ZZ Top vende su catálogo

23 12 2021

ZZ Top vendieron su catálogo editorial y derechos a BMG y KKR, en un acuerdo por valor de hasta 50 millones de dólares.

No se revelaron todos los detalles de la venta, pero cubre todos los intereses musicales de ZZ Top, incluidos los derechos de publicación de su catálogo completo y los ingresos generados por los derechos de interpretación y grabación. BMG había sido anteriormente coeditor y administrador del catálogo de publicaciones de ZZ Top.

A principios de este año, el bajista de ZZ Top, Dusty Hill, murió a la edad de 72 años. Había sido el bajista de la banda durante más de 50 años. El grupo anunció su intención de continuar, embarcándose en una gira con Elwood Francis.

BMG ha adquirido recientemente los catálogos de Mick Fleetwood, Tina Turner y Mötley Crüe. La venta sigue otras ventas de los catálogos de artistas, muchos de los cuales están valorados en decenas de millones de dólares, algunos incluso alcanzan cientos de millones. La semana pasada, Bruce Springsteen vendió su catálogo a Sony por 500 millones de dólares.





Bruce Springsteen vende su catálogo a Sony por 500 millones

16 12 2021
Bruce Springsteen vuelve a Broadway pero sólo para vacunados | Marca

Según algunas informaciones, Bruce Springsteen ha vendido su catálogo musical a Sony por $500 millones, lo que le ha otorgado al gigante de la música la propiedad de álbumes ganadores de platino como Born In the USA y Nebraska.

Aún no se ha hecho ningún anuncio oficial sobre el acuerdo, que se cerró hace solo unas semanas, según el New York Times. Sony obtiene los derechos de publicación y los masters de más de 300 canciones, 20 álbumes de estudio, 7 EP, 23 álbumes en vivo y más.

A lo largo de su carrera de cinco décadas, Springsteen ha lanzado su música a través del sello Columbia Records de Sony. En algún momento entre finales de los 80 y los 90, se le dió la propiedad de sus primeros discos para animarlo a volver a firmar con el sello.

Billboard informa que Springsteen estaba negociando la venta de su catálogo de música a Sony el mes pasado, además de buscar en su catálogo editorial, que estaba bajo Universal Music Publishing Group.

El acuedo podría ser el más caro hasta la fecha entre un sello y un solo artista. Bob Dylan vendió solo sus derechos de publicación a Universal Music Publishing Group el año pasado por más de $300 millones.

El último álbum de estudio de Springsteen fue Letter To You, de 2020, que no pudo llevar de gira debido a la pandemia.





Diez álbumes (casi) perfectos de los 80’s

25 10 2021
The Joshua Tree', canción por canción

Una vez que la flacidez del rock de los 70 se desvaneció, la próxima década estaba a punto de ser mucho más divertida. Pero, ¿qué hizo exactamente que esta década fuera gloriosa?.

Si tuvieras que echarle la culpa a alguien, una pequeña emisora ​​llamada MTV sería probablemente la principal candidata para hacer que los 80 sucedieran como lo hicieron. Pudimos ver a los artistas interpretar estas canciones, casi se sintió como si hubiera más carne y sangre en todo lo que escuchaste en la radio. Cuando quitas los trucos, estas eran el tipo de canciones que se sentían como algo más…eran canciones que sentían que podían durar mucho, con mensajes que hablaban más a tu alma que a cualquier fan del rock casual. Por mucho que algunos géneros como el hair metal hayan resultado cursis, estas son las canciones que se convirtieron en la banda sonora del futuro. En comparación con el mainstream de los años 90 y más allá, estos son los himnos que tuvieron el poder de sacudir al mundo.

Amazon.com: The Joshua Tree: CDs y Vinilo

1. U2: The Joshua Tree.

Cuando se hablaba de rock en los 80, normalmente había que mirar todo a través de una lente específica. O una banda estaba haciendo rock alternativo, new wave rock, heartland rock, o eran simplemente el tipo de banda de la que te olvidarías una vez que terminara el vídeo. A pesar de que se esperaba que fuera artificial, U2 golpeó al mundo del rock directamente en su herida abierta con The Joshua Tree.

Después de años de ser uno de los mejores actos post punk de discos como War, aquí es donde U2 realmente comenzó a fusionar su sonido con lo que los conocemos hoy, creando texturas de guitarra increíbles en canciones como Where the Streets Have No Name. Aparte de los nuevos afectos, la humanidad en la voz de Bono estaba en marcado contraste con los chicos guapos de la época, sonando como si estuviera al borde de las lágrimas en algunas de estas canciones.

Incluso las canciones que no fueron elegidas como singles todavía golpean con la intensidad de un martillo, desde el intenso tema detrás de Bullet the Blue Sky hasta algunas de las mejores voces de Bono en canciones como Red Hill Mining Town. Este no fue solo un álbum de verano del que te olvidarías el próximo año. Eran canciones que tenían el poder de cambiar el mundo.

Appetite For Destruction : Guns N Roses, Guns N Roses: Amazon.es: CDs y  vinilos}

2. Guns N’Roses: Appetite for Destruction.

Tan pronto como MTV comenzó a triunfar, algunas de las bandas de rock más glamurosas de todos los tiempos lograron ser tocadas como si fueran a lograr la segunda juventud, desde Whitesnake hasta Poison haciendo su debut en la plataforma. Sin embargo, una vez que llegamos al final de la década, Guns N Roses le dió a toda la era del rock la patada en el trasero que merecía.

Formado más como una pandilla que como una banda de rock real, había mucha más musicalidad cruda en Appetite for Destruction de la que encontraría en una banda como Ratt, yendo por solos que se sentían mucho más en sintonía con el rock clásico de los ’70. Si bien aún tenía una actitud amigable con la cámara, el poder estelar de Axl Rose y Slash los convirtió en dos de los titanes de la industria de la música en ese momento, especialmente después de tener éxitos como Sweet Child O Mine.

Las letras también eran mucho más maduras, pasando de canciones sobre el amor a entrar en el vientre de Los Ángeles en Welcome to the Jungle o lo cruda que puede ser la vida en la calle en It’s So Easy o Paradise City. Era hora de que el resto de las banda de hair metal se fueran. La banda más peligrosa del mundo acababa de llegar.

The Smiths: La historia detrás de la portada de The Queen is Dead

3. The Smiths: The Queen is Dead.

Junto con todos los rockeros con laca que se pavonean en MTV, había muchas más caminos por explorar en los años 80. Casi al mismo tiempo que gente como Duran Duran subía en las listas de éxitos, un pequeño género conocido como rock alternativo también estaba comenzando a ver la luz, con bandas como The Pixies y REM en las estaciones de radio universitarias. Si bien la mayoría de estas bandas no alcanzaron su ritmo hasta los años 90, The Smiths se les adelantó con The Queen is Dead.

Habiendo sido los favoritos de la escena del rock británico durante un tiempo, Morrissey y Johnny Marr finalmente encontraron algunas de las mejores canciones de su carrera en este álbum, creando historias de personas que son tan audaces y descaradas como rotas por dentro. Aunque podrías llamarlo un poco exagerado en algunos puntos, pistas como The Boy With the Thorn In His Side y There is a Light That Never Goes Out aprovechan ese lado emocional interno de nosotros mismos que tratamos de mantener en secreto en nuestro día para vive el día.

Eso tampoco es para descartar la forma en que Marr toca la guitarra, quien pone cada nota donde debe estar en canciones como Bigmouth Strikes Again. Si bien algunos Smiths dirían que este fue el principio del fin para el grupo, solo un puñado de bandas alternativas pueden esperar hacer un disco tan prístino.

Back in Black (álbum) - Wikipedia, la enciclopedia libre

4. AC/DC: Back in Black.

Dado que perdieron a uno de los mejores frontman de todos los tiempos, Bon Scott, no había razón para que continuaran sin su voz áspera y desigual. Sin embargo, para nuestra sorpresa, Angus Young no iba a pasar el resto de su carrera musical deprimido.

Con el nuevo cantante Brian Johnson a cuestas, estos australianos se propusieron hacer un álbum que se sintiera como un digno tributo a su hermano caído, que se convirtió en uno de los mejores álbumes de toda su carrera. Tampoco es que el espíritu de Bon no esté vivo y bien representado en este disco, desde el toque de apertura de la campana en Hells Bells hasta canciones como la canción principal que actúa como una celebración de lo que hizo en lugar de un memorial.

Tampoco se detiene en un puñado de elogios, dado que canciones como You Shook Me All Night Long y Shoot To Thrill podrían presentarse como el mejor trabajo de cualquier banda de rock menor si lo hubieran publicado por su cuenta. Tal como está, AC / DC descubrió que la mejor manera de alcanzar la perfección máxima no es intentar replicarla. Se trata de mirar profundamente dentro de ti mismo y encontrar algo de lo que ni siquiera estabas seguro de ser capaz.

Rolling Stone México on Twitter: "'Synchronicity' se estrenó un día como  hoy, pero de 1983. Así The Police cerró su carrera con broche de oro:  https://t.co/vpQqlBOUmr… https://t.co/TCMz6POfKo"

5. The Police: Synchronicity.

Toda la trayectoria profesional de The Police es casi como un feliz accidente. Teniendo en cuenta los orígenes dispares de los que provenían cada uno de estos músicos, es un milagro que obtuviéramos al menos un disco tan bueno como es, y mucho menos cinco. Sin embargo, cuando comenzaron a llegar al final, comenzamos a ver cuán lejos su la música pudo llegar a Synchronicity.

Desde sus inicios punk en el álbum Outlandos D’Amour, este fue el momento en el que Sting finalmente alcanzó la cima de sus poderes de composición, con canciones como Every Breath You Take y Wrapped Around Your Finger siendo algunos de los mejores singles pop de la década. Tampoco escatimó en cosas más cerebrales, ya que las dos canciones principales fueron un extraño viaje musical en sí mismas.

Por supuesto, siempre hay esos pequeños puntos en el radar, como la oda de Andy Summer al abuso infantil en Mother, que tienden a derribar el resto del disco. Por otra parte, esos son los momentos que casi sirven a la fluidez del álbum mucho mejor, casi haciéndote apreciar aún más las partes brillantes del disco. Así que tenemos teclados en algunos de los mejores singles pop de todos los tiempos…y algunos momentos cursis añadidos en buena medida. Sí…este álbum es más o menos de los 80 en pocas palabras.

Screaming for vengeance - Judas Priest - ( CD ) - 売り手: didierf -  Id:117734892

6. Judas Priest: Screaming for Vengeance.

A principios de la década, el metal estaba a punto de evolucionar hacia algo muy diferente de lo que era en los 70. Como las escenas de hair metal y thrash ocurrieron al mismo tiempo, el metal estuvo en una década que tuvo algunos de sus momentos más agresivos y más vergonzosos al mismo tiempo. Incluso cuando las bandas filtraban el metal a través del glam y el punk, Judas Priest se adelantó para mostrarnos cómo se hacía el verdadero metal.

Al llegar a la escena para anunciar la nueva ola de heavy metal británico, Judas Priest creó otra obra maestra para poner junto a British Steel, con algunas de las canciones más agresivas que escribirían en esa década. Desde el primer golpe de Hellion en Electric Eye, te espera un viaje emocionante desde el momento en que comienza este álbum, con cada banda de metal contabilizada.

Tienes la velocidad de Riding on the Wind, la fuerte influencia de Sabbath en Bloodstone e incluso las primeras incursiones en el mundo del pop metal en canciones como You’ve Got Another Thing Comin. Por otra parte, podría haber sido una ganga demasiado para Priest, especialmente considerando los errores que cometerían durante el resto de la década como Turbo. Aún así, es mejor tener al menos uno de estos en su arsenal que no haber alcanzado la perfección en absoluto.

R.E.M. - Murmur (1983) | Exile SH Magazine

7. REM: Murmur.

La mayoría de las grandes bandas de la generación de MTV vivieron y murieron en la imagen que proyectaron en la pantalla. Es por eso que la mayoría de las bandas de los 70 no pudieron ponerse al día cuando el medio cambió…solo tienes que mantenerte al día. Entonces, ¿cómo diablos fue uno de los discos más famosos de principios de los 80 el de una banda que no tenía tanta presencia visual para empezar?.

La estética que buscaba REM en los primeros días parecía la antítesis de lo que se suponía que era el rock and roll, siendo demasiado artística. Sin embargo, cuando realmente escuchas las canciones, todo lo promocional comenzó a desvanecerse lentamente, con los fans cayendo perdidamente por las partes de guitarra tintineantes y el increíble canto de Michael Stipe.

Estos tipos ni siquiera necesitaban letras adecuadas para la mayoría de estas canciones, y Stipe finalmente afirmó que estaba murmurando más de la mitad de las letras de canciones como Radio Free Europe. Sin embargo, mirando hacia atrás, realmente no necesitas entender la letra para entender por qué esto fue tan popular. De vez en cuando, tendrás una banda que tocó la emoción tan bien que la melodía llega directamente a tu corazón.

Álbum Pyromania, Def Leppard | Qobuz: descargas y streaming en alta calidad

8. Def Leppard: Pyromania.

Cuando el hard rock conoció la MTV, terminó pareciendo mucho más caricaturesco de lo que originalmente se convirtió. Si bien las estrellas de la época lograron darnos leyendas de sus géneros como Michael Jackson y Prince, el mundo del hard rock tuvo que conformarse con Billy Idol o Twisted Sister que le dieron su giro a la fórmula del rock. Y luego finalmente nos familiarizamos con un disco de rock con tanta fuerza detrás como cualquier álbum de pop.

Desde las notas iniciales de Pyromania, el sonido del disco es absolutamente gigantesco, cortesía de Mutt Lange. Junto con el talentoso don de Def Leppard para la melodía, la mayoría de estas canciones parecían estar pulidas hasta un brillo absoluto, con partes de guitarra que casi parecen armonizar entre sí debido a lo precisas que son.

Sin embargo, cualquier disco puede sonar bonito…echemos un vistazo a esta lista de pistas. Con solo 10 canciones, Def Leppard cumple su promesa de ser su nueva banda de rock favorita, con canciones que capturan la esencia del rock and roll en su forma más pura, desde el sonido de Rock of Ages hasta el coro casi poderoso de Stagefright…apenas habían pasado de la adolescencia, pero Def Leppard ya tenía el resto del movimiento hair metal arrodillado a sus pies después de este álbum.

Southern Accents | HIGHRESAUDIO

9. Tom Petty: Southern Accents.

Tom Petty no parece recibir suficiente crédito por lo mucho que pudo dominar los años 80. Como venía de ser una leyenda del radio rock en los años 70, había una porcentaje posibilidades de 50/50 de que continuaría su racha ganadora o se hundiera como una piedra. Sin embargo, por el aspecto de la producción de Southern Accents, no habrías puesto tu dinero en un estado legendario.

Dado que originalmente se suponía que iba a ser un álbum doble, las sesiones impulsadas por las drogas paralizaron todo, y Tom eligió lanzar un solo álbum con las mejores pistas. Lo que obtuvimos en cambio fueron algunas de las canciones con un sonido más orgánico que podrían salir de un disco de pop rock. Siendo un claro descendiente de los Bruce Springsteen del mundo, la visión de Petty del corazón de Estados Unidos es a partes iguales cínica y romántica, mostrando los lados más ásperos de las pistas así como los escénicos.

Para cada canción como Spike, hay algo así como la canción principal, que muestra al niño pequeño sin pretensiones debajo de la escritura de Petty, cuya chispa para el rock and roll lo sacó de Gainsville en busca de cosas mejores. Aunque la vida de un perro en fuga puede no ser glamurosa todo el tiempo, no ha dejado de ser poética a medida que pasan los años.

Rush, Permanent Waves (Remastered 2015) in High-Resolution Audio -  ProStudioMasters

10. Rush: Permanent Waves.

Una vez que la era de MTV se aceleró, el mundo del rock progresivo recibió un golpe significativo. Aunque bandas como Yes y Genesis se las arreglaron para hacer la transición a la era de los vídeos musicales bastante bien, la era de los solos de una milla de largo y Emerson Lake & Palmer se habían desvanecido desde hacía mucho tiempo. Incluso cuando la gente estaba emparejando cosas y haciendo todo más simple, Rush mantuvo su complejidad y logró llegar a las listas de todos modos.

A principios de los 80, Permanent Waves es el sonido de este trío canadiense que finalmente descubre qué funciona mejor para el molde de Rush, incorporando todo, desde música reggae hasta canciones de varias partes sin pestañear. Aunque algunas de estas pistas son un poco largas para los estándares de la radio de rock, se necesitaría un oyente atento para escuchar el primer toque de Spirit of Radio y decidir girar el dial.

Al desglosar la letra, este es también uno de los álbumes más emocionales que jamás haría Rush, con Neil Peart lidiando con la idea de la libertad de elección en Freewill y las duras realidades que surgen al tratar de encontrar una conexión humana en Entre Nous. El tema puede parecer severo como el infierno en la primera escucha, pero la música real es una de las más divertidas que tendrás mientras escuchas rock progresivo.





Joe Bonamassa anuncia «Time Clocks» y lanza nuevo single

26 08 2021
Joe Bonamassa

Joe Bonamassa ha anunciado el lanzamiento de su decimosexto álbum de estudio «Time Clocks», que saldrá el 29 de octubre a través de Provogue.

Grabado en los Germano Studios / The Hit Factory de Nueva York y supervisado por el veterano productor Kevin Shirley, el álbum fue mezclado por Bob Clearmountain, quien ha trabajado con The Rolling Stones, Bruce Springsteen, Toto y Bon Jovi.

“Lo que comenzó con la intención de ser un disco en trío se convirtió probablemente en mi disco más aventurero e involucrado hasta la fecha”, dice Bonamassa. La banda de acompañamiento de Time Clocks está formada por ocho músicos.

Bonamassa insinuó un nuevo LP con el lanzamiento de Notches en julio. Ahora el nuevo sencillo es «The Heart That Never Waits»

Al discutir las dificultades de grabar durante la pandemia, Bonamassa reveló hasta qué punto la banda trabajó para romper las barreras de sus métodos de grabación tradicionales. “Nos encontramos en Germano Studios, haciendo música en trío y teniendo que inventar formas de hacer discos cuando el productor de toda la vida está atrapado en Australia debido a restricciones de viaje. A Kevin Shirley se le ocurrió una forma de vincular continentes y consolas donde teníamos literalmente cero latencia. Agregue a Steve Mackey y Anton Fig a la mezcla, algunas máscaras y palabrotas y tendremos Time Clocks».

«Time Clocks» también será el primer álbum de Bonamassa mezclado para utilizar audio espacial con Dolby Atmos y disponible para los fans en Apple Music. La carátula del álbum fue diseñada por Hugh Syme, quien ha trabajado con Rush y Aerosmith, entre otros.

Time Clocks




Morello anuncia nuevo álbum y publica cover con Springsteen y Vedder

4 08 2021

Tom Morello estrenó mundialmente la canción debut de su nuevo álbum «The Atlas Underground Fire» hoy: la versión del guitarrista de RATM de «Highway To Hell» con Bruce Springsteen y Eddie Vedder.

«The Atlas Underground Fire» presenta colaboraciones adicionales con Bing Me The Horizon, Phantogram, Chris Stapleton, Mike Posner, Grandson y más.

Tom dijo sobre la versión: «nuestra versión de ‘Highway To Hell’ rinde homenaje a AC / DC pero con Bruce Springsteen y Eddie Vedder, trayendo esta canción legendaria al futuro. Una de las mejores canciones de rock ‘n’ roll de todos los tiempos cantado por dos de los mejores cantantes de rock ‘n’ roll de todos los tiempos. Y luego dejo caer un solo de guitarra. Gracias y buenas noches». «The Atlas Underground Fire» se lanzará el 15 de octubre a través de Mom + Pop Music.

Hablando sobre «The Atlas Underground Fire» Morello dijo: «Durante el confinamiento no tuve acceso a un ingeniero, así que tuve que grabar todas las partes de la guitarra en la nota de voz de mi teléfono. Esto parecía como una idea escandalosa, pero condujo a una libertad en la creatividad en el sentido de que no podía pensar demasiado en ninguna de las partes de la guitarra y solo tenía que confiar en mis instintos. Este disco fue un salvavidas en un momento difícil que me permitió encontrar nuevas formas de crear nuevas conexiones artísticas globales que ayudaron a transformar un momento de miedo y ansiedad en uno de expresión musical y mermeladas de rock».

«The Atlas Underground Fire» track listing:

01. Harlem Hellfighter
02. Highway To Hell (featuring Bruce Springsteen and Eddie Vedder)
03. Let’s Get The Party Started (featuring Bring Me The Horizon)
04. Driving To Texas (featuring Phantogram)
05. The War Inside (featuring Chris Stapleton)
06. Hold The Line (featuring grandson)
07. Naraka (featuring Mike Posner)
08. The Achilles List (featuring Damian Marley)
09. Night Witch (featuring phem)
10. Charmed I’m Sure (featuring Protohype)
11. Save Our Souls (featuring Dennis Lyxzén of Refused)
12. On The Shore Of Eternity (featuring Sama’ Abdulhadi)





Garbage: nuevo álbum y single

30 03 2021
Shirley Manson confirma nuevo disco de Garbage para 2021 – Rolando Radio

Garbage lanzará su séptimo álbum de estudio, «No Gods No Masters», el 11 de junio a través de Stunvolume / Infectious Music. El primer sencillo del disco, con su respectivo vídeo, «The Men Who Rule The World» ha sido publicado hoy

«Este es nuestro séptimo disco, cuya numerología significativa afectó el ADN de su contenido: las siete virtudes, los siete dolores y los siete pecados capitales», dice la líder de la banda, Shirley Manson, sobre el álbum. «Era nuestra forma de tratar de dar sentido a lo jodidamente loco que es el mundo y el asombroso caos en el que nos encontramos. Es el disco que sentimos que teníamos que hacer en este momento».

«The Men Who Rule The World», el tema de apertura de «No Gods No Masters», es una canción de protesta, una acusación y una llamada a las armas que critica el aumento de la miopía capitalista, el racismo, el sexismo y la misoginia en todo el mundo. Es una clara declaración de intenciones de una banda que todavía cree en el poder de la disidencia, lo que marca la pauta para el resto del disco.

Producido por Billy Bush, las semillas de «No Gods No Masters» se plantaron en el verano de 2018 en el desierto de Palm Springs. El cuarteto se reunió en la casa de uno de los familiares de y armaron el esqueleto del álbum durante dos semanas, improvisando, experimentando y sintiendo las canciones. Luego tomaron esos demos y se separaron antes de conectarse en Los Ángeles para terminar el disco.

Garbage presentará un CD de lujo / versión digital de «No Gods No Masters» con versiones de temas clásicos de David Bowie, Patti Smith y Bruce Springsteen junto con originales de Garbage. La versión de lujo también presenta nuevas voces, con apariciones de Screaming Females, Brody Dalle, Brian Aubert, John Doe y Exene Cervenka. El álbum también estará en las tiendas de discos a partir del 12 de junio como parte de RSD Drops y estará disponible en vinilo rosa de edición limitada, con carátulas alternativas.

Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en 1995, Garbage ha abierto un camino sonoro único, obteniendo elogios de la crítica y acumulando un montón de éxitos, así como siete nominaciones al Grammy, junto con 17 millones de álbumes vendidos.

Garbage anuncian su nuevo álbum, 'No Gods No Masters' - RockZone

Lista de canciones de «No Gods No Masters»:

01. The Men Who Rule The World
02. The Creeps
03. Uncomfortably Me
04. Wolves
05. Waiting For God
06. Godhead
07. Anonymous XXX
08. A Woman Destroyed
09. Flipping The Bird
10. No Gods No Masters
11. This City Will Kill You

Deluxe Edition (bonus tracks)

12. No Horses
13. Starman
14. Girls Talk (feat. Brody Dalle)
15. Because The Night (feat. Screaming Females)
16. On Fire
17. The Chemicals (feat. Brian Aubert)
18. Destroying Angels (feat. John Doe & Exene Cervenka)
19. Time Will Destroy Everything





Eddie Vedder publica «Matter of Time»

25 12 2020
Eddie Vedder Wallpapers - Top Free Eddie Vedder Backgrounds -  WallpaperAccess

El líder de Pearl Jam, Eddie Vedder, lanzará el paquete «Matter Of Time» hoy viernes 25 de diciembre a través de Monkeywrench / Republic Records. Justo a tiempo para Navidad, amplía el conjunto de dos pistas lanzado anteriormente y recopila una serie de canciones y versiones acústicas interpretadas y grabadas a lo largo de 2020. Presenta todas estas pistas juntas por primera vez en una colección completa que también incluye una versión acústica de la canción de Bruce Springsteen, «Growin ‘Up».

Entre las adiciones, el proyecto incluye una poderosa interpretación acústica de «Future Days». La pista originalmente concluyó el décimo álbum de Pearl Jam en 2013, «Lightning Bolt» y también apareció en el exitoso videojuego «The Last of Us Part II» como una despedida conmovedora entre los personajes principales. Mientras tanto, «Matter Of Time» incluye actuaciones caseras llenas de emoción y energía de los clásicos «Porch» y «Just Breathe».

Lista de canciones de «Matter Of Time»:

01. Matter Of Time
02. Say Hi
03. Just Breathe (acoustic at home)
04. Future Days (acoustic at home)
05. Growin’ Up (acoustic at home)
06. Porch (acoustic at home)

La nueva canción de Pearl Jam, «Get It Back», fue lanzada en octubre como parte de «Good Music To Avert The Collapse Of American Democracy Vol. 2». La pista fue compuesta por el batería de Pearl Jam, Matt Cameron, y marcó la primera música nueva de la banda desde el lanzamiento del álbum «Gigaton» en marzo. Producida por Josh Evans y Pearl Jam, se posicionó en el n. ° 1 en la lista Billboard Top Rock Albums. Además, aterrizó en el Top 5 del Billboard 200. A nivel internacional, el álbum debutó en el No. 1 en Italia y Austria, en el Top 5 en Holanda, Suiza, Australia, Alemania, Bélgica, Noruega, Canadá y Finlandia y en el Top 10 en el Reino Unido, Irlanda y Nueva Zelanda.





Queen: The Neal Preston Photographs

20 10 2020

El legendario fotógrafo de rock Neal Preston se unió a Queen como fotógrafo oficial de la gira en una etapa crucial de su evolución hacia una de las mejores bandas de rock de la historia. Preston capturó a Queen en su momento más íntimo y, sin perder el ritmo, comprometido a revelar la pasión y la dedicación de la banda dentro y fuera del escenario. «Queen: The Neal Preston Photographs» es el volumen fotográfico oficial que documenta el ascenso de la banda a la gloria. Preston y los miembros de Queen, el guitarrista Brian May y el batería Roger Taylor, han recopilado más de 300 imágenes, muchas de las cuales nunca antes vistas, para ofrecer una mirada a la emocionante vida de Queen. El libro será publicado el 29 de octubre por Reel Art Press.

Neal Preston se unió a Queen en 1977 después de haber estado de gira con Led Zeppelin. Desde sus comienzos con Queen, Preston tuvo la libertad y el acceso para moverse sin problemas dentro y alrededor de la banda, sin bajar la cámara ni escapar un solo momento de su mirada.

Con aguda habilidad de observación, Preston se familiarizó con cada miembro de la banda, capturando sus personalidades y peculiaridades, y muy pronto se convirtió en uno de su familia, habiendo sido apodado «Linda Lens» por Freddie Mercury.

«Queen me enseñó algo extremadamente importante: lo bueno solo es lo suficientemente bueno, lo grandioso solo es grandioso, pero siempre hay espacio para sobresalir», dijo Preston.

May dijo: «Neal simplemente tiene el don o la habilidad de estar siempre en posición en los momentos adecuados. Se convirtió en parte de la vida de la banda».

«Queen: The Neal Preston Photographs» cubre algunas de las giras más importantes de Queen, desde «News Of The World» en América del Norte en 1977 hasta la gira «Bites The Dust» en América del Sur y la gira «Gluttons For Punishment» en América del Sur en 1981 , Live Aid en 1985 y finalmente la gira «The Magic», Europa, 1986, la última gira de Mercury con la banda. Cada fotografía de la banda en el set es una explosión de movimiento y sentimiento intenso. Freddie Mercury cruzando el escenario con un maillot de diamantes con una precisión incomparable o la famosa foto de él inclinándose hacia atrás todo lo que podía en Live Aid; la expresión frenética de Roger Taylor en su batería, la confianza fría de Brian May tocando y el vigor serio de John Deacon, hacen que la energía en cada golpe sea palpable.

La dinámica de la banda en el escenario hace que las imágenes parezcan casi coreografiadas. Para los conciertos en vivo, el ojo agudo de Preston logró capturar las poses más icónicas, con humo que se elevaba de manera difusa a través de una luz roja y verde vívida, lo que arrojaba a la banda, particularmente a Mercury con sus atrevidos trajes, en un aura luminosa y humeante. También captó a los miembros de la banda más concentrados, y estas tomas de perfil que capturan la expresión de sus rostros crean una sensación contemplativa en algunos de los momentos escénicos más poderosos.

«Cada gira, desde 1977 en adelante, se hizo cada vez más grande», dijo Preston. «Se habían hecho conocidos por su grandilocuencia, y los fans venían completamente preparados para cualquier cosa que la banda ofreciera».

Preston descubrió que todos los ángulos se adaptaban a Queen. En muchos sentidos, sus fotografías de la banda en vivo son extensiones de la banda detrás de escena, trabajando con cuidado y diligencia todos los días y con un propósito: pruebas de sonido, ensayos, entrevistas, viajes…y fiestas.

«Eran los trabajadores más duros que he visto en una gira», dijo Preston. «Fotográficamente, no podría haber pedido más…las producciones estaban llenas de truenos y relámpagos y lo más grande era definitivamente mejor. Para mí fue como ser un niño en la mejor tienda de dulces y muchas de las fotografías de este libro muestran que así era».

Uno de los momentos históricos más importantes para Queen fue el Live Aid en el estadio de Wembley en 1985; su actuación los establece como las bandas de rock más importantes del siglo. Preston fue uno de los fotógrafos oficiales de Live Aid y fue el único fotógrafo autorizado en el escenario cuando Queen actuó.

Preston es un célebre fotógrafo de rock que ha trabajado en estrecha colaboración con artistas como Led Zeppelin, Queen, The Who, Bruce Springsteen, Fleetwood Mac, Michael Jackson y Whitney Houston. A una edad temprana, Preston ya estaba filmando espectáculos de rock en toda el área de la ciudad de Nueva York, ganando encargos de varias publicaciones. Durante cuatro décadas, su trabajo ha aparecido en innumerables revistas y se ha utilizado en las portadas de cientos de lanzamientos relacionados con la música.

Preston fue fotógrafo oficial en Live Aid en Wembley en 1985 y fue el fotógrafo oficial de la gira de Amnistía Internacional «A Conspiracy Of Hope» en 1988, que incluía a Bruce Springsteen, Sting y Peter Gabriel.

Preston ha tenido una larga asociación con la revista People y ha realizado portadas de Newsweek, Time y Rolling Stone, y muchas más. Ha fotografiado seis Juegos Olímpicos, boxeo, la NBA, la Copa del Mundo de Fútbol, el patinaje artístico profesional y las Grandes Ligas de Béisbol.





Bruce Springsteen anuncia nuevo trabajo con la E Straat Band: «Letter to you»

11 09 2020

Bruce Springsteen ha anunciado un nuevo álbum con The E Street Band, titulado «Letter To You».

El álbum está programado para su salida el 23 de octubre, y es el primero de Springsteen en presentar a The E Street Band desde High Hopes de 2014. Fue grabado en el estudio casero del ícono estadounidense en Nueva Jersey, en menos de una semana.

En una declaración sobre el nuevo single, dijo: “Me encanta la naturaleza emocional de Letter To You. Y me encanta el sonido de la E Street Band tocando completamente en vivo en el estudio, de una manera que nunca antes habíamos hecho y sin sobregrabaciones. Hicimos el álbum en solo cinco días y resultó ser una de las mejores experiencias de grabación que he tenido».

El disco también incluye nuevas grabaciones de tres canciones que fueron descartadas de sus álbumes en la década de 1970, a saber, Janey Needs A Shooter, If I Was The Priest y Song for Orphans.

1. One Minute You’re Here
2. Letter To You
3. Burnin’ Train
4. Janey Needs A Shooter
5. Last Man Standing
6. The Power Of Prayer
7. House Of A Thousand Guitars
8. Rainmaker
9. If I Was The Priest
10. Ghosts
11. Song For Orphans
12. I’ll See You In My Dreams





Dave Grohl ha dicho…

14 05 2020

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Dave Grohl

Dave Grohl, cantante y guitarrista de Foo Fighters, ha reflexionado sobre la situación actual de los conciertos en una columna en el periódico The Atlantic.

«Sé que exactamente dónde debería estar:  FedExField, a las afueras de Washington D.C., con mi banda, Foo Fighters, y 80.000 de nuestros mejores amigos. Íbamos a celebrar el 25º aniversario de nuestro álbum debut», afirmó Grohl.

«Sé que aquellos de nosotros que no trabajamos en hospitales somos los que tenemos suerte, pero aún así, tengo ganas de un buen plato de rock and roll sudoroso, del que te destroza los oídos, en directo y cuanto antes. De ese que te acelera el corazón, que te mueve el cuerpo y que remueve tu alma con pasión. No hay nada como la energía y la atmósfera de la música en directo. Es la experiencia que hace que merezca la pena vivir. Es maravilloso ver a tu músico favorito en el escenario, en carne y hueso, en lugar de como una imagen de una sola dimensión brillando en tu portatil mientras te pierdes en una espiral buceando en Youtube a medianoche. Incluso nuestros superhéroes más queridos se convierten en humanos cuando están en persona«, afirma Grohl, intentando imaginar, también, cómo debió ser ver a Queen en Wembley durante el Live Aid y recordando haber visto a U2 en su «Elevation Tour», como un fan y no como un músico.

Grohl también recordó el momento en el que Bruce Springsteen le mandó una carta escrita a mano después de acudir a un concierto de Foo Fighters. «Recibí una carta de Bruce, escrita a mano en un hotel, donde me lo explicó todo claramente. ‘Cuando miras a la audiencia, deberías verte reflejado en ellos, justo como ellos se ven reflejados en ti‘».

«No es por presumir, pero llevo 25 años teniendo el mejor asiento en nuestros conciertos porque puedo veros a vosotros. Os veo apretados contra las frías vallas de hierro. Os veo haciendo como que tocáis la batería con vuestras canciones favoritas. Os veo levantaros entre la audiencia y que os lleven hasta el escenario en una gloriosa ola para volver después a su sudoroso recibimiento. Veo vuestros carteles hechos en casa y vuestras camisetas antiguas. Escucho a tu hija reír y tus gritos, te veo llorando de emoción. Te he visto bostezar (sí, a ti) y te he visto desmayarte borracho en tu sitio. Te he visto aguantando vientos huracanados, un calor insportable, temperaturas bajo cero. He visto como algunos de vosotros os habéis hecho mayores y habéis tenido hijos. Os veo llevarlos a los conciertos sobre vuestros hombros, con cascos protectores en sus orejas. Y casa noche, cuando le digo a nuestro ingeniero de luces que os ilumine, lo hago porque necesito que el cuarto encoja y unirme a vosotros bajo el brillo fluorescente».

«En el mundo de hoy en día, con el miedo, la incomodidad y la distancia social, es difícil imaginar compartir experiencias como esas de nuevo. No sé cuándo será seguro volver a cantar codo con codo desde el fondo de tus pulmones, con los corazones acelerados, los cuerpos moviéndose y las almas repletas de vida. Pero sé que lo haremos de nuevo porque es algo que tiene que suceder. No es una opción. Somos humanos. Necesitamos momentos para asegurarnos de que no estamos solos. De que somos entendidos. De que somos imperfectos. Y, lo más importante, de que nos necesitamos los unos a los otros».

«He compartido mi música, mis palabras y mi vida con la gente que ha venido a nuestros conciertos. Ellos han compartido sus voces conmmigo. Sin esa audiencia, esa sudorosa y ruidosa audiencia, mis canciones serían solo sonidos. Pero juntos, somos los instrumentos de una catedral sonora, una que construimos juntos cada noche. Una que, seguro, volveremos a construir». 

 

Sé responsable. Sigue tocando. Volveremos a abrazarnos.








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