Every Breath You Take y Wrapped Around Your Finger siendo algunos de los mejores singles pop de la década. Tampoco escatimó en cosas más cerebrales, ya que las dos canciones principales fueron un extraño viaje musical en sí mismas.

Por supuesto, siempre hay esos pequeños puntos en el radar, como la oda de Andy Summer al abuso infantil en Mother, que tienden a derribar el resto del disco. Por otra parte, esos son los momentos que casi sirven a la fluidez del álbum mucho mejor, casi haciéndote apreciar aún más las partes brillantes del disco. Así que tenemos teclados en algunos de los mejores singles pop de todos los tiempos…y algunos momentos cursis añadidos en buena medida. Sí…este álbum es más o menos de los 80 en pocas palabras.

Screaming for vengeance - Judas Priest - ( CD ) - 売り手: didierf -  Id:117734892

6. Judas Priest: Screaming for Vengeance.

A principios de la década, el metal estaba a punto de evolucionar hacia algo muy diferente de lo que era en los 70. Como las escenas de hair metal y thrash ocurrieron al mismo tiempo, el metal estuvo en una década que tuvo algunos de sus momentos más agresivos y más vergonzosos al mismo tiempo. Incluso cuando las bandas filtraban el metal a través del glam y el punk, Judas Priest se adelantó para mostrarnos cómo se hacía el verdadero metal.

Al llegar a la escena para anunciar la nueva ola de heavy metal británico, Judas Priest creó otra obra maestra para poner junto a British Steel, con algunas de las canciones más agresivas que escribirían en esa década. Desde el primer golpe de Hellion en Electric Eye, te espera un viaje emocionante desde el momento en que comienza este álbum, con cada banda de metal contabilizada.

Tienes la velocidad de Riding on the Wind, la fuerte influencia de Sabbath en Bloodstone e incluso las primeras incursiones en el mundo del pop metal en canciones como You’ve Got Another Thing Comin. Por otra parte, podría haber sido una ganga demasiado para Priest, especialmente considerando los errores que cometerían durante el resto de la década como Turbo. Aún así, es mejor tener al menos uno de estos en su arsenal que no haber alcanzado la perfección en absoluto.

R.E.M. - Murmur (1983) | Exile SH Magazine

7. REM: Murmur.

La mayoría de las grandes bandas de la generación de MTV vivieron y murieron en la imagen que proyectaron en la pantalla. Es por eso que la mayoría de las bandas de los 70 no pudieron ponerse al día cuando el medio cambió…solo tienes que mantenerte al día. Entonces, ¿cómo diablos fue uno de los discos más famosos de principios de los 80 el de una banda que no tenía tanta presencia visual para empezar?.

La estética que buscaba REM en los primeros días parecía la antítesis de lo que se suponía que era el rock and roll, siendo demasiado artística. Sin embargo, cuando realmente escuchas las canciones, todo lo promocional comenzó a desvanecerse lentamente, con los fans cayendo perdidamente por las partes de guitarra tintineantes y el increíble canto de Michael Stipe.

Estos tipos ni siquiera necesitaban letras adecuadas para la mayoría de estas canciones, y Stipe finalmente afirmó que estaba murmurando más de la mitad de las letras de canciones como Radio Free Europe. Sin embargo, mirando hacia atrás, realmente no necesitas entender la letra para entender por qué esto fue tan popular. De vez en cuando, tendrás una banda que tocó la emoción tan bien que la melodía llega directamente a tu corazón.

Álbum Pyromania, Def Leppard | Qobuz: descargas y streaming en alta calidad

8. Def Leppard: Pyromania.

Cuando el hard rock conoció la MTV, terminó pareciendo mucho más caricaturesco de lo que originalmente se convirtió. Si bien las estrellas de la época lograron darnos leyendas de sus géneros como Michael Jackson y Prince, el mundo del hard rock tuvo que conformarse con Billy Idol o Twisted Sister que le dieron su giro a la fórmula del rock. Y luego finalmente nos familiarizamos con un disco de rock con tanta fuerza detrás como cualquier álbum de pop.

Desde las notas iniciales de Pyromania, el sonido del disco es absolutamente gigantesco, cortesía de Mutt Lange. Junto con el talentoso don de Def Leppard para la melodía, la mayoría de estas canciones parecían estar pulidas hasta un brillo absoluto, con partes de guitarra que casi parecen armonizar entre sí debido a lo precisas que son.

Sin embargo, cualquier disco puede sonar bonito…echemos un vistazo a esta lista de pistas. Con solo 10 canciones, Def Leppard cumple su promesa de ser su nueva banda de rock favorita, con canciones que capturan la esencia del rock and roll en su forma más pura, desde el sonido de Rock of Ages hasta el coro casi poderoso de Stagefright…apenas habían pasado de la adolescencia, pero Def Leppard ya tenía el resto del movimiento hair metal arrodillado a sus pies después de este álbum.

Southern Accents | HIGHRESAUDIO

9. Tom Petty: Southern Accents.

Tom Petty no parece recibir suficiente crédito por lo mucho que pudo dominar los años 80. Como venía de ser una leyenda del radio rock en los años 70, había una porcentaje posibilidades de 50/50 de que continuaría su racha ganadora o se hundiera como una piedra. Sin embargo, por el aspecto de la producción de Southern Accents, no habrías puesto tu dinero en un estado legendario.

Dado que originalmente se suponía que iba a ser un álbum doble, las sesiones impulsadas por las drogas paralizaron todo, y Tom eligió lanzar un solo álbum con las mejores pistas. Lo que obtuvimos en cambio fueron algunas de las canciones con un sonido más orgánico que podrían salir de un disco de pop rock. Siendo un claro descendiente de los Bruce Springsteen del mundo, la visión de Petty del corazón de Estados Unidos es a partes iguales cínica y romántica, mostrando los lados más ásperos de las pistas así como los escénicos.

Para cada canción como Spike, hay algo así como la canción principal, que muestra al niño pequeño sin pretensiones debajo de la escritura de Petty, cuya chispa para el rock and roll lo sacó de Gainsville en busca de cosas mejores. Aunque la vida de un perro en fuga puede no ser glamurosa todo el tiempo, no ha dejado de ser poética a medida que pasan los años.

Rush, Permanent Waves (Remastered 2015) in High-Resolution Audio -  ProStudioMasters

10. Rush: Permanent Waves.

Una vez que la era de MTV se aceleró, el mundo del rock progresivo recibió un golpe significativo. Aunque bandas como Yes y Genesis se las arreglaron para hacer la transición a la era de los vídeos musicales bastante bien, la era de los solos de una milla de largo y Emerson Lake & Palmer se habían desvanecido desde hacía mucho tiempo. Incluso cuando la gente estaba emparejando cosas y haciendo todo más simple, Rush mantuvo su complejidad y logró llegar a las listas de todos modos.

A principios de los 80, Permanent Waves es el sonido de este trío canadiense que finalmente descubre qué funciona mejor para el molde de Rush, incorporando todo, desde música reggae hasta canciones de varias partes sin pestañear. Aunque algunas de estas pistas son un poco largas para los estándares de la radio de rock, se necesitaría un oyente atento para escuchar el primer toque de Spirit of Radio y decidir girar el dial.

Al desglosar la letra, este es también uno de los álbumes más emocionales que jamás haría Rush, con Neil Peart lidiando con la idea de la libertad de elección en Freewill y las duras realidades que surgen al tratar de encontrar una conexión humana en Entre Nous. El tema puede parecer severo como el infierno en la primera escucha, pero la música real es una de las más divertidas que tendrás mientras escuchas rock progresivo.








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