Fender George Harrison Rocky Stratocaster

26 07 2022

Esta nueva Fender George Harrison Rocky Stratocaster está basada en la guitarra original que usó con los Beatles. Corre el año 1965. George Harrison y John Lennon envían a su roadie Mel Evans a conseguir una Stratocaster para cada uno de ellos. Regresó con un par de guitarras con acabado Sonic Blue. Este color original todavía se puede ver en la parte posterior de la guitarra original en la actualidad. George llamó a su Strat de 1961 «Rocky» y la usó por primera vez en el álbum «Rubber Soul» de los Beatles.

En 1967 estaba totalmente de moda pintar todo tipo de objetos con vivos colores psicodélicos. Entonces George decidió pintar a Rocky con pintura fluorescente Dayglo, que era algo completamente nuevo en ese momento. Tocaba mucho la guitarra, por lo que puedes escucharla en los siguientes álbumes; «Revolver», «Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band», «Magical Mystery Tour» y «White Album».

Fender George Harrison Rocky Stratocaster

El cuerpo de aliso ha sido cuidadosamente pintado a mano con una réplica de las famosas pinceladas psicodélicas de Harrison. Se ha capturado cada pequeño detalle, desde el diseño del golpeador y las piezas de plástico hasta una pegatina de Grimwoods simulada en la parte posterior del clavijero, el nombre de la tienda de música original donde se compró la guitarra.

Las pastillas son un trío de estilo vintage de la década de 1960. Eso, según Fender, garantizará un tono dinámico y cristalino que recuerda a la era dorada de los tonos Stratocaster de los años 60. Tiene un mástil de arce en forma de C, con un diapasón de palisandro con un radio 7.25′′ equipado y 21 trastes vintage. Finalmente, la Rocky Strat tiene un trémolo sincronizado correcto de la época y un clavijero Kluson de estilo vintage que completa la apariencia y la sensación de un instrumento clásico de los años 60.

George Harrison

La nueva versión está limitada a solo 1000 piezas en todo el mundo. Si estás realmente interesado, no deberías perder demasiado tiempo, ya que el precio se sitúa en 1.998€.





¿Y ahora Pink Floyd?

27 06 2022

Hace un tiempo que Pink Floyd están pensando en poner a la venta los derechos de sus canciones para hacer caja, como ya hicieran en el pasado otros como The Beatles.

Esto es en realidad algo lógico, puesto que los 3 miembros con derechos que siguen vivos, David GilmourNick Mason y Roger Waters están entrando en la parte final de sus vidas y piensan ya en su legado, puesto que en caso de fallecimiento dejan a sus herederos un difícil papel legal.

Pues bien, ya tenemos precio a la intentona de Pink Floyd por hacer caja y dejar ese dinero a sus herederos: 500 millones de dólares.

Anteriormente ya lo han hecho, o piensan en hacerlo en un futuro cercano, veteranos del sector como Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Young, Sting… En concreto, Dylan vendió su catálogo recientemente por unos 150 millones de dólares, y Pink Floyd aspira a superar claramente esa cifra.

El gran activo de Pink Floyd para poner ese alto precio es que algunos de sus discos están entre los más vendidos de la historia, tales como ‘The Dark Side of the Moon’ y ‘The Wall’, que han vendido millones de copias a lo largo de las décadas.

Vender sus derechos supondría que renuncian a la explotación directa de su discografía, y no habría más roces entre Waters y Gilmour, ya que no serían dueños del catálogo que crearon cuando la banda clásica trabajaba junta. Además, este tipo de ventas es habitual ahora porque la tendencia actual apenas pasa por la compraventa de discos, sino que los derechos tienen valor por su explotación digital.

De momento, otra novedad es que lo que queda de Floyd sigue explotando sus recursos. Gilmour y compañía han anunciado que finalmente también lanzarán su nueva canción ‘Hey Hey Rise Up’ en versión física, concretamente en vinilo y CD. Como ya había ocurrido con la versión digital que había hasta ahora, las ganancias se destinarán a la ayuda humanitaria en Ucrania.

Como sabéis, el tema es en realidad un acompañamiento musical a un himno patriota tradicional ucraniano al que puso voz un artista de ese país, Andriy Khlyvnyuk, al que la banda conoció a través de una actuación callejera.

El tema ‘Hey Hey Rise Up’ fue una creación en favor de Ucrania, siendo su primera canción nueva en 28 años. Gilmour y Mason llamaron al bajista Guy Pratt, que ya estuvo en ‘The Division Bell’ y el teclista Nitin Sawhney.





Gibson Everly Brothers SJ-200

14 06 2022
The Everly Brothers SJ-200 (Ebony)

Los Everly Brothers, con sus armonías y su combinación de influencias de country, blues y rockabilly, fueron una gran influencia para los Beatles y otras innumerables bandas formativas de rock ‘n’ roll. Ahora, Gibson homenajea al dúo con una nueva y elegante guitarra SJ-200.

Con un acabado negro (ebony) con llamativos golpeadores dobles de color crema, la guitarra se basa en la SJ-200 de Don y Phil Everly y está hecha a mano por la Gibson Acoustic Custom Shop en Bozeman, Montana.

La guitarra está construida con una parte trasera y laterales de arce flameado AA combinados con una tapa de pícea de Sitka envejecida térmicamente, resaltada por esos elegantes golpeadores dobles. También cuenta con un mástil de arce de dos piezas con un diapasón de palisandro de 20 trastes de radio 12″ con inlays de corona de nácar.

Otra floritura visual viene en la forma del tradicional puente J-200 ‘Mostache’ de cuatro barras de palisandro con inlays de nácar. El clavijero es Grover Rotomatic y las selletas, pasadores de cuerda y cejuela de hueso.

El lanzamiento de la guitarra se produce junto con el Hey Doll Baby Festival, una celebración virtual patrocinada por Gibson y repleta de estrellas de la música de los Everly Brothers que tendrá lugar este domingo 19 de junio a las 4 p.m. EST.

Con actuaciones de Paul Simon, Bob Weir y Chris Robinson, Graham Nash y Chris Stills, Mike Campbell y Stan Lynch, Jakob Dylan, Lukas Nelson, Dhani Harrison, The Cactus Blossoms, Waddy Wachtel, Jimmy Vivino y Albert Lee, por nombrar solo algunos, el festival virtual también coincide con el lanzamiento el 17 de junio de la nueva compilación de Everly Brothers, «Hey Doll Baby».

La guitarra acústica Gibson Everly Brothers Signature SJ-200 ya está disponible, en una tirada ultralimitada de solo 30 instrumentos y con un estuche rígido SJ-200 incluido, por $ 7,999.

Los difuntos hermanos no son los únicos íconos del rock de los años 50 que han sido honrados con una Gibson SJ-200 exclusiva este año: en marzo, Gibson presentó dos nuevas acústicas exclusivas de Elvis Presley, una SJ-200 y una Dove.





UAFX Guitar Amp Emulator Pedals

24 05 2022

Universal Audio ha presentado una gama completamente nueva de pedales emuladores de amplificadores de guitarra: UAFX.

Compuesto por tres unidades aptas para pedaleras: Dream ’65 Reverb, Ruby ’63 Top Boost y Woodrow ’55 Instrument, los emuladores de amplificador de pedal UAFX prometen proporcionar auténticos tonos de amplificador de válvulas, cortesía de la tecnología de modelado UAD de la compañía y el procesamiento de doble motor.

Como descripción general, cada pedal ofrece una opción tonal distinta y proporciona una serie de combinaciones de tonos de gabinete, micrófono y sala, que se han derivado del galardonado OX Amp Top Box de Universal Audio.

UAFX Dream ’65 Reverb

También están disponibles una serie de extras, que incluyen realces personalizados y modificaciones de circuito, reverb de válvula y vibrato, con una aplicación móvil UAFX adicional que tiene como objetivo proporcionar un nivel adicional de capacidades prácticas de ajuste de tono.

Cuando se usan junto con la aplicación UAFX, los tres pedales UAFX pueden aprovechar los tonos de artistas aprobados por UA como Tim Pierce, Nels Cline, Cory Wong y más.

Cada unidad UAFX cuenta con seis controles, que ajustan una variedad de parámetros de ajustes de sonido, así como tres interruptores de palanca que activan los efectos integrados y las cabinas de los altavoces.

Para más detalles, el Dream ’65 Reverb se inspira en los clean, breakups y spring reverb y vibrato de los amplificadores de válvulas americanos preferidos por los Beatles, Muddy Waters, Elvis Costello…tal vez el Fender Twin Reverb?

UAFX Ruby ’63

Mientras tanto, el Ruby ’63 tiene como objetivo ofrecer los mismos tonos de amplificador de válvulas británico que fueron empleados por nombres como Queen, Radiohead y U2, también conocido como Vox AC30. Esta vez, la palanca del altavoz ofrece las opciones Silver, Blue y Green, mientras que los parámetros están reservados para volumen, corte, salida, graves, agudos y realce.

El remate de la lista es el Woodrow ’55 es una oferta inspirada en Tweed Deluxe que rinde homenaje a los sonidos utilizados por Neil Young, Chuck Berry y los Eagles. Los altavoces BlU15, JP12 y GB25 se ofrecen a través del interruptor de palanca izquierdo. Los controles Instrument Volume, Mic Volume, Output, Room, Tone y Boost completan el conjunto.

Cada pedal UAFX está disponible ahora por $399.

UAFX Woodrow ’55




«The Joshua Tree»: 35 años del disco que lanzó al estrellato a U2

8 03 2022

Cuenta la leyenda que fueron inmigrantes irlandeses quienes dieron el nombre de Joshua Tree a este peculiar árbol que crece en el desierto de Mojave tras cruzar el río Colorado. Su peculiar forma les recordó la figura del patriarca bíblico Josué pidiendo la ayuda de Dios con las manos hacia el cielo. El fotógrafo Anton Corbijn y los miembros de U2 se metieron en un autobús a mediados de diciembre de 1986 y se embarcaron en un breve viaje por carretera a través de los desolados lugares del Valle de la Muerte, Zabriskie Point y el desierto de Mojave. «Hicimos un cronograma de tres días para filmar», dice Corbijn, «y fue durante la noche del primer día de filmación que salí con Bono y le dije: hay un árbol que realmente amo y se llama Joshua Tree. Será una idea brillante tener eso en el frente y luego la banda estará en la parte de atrás”.

«Bono luego bajó a la mañana con una BibliaHabía buscado el árbol de Josué en el libro sagrado y pensó que debería ser el título para un álbum. Luego salimos ese día para buscar el árbol». Corbijn encontró lo que estaba buscando. «Sorprendentemente, encontramos este hermoso árbol que se erguía de pie en el desierto por sí solo. Este tipo de árbol suele crecer en grandes grupos, por lo que fue increíble encontrar ese solo. Nunca he visto otro árbol solo desde entonces», recuerda el fotógrafo. La banda se detuvo y pasó 20 minutos posando con él antes de que el tiempo invernal les obligara a regresar al autobús. «Hacía mucho frío y es una de las razones por las que aparecemos tan sombríos», explica The Edge.

Sólo hace falta echar un vistazo a las listas de éxito de aquel marzo de 1987 para comprobar la terrible decadencia en la que entonces había entrado la música pop. Eran las permanentes oxigenadas de Bon Jovi con «Linvin’ on a prayer» o de Europe con «The Final Countdown». O el AOR sin concesiones de Huey Lewis con «Jacob’s Laddler»…o el insoportable pop enlatado de The Jets con «You got it all»…Y fue en este contexto en el que surgió «The Joshua Tree», monumental en todos los sentidos.

«Realmente, no suena como ninguna otra cosa de su época», recordaba The Edge en un documental de 1999. Y añadía: «No viene de una mentalidad de los ochenta. Viene de un lugar completamente diferente. (…) Cuando estábamos haciendo este álbum, realmente no sentíamos que fuéramos parte de lo que estaba sucediendo en el negocio de la música en ese momento. Y nos sentíamos muy alejados de aquello». Efectivamente, lo que había detrás de aquel mágico sonido era blues, folk y góspel, pero con un barniz absolutamente contemporáneo. Si se escuchan las bases acústicas de las canciones, todo era realmente simple, casi tradicional. La visión estuvo en ensamblar ritmos primitivos con una guitarra eléctrica llena de efectos y una voz mesiánica que derramaba versos casi evangélicos.

Buena parte del éxito de aquel sonido se debió al trabajo de Daniel Lanois y Brian Eno, los productores del álbum. Ambos ya habían trabajado con U2 en su anterior disco, «The Unforgettable Fire», de 1984, que había supuesto un salto cualitativo en la capacidad de penetración de la banda y la definición de su sonido. Y un disco que permitió a los irlandeses asomarse a las puertas de América. Ahí estaba el gran salto: conquistar la tierra de Elvis. Ya lo habían advertido mucho antes bandas como Beatles, Rolling Stones o Kinks: el éxito definitivo solamente llegaba cuando Estados Unidos daba su beneplácito. Para U2, aquella era la misión.

Bono, The Edge, Brian Eno y al fondo Adam Clayton

Si bien el título y la portada del álbum evocaban el suroeste de Estados Unidos y la letra expresaba la indignación de Bono por las atrocidades contra los derechos humanos en diferentes partes del mundo y cuestiones sentimentales como el dolor o la culpa, el quinto disco de estudio de la banda se grabó en gran parte en una mansión georgiana de dos pisos ubicada en Rathfarnham, al sur de Dublín, junto a la antigua escuela de Adam Clayton. The Edge había visto la residencia mientras buscaba una casa con su entonces esposa Aislinn varios meses antes. No le convenció para vivir, aunque sí para grabar. «Decidimos que no era para nosotros, pero luego tuve la idea de que el dueño nos lo alquilaría para grabarAsí que nos instalamos en esta gran mansión georgiana antigua en las estribaciones de las montañas de Wicklow, aproximadamente a media milla de Columba’s College, de donde Adam Clayton, el bajista había sido expulsado», recordaba el guitarrista.

Era un plan que ya había dado resultado, pues U2 grabó gran parte de «The Unforgettable Fire» en el Slane Castle del condado de Meath. Con la convicción de que el nuevo lugar era mucho más inspirador que un cuarto de grabación al uso, el grupo decidió construir un estudio completamente funcional dentro de las antiguas paredes. En enero de 1986, el comedor se había convertido en una sala de control completa con grabadora y mesa de mezclas. Se quitaron las enormes puertas dobles y se reemplazaron por una mampara de vidrio que daba al elegante salón, que serviría como sala de estar. Con suelos de madera y un techo de doble altura, el espacio poseía una acústica impresionante. «Cuando escuchas ese gran sonido de batería en “The Joshua Tree”, es el sonido de esa habitación», dice Clayton, quien se compraría la casa poco después de completar la grabación.

Fue a primeros de agosto cuando U2 se trasladó a Dublín para reanudar el trabajo del álbum y comenzar la etapa de mezclas propiamente dicha. Durante esta fase de grabación, ya más intensa, el grupo comenzó a trabajar en la casa recién comprada de The Edge, situada en Melbeach, en la costa de Monkstown. La banda estaba lanzada y todavía hubo más sesiones a final de año. De hecho, en algún momento, se sugirió la posibilidad de sacar un álbum doble ante la abundancia de material. Brian Eno disuadió al grupo, con buen criterio, y les instó a seleccionar las canciones que lograran completar un álbum redondo en composiciones y unidad de sonido. Casi a contrarreloj, la última etapa fue la finalización de las mezclas en busca de un solo objetivo: una ambientación profunda. Este concepto, que podría parecer tan etéreo, encuentra su explicación al comprobar el trabajo que hicieron Eno y Lanois por llenar esos fondos instrumentales con tenues sintetizadores y distorsiones de guitarras. Algo realmente único entonces.

Daniel Lanois y Brian Eno

Para noviembre de 1986, U2 tenía lo más importante de un buen disco: las canciones y el sonido. Eran composiciones muy directas, con extraordinarias melodías y cierta épica en las letras de Bono, muy inspirado en aquel momento con la escritura de gente como Norman Mailer o Raymond Carver. El vocalista irlandés consiguió mezclar pequeños retazos costumbristas con frases que parecían salmos. El ritmo era hipnótico y las guitarras de The Edge sonaban tremendamente originales y capaces de llenar la canción por sí solas. Y también estaba esa atmósfera envolvente. Cuando el disco salió, todo el mundo se quedó de piedra.

Lo siguiente sería la conquista del mundo, incluida América. A medida que las tiendas despachaban millones de ejemplares del álbum, U2 se embarcó en una gira mundial de 111 fechas que tuvo parada obligatoria en Estados Unidos. El impresionante éxito del disco llevó al grupo a tocar en enormes estadios. Cuatro chicos frente a la inmensidad de la masaGrandes luces y un sonido extraordinario que encontraban en la megalómana teatralidad de Bono el complemento perfecto para seducir a millones de espectadoresFue entonces cuando U2 se convirtió en el grupo del momento, en una banda para la historia. Sencillos como «Where the streets have no name», «With or without you» o «Still haven’t found what i’m looking for» sonaban a todas horas en la radio mientras miles de chavales en el mundo ensayaban frente al espejo cada pose de Bono deseando algún día imitar aquel sueño: cuatro muchachos surgidos de los suburbios de Dublin habían logrado tener el planeta en sus manos.

Bono. The Joshua Tree Tour, Rotterdam 1987
Bono y Adam Clayton, Estadio Santiago Bernabeu, 15 de julio de 1987
115.000 personas en el concierto del Bernabeu




Yoshiki, de X Japan, dona $87,000 Al Fondo De Asistencia de Emergencia de Crisis Humanitaria de Ucrania

3 03 2022

La legendaria estrella de rock de Japón, Yoshiki, que actualmente reside en Los Ángeles, donó 10 millones de yenes (aproximadamente $87,000) al Fondo de Asistencia de Emergencia para la Crisis Humanitaria de Ucrania y pide a sus fans de todo el mundo que también donen. Junto con sus fans, han recaudado $500,000 en menos de 24 horas. Yoshiki anunció la donación y llamó a la acción en su popular cuenta de Twitter para generar conciencia sobre la necesidad urgente de una acción inmediata en nombre de los afectados por la situación actual en Europa del Este.

Yoshiki es una de los compositores más influyentes en la historia de Japón, vendiendo más de 50 millones de álbumes en todo el mundo como líder de la legendaria banda X Japan, encabezando los escenarios más grandes del mundo, incluido el Coachella (2018), el Wembley Arena de Londres y el principal recinto de Japón, Tokio Dome. Ha colaborado con el productor de Beatles, Sir George Martin, Queen, Sarah Brightman, Bono, Will.i.am y St. Vincent.





Gibson publica un vídeo documental sobre Sister Rosetta Tharpe

25 02 2022

Gibson ha lanzado un mini documental centrado en Sister Rosetta Tharpe, una figura pasada por alto en la historia del blues y el rock ‘n’ roll que allanó el camino para los géneros.

«Shout, Sister, Shout!» está narrada por Celisse (guitarrista de Lizzo) y analiza la vida y la carrera de Sister Rosetta Tharpe, la guitarrista y cantante a la que se ha referido como «La madrina del rock ‘n’ roll» y «the original soul sister».

La música de Tharpe, que combinaba letras espirituales y tocar la guitarra eléctrica, tuvo un tremendo impacto en los primeros músicos de rock, incluidos Little Richard, Chuck Berry, Elvis Presley y Jerry Lee Lewis.

“El inmenso talento y la confianza de Sister Rosetta llegaron durante una era en la que las mujeres, y especialmente las mujeres de color, no tenían voz”, escribió Gibson en un comunicado. “Una era en la que ninguna mujer se atrevía a tocar la guitarra al frente del escenario, y mucho menos al frente de un acto en solitario. Ninguna mujer excepto la hermana Rosetta Tharpe».

El documental también menciona la ceremonia de boda de Tharpe en 1951, celebrada en el Estadio Griffith de Washington D.C., donde actuó ante una audiencia de 25.000 personas. Todo esto sucedió años antes de que los Beatles se embarcaran en sus aclamadas giras por estadios estadounidenses.

La película también analiza los problemas de la segregación racial en el sur de los Estados Unidos. A pesar de su éxito como artista, Tharpe se vio obligada a dormir en autobuses de gira mientras tocaba en el sur, mientras que sus compañeros de banda blancos se permitían el lujo de dormir en habitaciones de hotel.

La guitarra de rock nunca hubiera existido sin su influencia: Tharpe fue una de las primeras artistas de grabación populares en hacer uso de una fuerte distorsión en su forma de tocar. Se dice que una gira por Europa en la que se embarcó con Muddy Waters en los años 60 tuvo un fuerte impacto en el blues británico, con Keith Richards, Eric Clapton y Jeff Beck destacando un concierto en particular en Manchester el 7 de mayo de 1964.,

Además del documental, Gibson celebró el trabajo de Tharpe con el lanzamiento de guitarras exclusivas, tanto una versión Gibson como Epiphone, inspiradas en su Les Paul Gibson SG Custom de 1961, además de diverso merchandising.





Fender George Harrison Rosewood Telecaster

15 02 2022
Fender George Harrison Telecaster, comprar online

La segunda versión de un modelo que honra el legado de George Harrison presenta un cuerpo de palorrosa y pastillas Telecaster Vintage ’64.

En 2017, Fender honró al Beatle con una George Harrison Rosewood Telecaster de edición limitada. Esta guitarra se basó posiblemente en el icónico prototipo Rosewood Telecaster que Fender le regaló al guitarrista en 1968. Harrison se enamoró del instrumento y lo usó durante el resto de la década, incluso durante las sesiones de Let It Be y la notable actuación final en el azotea de la sede de Apple Corps.

El lanzamiento inicial de estas guitarras Telecaster exclusivas en 2017 se limitó a solo 1000 unidades en todo el mundo y está marcado como uno de los modelos más vendidos dentro de la serie. Esta exclusividad, junto con el éxito del documental histórico que presentó el prototipo en «Get Back» en 2021 (una obra de ocho horas que documenta a los Beatles en 1969), contribuyó al interés en esta guitarra y su relanzamiento.

La George Harrison Rosewood Telecaster está inspirada en el instrumento original y la hace más accesible para el músico moderno. Su cuerpo de palisandro con cámaras mantiene el peso bajo mientras agrega resonancia; un mástil en forma de «C» de palorrosa con un radio más moderno de 9,5″ brinda comodidad para todos los estilos de interpretación y sus pastillas Pure Vintage ’64 Telecaster se combinan perfectamente con el palorrosa, mostrando el tono natural de la madera.





The Beatles: «Get Back: The Rooftop Performance»

29 01 2022

El legendario concierto en la azotea de los Beatles finalmente llegó a las plataformas digitales. El nuevo lanzamiento, «Get Back: The Rooftop Performance» presenta el espectáculo completo de 40 minutos, grabado el 30 de enero de 1969. Ha sido remezclado en estéreo y Dolby Atmos por Giles Martin y Sam Okell.

Martin explicó por qué el proyecto no llegó a la caja ampliada de «Let It Be»: “queríamos ponerlo en la caja. Pero ocupaba demasiado espacio. Son 40 minutos, así que no tenía ningún sentido. Pero la respuesta a Get Back ha sido extraordinaria”.

Explicó que la recepción del documental lo inspiró a armar un lanzamiento solo de audio. “Siempre pensé que el concierto en la azotea es mejor ser visto y escuchado, en lugar de solo escuchado”, dijo. “[Pero] hubo una solicitud tan abrumadora: ‘¿Por qué no tenemos esto?’ Por eso lo hicimos. Creo que esto es más un documento histórico para los fans. Lo hice para que los fans puedan escuchar todo lo que tengo, de verdad. Corté un poco al final, que básicamente es solo ruido de viento, y eso es todo. Mezclé todo de principio a fin en su totalidad”.

The Beatles Rooftop Performance

Tracklist:

1. Get Back” (Take 1)
2. Get Back” (Take 2)
3. Don’t Let Me Down” (Take 1)
4. I’ve Got a Feeling” (Take 1)
5. One After 909”
6. Dig a Pony”
7. Jam/God Save The Queen
8. I’ve Got a Feeling” (Take 2)
9. Don’t Let Me Down (Take 2)
10. Get Back (Take 3)





Del documental «The Beatles: Get Back»: ensayo de «I’ve Got A Feeling»

15 11 2021
The Beatles - Get Back (1969 Rehearsals) - YouTube

Se ha lanzado el primer vídeo que se extrajo directamente del documental The Beatles: Get Back de Peter Jackson, que llegará a finales de este mes. En el adelanto de un minuto y medio, se puede ver a los Fab Four reunidos íntimamente en el estudio para un ensayo del tema I’ve Got A Feeling.

Al igual que el tráiler lanzado recientemente, se puede ver al grupo empuñando algunos de sus instrumentos más icónicos. John Lennon se coloca detrás de su Epiphone E230TD Casino de 1965, mientras que se puede ver a George Harrison tocando su Gibson Les Paul Standard “Lucy” de 1957.

El documental, que se estrenará el 25 de noviembre en Disney +, que se dividirá en tres partes, ha sido ensamblado quirúrgicamente por el director utilizando clips de audio nunca antes escuchados y más de 21 días de metraje en bruto filmado durante las sesiones de estudio de la banda en 1969.

«En enero de 1969, un equipo de filmación recibió un acceso sin precedentes para documentar a The Beatles en el trabajo. Esto resultó en más de 57 horas del metraje más íntimo jamás filmado de la banda. El metraje ha guardado durante más de medio siglo. Invisible … hasta ahora».

The Beatles: Get Back está destinado a abordar un punto fundamental de la carrera de los Beatles. No solo seguirá al grupo mientras se apresuran a terminar su último álbum de estudio, Let It Be, sino que también documentará su concierto en la azotea de Savile Row de Londres, su última actuación pública.

The Beatles: Get Back se estrenará el 25 de noviembre en Disney + y se extenderá por días consecutivos hasta el 27 de noviembre.








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