Steven Tyler ingresa en una clínica de rehabilitación

25 05 2022

Steven Tyler, líder de Aerosmith, tras 12 años de abstinencia, ha decidido ingresar por voluntad propia en rehabilitación tras una recaída de su adicción a las drogas. Así, los seguidores de la legendaria banda de rock tendrán que esperar para ver a sus ídolos, pues tanto la residencia programada en Las Vegas para este verano como el resto de conciertos han sido cancelados hasta nuevo aviso.

Según ha informado Aerosmith en un comunicado oficial a través de sus redes sociales, el vocalista habría vuelto a las andadas, recayendo en su consumo de alcohol y sustancias ilícitaslo que le habría llevado a internarse de nuevo en una clínica para superar su adicción, al igual que hizo por primera vez en 1988. 

«Como muchos de vosotros sabéis, nuestro querido hermano Steven ha trabajado su sobriedad durante muchos años. Después de una cirugía en el pie para prepararse para el escenario y la necesidad de controlar el dolor durante el procesorecientemente ha recaído y ha entrado voluntariamente en un programa de tratamiento para concentrarse en su salud y recuperación«, se ha podido leer en la misiva.

Ahora, según ha relatado la banda en el escrito, se han visto obligados a cancelar su gira por América, una serie de conciertos que iban a comenzar el próximo mes.

 «Lamentamos mucho informar a nuestros fans y amigos que debemos cancelar nuestra primera serie de fechas de la residencia de Las Vegas este junio y julio mientras (Steve Tyler) se centra en su bienestar», ha señalado el texto. Asimismo, los músicos han comunicado que se sienten desolados por fallar a su público, ese que tanto les ha dado durante tantos años, aunque han reconocido que lo más importante es la salud: «Gracias por entender y por apoyar a Steve durante este tiempo».





Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





Aerosmith cancela su gira

2 02 2022
Puede ser una imagen de texto

La gira europea previamente anunciada de Aerosmith, que originalmente estaba programada para 2021 y luego se pospuso hasta 2022, ahora se ha cancelado oficialmente, incluyendo el concierto programado para el 4 de junio en Madrid.

Los legendarios rockeros anunciaron la decisión de cancelar los conciertos en un comunicado el día de hoy. Escribieron: «lamentamos profundamente anunciar que nuestra gira europea, programada para junio y julio de 2022, ha sido cancelada. Hemos seguido monitoreando la situación actual de COVID y con la incertidumbre relacionada con la logística de viaje y el presencia continua de restricciones de COVID y otros problemas, ha quedado claro que no será posible seguir adelante con nuestros espectáculos de verano en la región. La salud, la seguridad y el bienestar de nuestros fans es nuestra prioridad número uno. Volveremos para rockear con todos y esperamos tener algunas noticias emocionantes para anunciar pronto. Hasta entonces, cuídese y nos disculpamos profundamente por cualquier inconveniente».

En junio pasado, el guitarrista Brad Whitford, dijo que tenía «dudas» de que la banda pudiera volver a tocar en vivo. El guitarrista de 69 años, que ha sido miembro de Aerosmith desde 1971, pintó una imagen sombría del futuro de la banda durante una entrevista. Dijo: «la gira europea…intentaron planear una [en 2020], y están hablando de [2022]. Es un sueño imposible en este momento. Nada va a ocurris por mucho tiempo. A veces no estoy seguro de qué mis socios están pensando cuando creen que eso va a suceder».

Continuó: «hay otra cosa interesante acerca de ir a Europa ahora debido al Brexit: es mucho más difícil obtener visas de trabajo debido a eso. Va a ser otra pesadilla. Quiero decir, tengo mis dudas sobre si Aerosmith realmente volverá a actuar, porque la edad se está convirtiendo en un factor real. Y es lo que es».

En 2016, el batería Joey Kramer, admitió en una entrevista, que los problemas de salud que enfrentan los miembros del grupo, incluido su susto cardíaco en 2014 y el colapso del escenario del guitarrista Joe Perry, les dificultan actuar de la forma en que solían hacerlo.

«Me sorprendió muchísimo cuando sucedió», dijo Kramer sobre su propio problema de salud. «Hago ejercicio todos los días, soy consciente de mi salud. Pensé que era acidez estomacal o indigestión. Ya no tenemos 25 años, no podemos tocar tantos espectáculos como solíamos». Steven [Tyler] no puede cantar dos noches seguidas o tres o cuatro noches a la semana, es físicamente imposible. Entonces se convierte en una cuestión de salir [de gira] menos de lo que solíamos, o no hacerlo en absoluto».





Aerosmith aplaza la gira europea a 2022

23 02 2021

Aerosmith ha pospuesto su gira europea y ha reprogramado las fechas para 2022. La banda publicó: «debido a las condiciones actuales y para la seguridad de nuestros fans, el tour europeo 2021 ha sido reprogramado para 2022. Estén atentos para obtener más información sobre las nuevas fechas o comuníquese con su punto de compra. Todas las entradas serán válidas para las nuevas fechas».

La gira está programada para comenzar el 29 de mayo de 2022 en Moscú, Rusia y finalizar el 13 de julio de 2020 en Cracovia, Polonia, e incluye una fecha (4 de junio) en Madrid.

En abril de 2020, las actuaciones de Aerosmith, «Deuces Are Wild», en Las Vegas programadas para mayo y junio del año pasado en el Park Theatre también se pospusieron a raíz de la crisis del coronavirus.

Aerosmith no ha lanzado un nuevo álbum de estudio desde «Music From Another Dimension» de 2012. Ese disco se lanzó cuando el sello de la banda, Columbia Records, supuestamente estaba atravesando un cambio de liderazgo, y terminó convirtiéndose en una decepción comercial.

La respuesta mediocre a «Music From Another Dimension!» más tarde hizo que dos miembros de la banda, el guitarrista Joe Perry y el batería Joey Kramer, se preguntaran si tiene algún sentido que Aerosmith haga álbumes futuros.





Gibson App con realidad aumentada de audio

22 01 2021
Gibson App for your smart device

Gibson ha trabajado con la empresa de tecnología sueca Zoundio para crear la nueva aplicación para dispositivos iOS y Android. Gibson anuncia esta nueva aplicación como «la única aplicación de guitarra que necesitarás» e incluye algunas características impresionantes, incluida la realidad aumentada de audio, sea lo que sea, y la posibilidad de reservar una consulta con un técnico de Gibson.

La nueva aplicación se ejecutará en teléfonos y tabletas iOS y Android. Se requiere hardware adicional, todo lo que necesita es su dispositivo, su guitarra y algunos auriculares. La aplicación es completamente gratuita para descargar y usar, pero Gibson cobra una tarifa por las lecciones de guitarra. Hay una prueba gratuita de 14 días de canciones de artistas como Eric Clapton, BB King, Tom Petty, Dolly Parton, Santana, Aerosmith, Billie Eilish, The Beatles, Foo Fighters y Thin Lizzy.

Una característica útil es el afinador incorporado, que también puede manejar afinaciones alternativas y afinaciones cromáticas. También tiene una línea directa al canal de YouTube de Gibson TV, que tiene un contenido excelente. Gibson carga contenido con frecuencia, una gran ventaja cuando necesitas inspiración o entretenimiento relacionado con la guitarra.

Esta nueva tecnología de realidad aumentada de audio permite a los usuarios interactuar directamente con la aplicación y no solo ver videos de lecciones. Gibson dice que la aplicación responderá a su forma de tocar a medida que aprenda, para que pueda progresar de manera más natural, a medida que sus lecciones virtuales se vuelven más interactivas. Las lecciones cubren electrica y la acústica, por lo que la aplicación Gibson cubre todos los estilos de música.

Gibson también le permite tener una consulta personalizada gratuita con un técnico de guitarra profesional de Gibson. Esto toma la forma de una videollamada en su dispositivo y cubre las tareas básicas de ajuste y mantenimiento de la guitarra.





Fallece Peter Green, fundador de Fleetwood Mac

26 07 2020

Peter Green, leyenda del blues y cofundador de Fleetwood Mac, falleció a la edad de 73 años. Su familia confirmó su muerte en un comunicado emitido por los abogados que actúan en su nombre.

«Con gran tristeza la familia de Peter Green anuncia su muerte este fin de semana, pacíficamente mientras dormía», dice el comunicado.

Green cofundó Fleetwood Mac con Mick Fleetwood y Jeremy Spencer en 1967 y escribió uno de los mayores éxitos de la banda, «Albatross«. Dejó Fleetwood Mac en 1970 y finalmente le diagnosticaron esquizofrenia.

En febrero pasado, varios artistas, incluido Kirk Hammett y el cantante Steven Tyler, se presentaron en un concierto tributo a Green en el London Palladium. El espectáculo tuvo lugar solo unas semanas después de que se anunciara que Hammett estaba colaborando con Green en un proyecto de libro y música para Rufus Publications. Hammett estuvo en Abbey Road Studios en Londres en enero para grabar «algo muy especial» para el proyecto, que contará con apariciones especiales de varios otros artistas. Además, Hammett publicó un par de fotografías con Green, incluida una imagen en la que se puede ver a Peter sosteniendo una copia en vinilo del álbum «Master Of Puppets» de Metallica y otra en la que ambos sostienen la legendaria guitarra Gibson Les Paul de Green de 1959, conocida como «Greeny«, que ahora posee Hammett.

Kirk Hammett con la Gibson Les Paul ’59 de Peter Green
Gibson «Greeny» Les Paul

Green, junto con los otros siete miembros de Fleetwood Mac, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998.





Aplazado el concierto 50º aniversario de Aerosmith

10 07 2020

El concierto del 50º aniversario previamente anunciado por Aerosmith, que originalmente estaba programado para el 14 de septiembre en el Fenway Park en Boston, Massachusetts, se ha aplazado para el próximo año.

«Debido a la abundancia de amor y precaución, nuestro espectáculo de 50 años de Fenway se reprogramará para el 14 de septiembre. Es mejor mirar hacia adelante y prepararse que mirar hacia atrás y arrepentirse, por la seguridad de nuestras familias, por nuestro equipo, por los fans…Hasta entonces, manténgase seguro y saludable. Gran amor de los Bad Boys de Boston … Aerosmith».

Aerosmith fue el último de nueve artistas en posponer o cancelar los espectáculos de verano en medio de la pandemia de coronavirus.

Aerosmith es una de las bandas de rock estadounidenses más vendidas de todos los tiempos, ha vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock And Roll. Con 25 álbumes de oro, 18 álbumes de platino y 12 álbumes multiplatino, tienen el récord de la mayoría de las certificaciones de una banda estadounidense. La banda ha obtenido 21 éxitos Top 40 en el Billboard Hot 100, incluidos nueve éxitos No. 1 de Mainstream Rock. Recibieron innumerables premios, entre ellos cuatro Grammys, seis American Music Awards, cuatro Billboard Awards, 10 MTV Video Music Awards y ahora MusiCares Person of the Year, entre muchos otros honores. Demostrando que pueden cruzar los límites de género con facilidad, estas leyendas del rock incluso se han llevado a casa un premio Soul Train Award por «Mejor rap individual» por su remezcla de «Walk This Way» de RUNDMC.





Aerosmith reprograma su gira europea para primavera/verano de 2021

5 06 2020

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Los legendarios Aerosmith han pospuesto su gira europea previamente anunciada debido a la pandemia de coronavirus. Las nuevas fechas ahora comenzarán el 29 de mayo de 2021 en Moscú, Rusia y finalizarán el 15 de julio de 2021 en Viena, Austria.

Aerosmith anunció el aplazamiento en un mensaje de redes sociales el día de hoy. La banda escribió: «Aerosmith es y siempre será una banda para los fans, por los fans y de los fans. Es por esta razón que hemos tomado la decisión de reprogramar nuestra gira europea para el verano de 2021, en un esfuerzo por mantener el enfoque en la salud y el bienestar de todos durante este tiempo sin precedentes. Por favor, guarde sus entradas ya que serán válidas por las nuevas fechas».

Hace dos meses, las actuaciones «Deuces Are Wild» en Las Vegas programadas del 20 de mayo al 4 de junio en el Park Theatre también se pospusieron a raíz de la crisis del coronavirus.

Aerosmith no ha lanzado un nuevo álbum de estudio desde 2012 «Music From Another Dimension!». Ese disco se lanzó cuando, según los informes, el sello de Aerosmith, Columbia Records, estaba pasando por un cambio de liderazgo, y terminó convirtiéndose en una decepción comercial.

Sé responsable. Sigue tocando. Volveremos a abrazarnos.





Krist Novoselic: los masters de «Nevermind» pueden haber desaprecido para siempre

13 06 2019

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Un informe de The New York Times reveló por primera vez que unas 500,000 grabaciones de muchos de los artistas más importantes de la música fueron destruidas en un incendio que azotó Universal Studios en Hollywood el 1 de junio de 2008. Entre las grabaciones perdidas, muchas de las cuales estaban en cintas master originales, se encontraban canciones de Nirvana, Soundgarden, Nine Inch Nails, Guns N’Roses, Beck, No Doubt, Aerosmith, REM y más.

El ex bajista de Nirvana, Krist Novoselic es uno de los muchos artistas de Universal que desde entonces reaccionaron a la publicación de la historia y brindaron detalles adicionales sobre algunos de los tesoros perdidos. Preguntado si eso significa que los masters de «Nevermind» fueron destruidos, Novoselic respondió: «Creo que se han ido para siempre».

También se perdieron casi todos los masters de Buddy Holly, además de grabaciones clásicas y / o tempranas de Etta James, Billie Holiday, Louie Armstrong, Al Jolson, Bing Crosby, Aretha Franklin, John Coltrane, Al Green, Ray Charles, Elton John, BB King, Snoop Dogg, Chuck Berry, Tom Petty, Joan Baez, Neil Diamond, Cat Stevens, Eric Clapton, Barry White, Patti LaBelle, The Police, Sting , Steve Earle, Janet Jackson, Mary J. Blige, Snoop Dogg, Sheryl Crow, Tupac Shakur, Eminem, 50 Cent, y muchos más.

En el momento del incendio, la cobertura se centró en los daños a las propiedades de Universal Film, la TV y los parques temáticos de Universal, y los representantes declararon que la mayoría de la música guardada se había trasladado a «otras instalaciones» o «digitalizada». El New York Times reveló, sin embargo, que más de 118,000 activos fueron destruidos, conteniendo medio millón de grabaciones.

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Randy Aronson, el director sénior de operaciones en ese momento, dijo a The New York Times que la compañía valoró el total combinado total de perdidas en $150 millones. El New York Times se refirió al incendio como «el mayor desastre en la historia del negocio de la música».

Universal ha corregido la historia de The New York Times, diciendo que contiene «numerosas inexactitudes, declaraciones engañosas, contradicciones y malentendidos fundamentales sobre el alcance del incidente y los activos afectados». La compañía también citó su historia reciente de lanzamiento de reediciones de alta calidad de muchos de los álbumes que se dice que fueron destruidos, y agregó: «La preservación de la música es la máxima prioridad para nosotros y estamos orgullosos de nuestra historia».





Hollywood Vampires: cover de «Heroes»

8 06 2019

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Hollywood Vampires

Hollywood Vampires  ha presentado el vídeo oficial de su versión de «Heroes» de David Bowie. La pista, con Johnny Depp en la voz principal, se grabó el año pasado en los legendarios Hansa Studios, el mismo lugar donde Bowie escribió el original en 1977.

Hollywood Vampires se construyen alrededor de la innegable química entre la realeza del rock and roll de Joe Perry, la superestrella de Hollywood Johnny Depp y el ícono del rock Alice Cooper.

«Heroes» aparece en el segundo álbum de Hollywood Vampires, «Rise», que se lanzará el 21 de junio. El disco fue producido por Tommy Henriksen y Hollywood Vampires.

A diferencia de su álbum debut de 2015, «Rise» consiste principalmente en material original, escrito por la banda. Sin embargo, hay tres versiones de canciones originalmente escritas y grabadas por algunos compañeros de rock que murieron demasiado jóvenes: una versión íntima e intensa de «Heroes», nuevamente bellamente interpretada en el disco por Depp; «People who died» de Jim Carroll Band y «You Can’t Put Your Arms Around A Memory» de Johnny Thunders, cantada por Perry.

«Rise» track listing:

01. I Want My Now
02. Good People Are Hard To Find
03. Who’s Laughing Now
04. How The Glass Fell

05. The Boogieman Surprise
06. Welcome to Bushwackers (feat. Jeff Beck + John Waters)
07. The Wrong Bandage
08. You Can’t Put Your Arms Around A Memory
09. Git From Round Me
10. Heroes
11. A Pitiful Beauty
12. New Threat
13. Mr. Spider
14. We Gotta Rise
15. People Who Died
16. Congratulations

Completando la alineación en vivo de Hollywood Vampires están los músicos Glen Sobel (Alice Cooper) en la batería, Chris Wyse (The Cult) en el bajo y Buck Johnson (Aerosmith) en el teclado y la voz.








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