Queen + Adam Lambert abriran la «Platinum Party At The Palace»

19 05 2022

La BBC y el Palacio de Buckingham dieron a conocer hoy un brillante grupo de artistas del mundo de la música y la danza que se presentarán en el concierto Platinum Party at the Palace que tendrá lugar el sábado 4 de junio en el Palacio de Buckingham, y en vivo en BBC One, BBC iPlayer y Radio BBC 2.

Queen + Adam Lambert, Alicia Keys, Hans Zimmer, Ella Eyre, Craig David, Mabel, Elbow y George Ezra compartirán la configuración de tres escenarios con Duran Duran, Andrea Bocelli, Mimi Webb, Sam Ryder, Jax Jones, Celeste , Nile Rodgers, Sigala y Diversity, todos interpretando sus mayores éxitos en un tributo repleto de estrellas al aniversario sin precedentes de Su Majestad.

Las estrellas del escenario y la pantalla, y del mundo del deporte que aparecerán en el evento y en la película incluirán a Sir David Attenborough, Emma Raducanu, David Beckham, Stephen Fry, Dame Julie Andrews, The Royal Ballet, Ellie Simmonds y una actuación especialmente grabada de Sir Elton John.

Queen + Adam Lambert abrirán el concierto con una producción única muy especial que sin duda traerá recuerdos de la histórica aparición de Brian May en el techo del Palacio en el Concierto del Jubileo de Oro en 2002.

Cerrando el espectáculo de dos horas y media estará la leyenda Diana Ross con su primera actuación en vivo en el Reino Unido en quince años.

Hablando en nombre de Queen + Adam Lambert, Brian May dice: “veinte años después de tocar en el glorioso Jubileo de Oro de Queen, estamos muy contentos de que nos inviten de nuevo. Hubo un momento en el que me pregunté… después del techo del Palacio de Buckingham ¿adónde puedes ir? ¡¡¡Pues… ya verás!!!”





Queen: «The Platinum Collection Coloured Vinyl»

5 05 2022

Lanzada por primera vez en vinilo, la compilación de Queen «The Platinum Collection», que incluye los tres álbumes de «Greatest Hits», muestra su historial inigualable de clásicos del rock y pop que encabezaron las listas de éxitos, ganaron premios y batieron récords. Con cuatro compositores en la banda, Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, Queen creó un glorioso legado de himnos que aún resuenan a lo largo de los siglos, tanto para los fans pasados ​​como para los futuros.

Haciendo honor a su nombre, «The Platinum Collection» fue certificada recientemente por la organización de la industria de la música del Reino Unido como 8 veces platino, lo que representa ventas de 2,4 millones logradas desde su relanzamiento en junio de 2011 como parte de las celebraciones del 40º aniversario de Queen.

El 17 de junio se lanzará el juego de vinilos en color de edición limitada de 6LP en un estuche con ilustraciones completamente nuevas. Cada pieza de vinilo será de un color diferente y vendrá en su propia funda diseñada individualmente. El conjunto también viene con un exclusivo folleto de fotos de 12″ de 24 páginas.

«Queen Greatest Hits», lanzado por primera vez en 1981, es el álbum más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, con más de 6,8 millones de copias vendidas, con ventas globales que superan los 25 millones. Abarcando el primer acto triunfal de Queen, de 1974 a 1980, «Greatest Hits» incluye algunos de los estándares de rock más queridos, incluido el éxito sinfónico «Bohemian Rhapsody» y el deslumbrante «We Are The Champions», que fue nombrado la canción más pegadiza de todos los tiempos por un equipo de científicos en 2011. Pero este álbum también deslumbra con su variedad estilísticamente promiscua, desde la excitante «We Will Rock You», la irónica «Fat Bottomed Girls», «Another One Bites the Dust», inspirado en la música disco de los 70, hasta el homenaje retro-rock «Crazy Little Thing Called Love».

«Queen Greatest Hits II», lanzado originalmente poco antes de la muerte de Freddie Mercury en 1991, ha vendido más de 19 millones de copias en todo el mundo. Abarca de 1981 a 1991, el período en el que Queen dejó caer su famosa regla de no usar sintetizadores y los elevó a nuevas alturas de creatividad. La apertura de su sonido pesado de guitarra para abrazar el funk, la música disco y la electrónica dio como resultado grandes recompensas, transformando a estos antiguos glam rockers de los setenta en un supergrupo brillante, aerodinámico y enfáticamente contemporáneo. Reiniciado y rediseñado, Queen produjo algunos de sus éxitos más inmortales durante esta fase imperial de los ochenta. Construida en torno a una jam de estudio improvisada, su contagiosa colaboración con David Bowie, «Under Pressure», se convirtió en un éxito mundial. La epopeya retro-futurista «Radio Gaga» y la humorísticamente romántica «I Want To Break Free» son testimonios de su temprano dominio de los sintetizadores, mientras que los musculosos riffs de «Hammer To Fall» y las acrobacias de piano de «It’s a Hard Life» son clásicos, tanto sonora como líricamente. Oficialmente el décimo álbum más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, «Greatest Hits 2» también presenta los tiernos sentimientos de «Friends Will Be Friends», las fanfarrias de rock sintético de «One Vision» y el canto del cisne heroicamente desafiante «The Show Must Go On», presentando a Freddie en sus últimos días.

«Queen Greatest Hits III», rara vez disponible en vinilo, presenta sus últimas canciones, los éxitos en solitario de los miembros de la banda y las colaboraciones de la banda con otros artistas, incluidos Elton John, Montserrat Caballé, George Michael y Wyclef Jean.

Sin atenuarse por el tiempo o la moda, «The Platinum Collection» es un recordatorio de que Queen siempre fue colorida, siempre dinámica, siempre ardiendo de pasión y orgullo.

Greatest Hits – LP 1 – Side A
Bohemian Rhapsody 
Another One Bites The Dust 
Killer Queen 
Fat Bottomed Girls

Greatest Hits – LP 1 – Side B
Bicycle Race 
You’re My Best Friend 
Don’t Stop Me Now 
Save Me


Greatest Hits – LP 2 – Side A
Crazy Little Thing Called Love 
Somebody To Love 
Now I’m Here 
Good Old Fashioned Lover Boy

Greatest Hits – LP 2 – Side B
Play The Game 
Flash 
Seven Seas Of Rhye 
We Will Rock You 
We Are The Champions

Greatest Hits II – LP 3 – Side A
A Kind Of Magic 
Under Pressure (Queen + David Bowie) 
Radio Ga Ga 
I Want It All 
I Want To Break Free 

Greatest Hits II – LP 3 – Side B
Innuendo 
It’s A Hard Life 
Breakthru 
Who Wants To Live Forever

Greatest Hits II – LP 4 – Side A
Headlong 
The Miracle 
I’m Going Slightly Mad 
The Invisible Man 

Greatest Hits II – LP 4 – Side B
Hammer To Fall 
Friends Will Be Friends 
The Show Must Go On 
One Vision 

Greatest Hits III – LP 5 – Side A
Queen + Elton John – The Show Must Go On (Live, Theatre National de Chaillot, Paris, 1997) 
Queen + David Bowie – Under Pressure (Rah Mix) 
Freddie Mercury + Montserrat Caballé – Barcelona (Single Version) 
Queen – Too Much Love Will Kill You

Greatest Hits III – LP 5 – Side B
George Michael + Queen – Somebody To Love (Live, The Freddie Mercury Tribute Concert For AIDS Awareness, Wembley, April 1992) 
Queen – You Don’t Fool Me 
Queen – Heaven For Everyone 
Queen – Las Palabras De Amor (The Words Of Love)

Greatest Hits III – LP 6 – Side A
Brian May – Driven By You 
Freddie Mercury – Living On My Own 
Queen – Let Me Live 
Freddie Mercury – The Great Pretender 
Queen – Princes Of The Universe

Greatest Hits III – LP 6 – Side B
Queen + Wyclef Jean – Another One Bites The Dust (Remix) 
Queen – No One But You (Only The Good Die Young) 
Queen – These Are The Days Of Our Lives 
Queen – Thank God It’s Christmas





Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





Taylor Hawkins y su último show con Foo Fighters

29 03 2022
Taylor Hawkins y su último show con Foo Fighters, en Lollapalooza Argentina, el domingo 20 de marzo

Apenas cinco días después de su inolvidable show en la edición argentina de Lollapalooza, Taylor Hawkins, batería de Foo Fighters, falleció en Bogotá, Colombia. En un escueto comunicado de prensa, la banda pidió privacidad, apoyando a la familia de Taylor. Tenía 50 años. La noticia llega con el dolor y el descreimiento de alguien que parecía eterno, por varios motivos. Hawkins forma parte de un particular linaje de baterías con personalidad y sonido propios, un verdadero epítome del rock & roll. Nacido en 1972 en Texas, tomó las baquetas tras los pasos de Neil Peart y John Bonham, respiraba el pavoneo extravagante de Jane’s Addiction, soñaba con la justa cualidad de The Police y le ofrecía un incesante culto al despliegue escénico de Freddie Mercury y Queen. No solo fueron los aporreos a los parches; la excelencia y crudeza de su tono en “Somebody to love”, en el último recital de Foo Fighters en Argentina, va a quedar sellado, no sin tristeza, en la historia grande del rock. 

Incluso antes de eso, sin imaginarlo en ese instante, dejaba todo para cerrar su carrera en vida de forma antológica. En el Hipódromo de San Isidro, se le vió durante una hora y media dándole machaque sin piedad a la batería, como prueba suficiente de su supremacía artística: tanto en la erupción de punk clásico en “Breakout”, la cabalgata veloz de “No Son of Mine”, como también en el groove de los progresivos “The Sky is a Neighbourhood” y “Shame Shame”, hacia el crescendo épico de “My Hero”; Taylor Hawkins mantuvo, como de costumbre, la arquitectura de amplitud necesaria para que Foo Fighters hiciera un espectáculo a la altura de su legado.

Pero todavía faltaba un tramo, y lo mejor estaba por llegar.

Después de los solos, en el vídeo se ve salir a un Hawkins tímido desde la lejanía de su kit, casi fingiendo desinterés. Abraza con fuerza a Dave Grohl, mientras les dice a todos, “Yo fucking amo a Dave Grohl”, y comienza un nuevo evento: primero con el firuleteo vocal de Mercury para calentar sin miedo a más de 90.000 personas, y luego paseándose de principio a fin por todas las notas de una canción imposible para cualquier mortal.

“No, hermano, no otro de estos tipos, por favor”, confesaba Nate Mendel en el documental Back & Forth de 2011 sobre el ingreso de Hawkins a los Foo. Hawkins era un jocoso surfer de Laguna Beach con una enorme sonrisa, diametralmente opuesto a la introspección de ética post-hardcore de Mendel, que apareció en la narrativa de Foo Fighters luego de ser sesionista de Alanis Morisette. No hacía falta demasiado para que muchos entendieran que la canadiense tenía a un monstruo indomable detrás suyo.

Hasta «The Colour and the Shape» de 1997, los Foo eran un ave fénix, intentando con todas sus fuerzas resurgir de las cenizas de Nirvana en Seattle. Ese mismo año, el nuevo baterista y la eventual reubicación del grupo en Los Ángeles terminaron de mutarlos en esa institución del rock universal que se sacó una pesadísima mochila de encima, para así vender millones de discos, hacerse de una decena de Grammys, ser introducidos al Rock & Roll Hall of Fame, y llenar hasta el hartazgo estadios por el mundo.

Aunque el mayor aporte de Hawkins a Foo Fighters extiende su dominio más allá de lo rítmico. Hubo algo sin dudas tridimensional en su persona, de un atractivo físico y aspiracional que destrabó varios elementos vitales para la carrera a largo plazo de los Foo. Grohl encontró rápidamente en él a un hermano, alguien capaz de empatar, o mejor dicho, amplificar su energía y bravura. Hawkins se sentaba con seguridad en la batería y también quería ofrecer un verdadero espectáculo del rock. “Fue Taylor el que estuvo detrás de eso, que toquemos más compenetrados y hacer una puesta en escena que fuera memorable”, dijo el guitarrista Chris Shifflett sobre su compañero.

Grohl y Hawkins en Lollapalooza Argentina, el domingo 20 de marzo

Desde la salida del video de “Big Me”, Grohl ya jugaba abiertamente con el humor, probablemente como reacción a la seriedad y a los fantasmas detrás del fin de Nirvana. “Los videos son avisos comerciales de caramelos”, dijo el cantante y guitarrista para asignarle un sello descontracturado a lo audiovisual, aunque revistiéndolo de cierta raíz irónica. Esa ironía era una destilación, aunque menos bufonesca, de lo que intentó Cobain, sin éxito, decirle a la industria del mainstream: Nirvana a ustedes no les pertenece. 

Con Hawkins en el fondo, Foo Fighters se acomodó en el mainstream, pero sin perder integridad. En ocho discos oficiales, la luz de su ritmo es una pieza central, del cual toma ciertas concesiones, inclusive revelando sus dotes de cantante. Es imposible esquivar su voz en el luminoso “Cold Day in the Sun” de «In Your Honor», como también en el espeluznante cover Foo de “Have a Cigar” de Pink Floyd, y el respeto aural que le confirieron los miembros sobrevivientes de Led Zeppelin cuando se puso al frente del tema «Rock and Roll» en el los premios Kennedy Center Honors. Semejantes inquietudes se consolidaron en el también relevante corpus con su proyecto solista de The Coattail Riders.

Varios obituarios y homenajes remarcan su vitalidad y su energía, esa espada de doble filo que empuñan los mejores paladines del rock, y que les profiere una estampita de eternidad, al mismo tiempo frágil, como una casa de naipes a punto de derrumbarse. Y por eso duele más. “Yo vivo gracias a que toco Rock & Roll”, dijo alguna vez. “Así que no voy a quejarme de nada”.





Queen + Paul Rodgers Live in Ukraine 2008

18 03 2022

En septiembre de 2008, Queen + Paul Rodgers respondieron a una llamada de la Fundación Elena Pinchuk AnitiAids de Ucrania para llegar a los jóvenes del país con el mensaje «No dejes que el SIDA arruine tu vida» tocando un concierto en la histórica Freedom Square de Kharkiv, la segunda ciudad más grande de Ucrania, ante una audiencia en vivo de más de 350.000 personas. Más de 10 millones vieron el programa en vivo por televisión.

La banda recuerda ese evento como “una experiencia inolvidable… una de esas cosas raras en la vida que sabes que nunca olvidarás. Un encuentro en la música, pero también un encuentro para luchar contra una aflicción común…”

En apoyo a Ucrania, Queen regresa a ese concierto histórico con una proyección especial de YouTube destinado a obtener fondos de ayuda internacional. “Queen + Paul Rodgers Live In Ukraine” se reproduce en YouTube el sábado 19 de marzo a las 10 A PDT / 1 P EDT / 5 P GMT. Por favor haga sus donaciones a: ACNUR – La Agencia de la ONU para los Refugiados.

Link al concierto





Yoshiki, de X Japan, dona $87,000 Al Fondo De Asistencia de Emergencia de Crisis Humanitaria de Ucrania

3 03 2022

La legendaria estrella de rock de Japón, Yoshiki, que actualmente reside en Los Ángeles, donó 10 millones de yenes (aproximadamente $87,000) al Fondo de Asistencia de Emergencia para la Crisis Humanitaria de Ucrania y pide a sus fans de todo el mundo que también donen. Junto con sus fans, han recaudado $500,000 en menos de 24 horas. Yoshiki anunció la donación y llamó a la acción en su popular cuenta de Twitter para generar conciencia sobre la necesidad urgente de una acción inmediata en nombre de los afectados por la situación actual en Europa del Este.

Yoshiki es una de los compositores más influyentes en la historia de Japón, vendiendo más de 50 millones de álbumes en todo el mundo como líder de la legendaria banda X Japan, encabezando los escenarios más grandes del mundo, incluido el Coachella (2018), el Wembley Arena de Londres y el principal recinto de Japón, Tokio Dome. Ha colaborado con el productor de Beatles, Sir George Martin, Queen, Sarah Brightman, Bono, Will.i.am y St. Vincent.





Queen termina 2021 muy alto en USA

17 01 2022

Se han conocido algunas estadísticas bastante increíbles para Queen en USA correspondientes al año 2021. Echa un vistazo al informe de fin de año de la banda para ver la multitud de listas en las que aparece la banda en USA, la mayoría de ellas en el top 10…

Catalog Albums – No.1 – ‘Greatest Hits’
Hard Rock Albums Artists – No.1 – Queen
Hard Rock Digital Song Sales Artists – No.1 – Queen
Top Hard Rock Artists – No.2 – Queen
Top Rock Albums Artists – No.3 – Queen
Catalog Artists – No.3 – Queen
Billboard 200 Artists – Duo/Group  – No.4 Queen
Rock Streaming Songs Artists – No.6 – Queen
Top Rock Artists  No.7 – Queen
Top Artists – Duo/Group No.9 – Queen
Rock Streaming Songs #9 – ‘Bohemian Rhapsody’
Billboard 200 Albums Chart #23 –‘Greatest Hits’
Billboard 200 Artist #36 – Queen
Top Artists #69 Queen
Billboard Global #87 – ‘Bohemian Rhapsody’





Live Aid sigue generando records…

29 12 2021
Queen Live Aid Wallpapers - Wallpaper Cave

Para celebrar más de mil millones de visitas en los canales oficiales de Live Aid y Live 8 de YouTube, Band Aid y YouTube han publicado un nuevo vídeo de entrevistas, imágenes raras y documentales sobre el legendario evento musical de julio de 1985…cada vista genera dinero para Band Aid Trust

A treinta años del Live Aid | Dia mundial del rock, Carteles de rock,  Imagenes de rock




Brian May positivo por Covid

19 12 2021
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El guitarrista de Queen, Brian May, dio positivo por covid. El músico de 74 años compartió la noticia en una publicación en sus redes sociales, donde incluyó una foto del resultado positivo de su prueba.

Escribió en un mensaje adjunto: «Sí. El día finalmente llegó para mí. La temida línea roja doble. Y sí, han sido unos días realmente horribles, pero estoy bien. Por favor, ten mucho cuidado. Esto es increíblemente transmisible. Realmente no quieres que arruine tu navidad. Con amor – Bri».

May, que vive en Londres, había atacado en el pasado al primer ministro del Reino Unido, Boris Johnson, por su manejo de la pandemia, y le dijo a The Independent: «creo que hubiera sido imposible que alguien tomara decisiones peores que Boris. Hizo muy poco y demasiado tarde. Cientos, si no miles, de nuestros familiares murieron por malos consejos y por las malas decisiones que tomó Boris con [el exsecretario de salud Matt] Hancock y esas otras personas».

Continuó: «Si [Johnson] hubiera tomado las precauciones de cerrar las fronteras un año antes, no habríamos estado en la situación en la que estuvimos. Y el hecho de que esté dispuesto a intercambiar vidas abiertamente por ganancias económicas, me parece horrible … completamente inaceptable».

May lo comparó con «Winston Churchill saliendo a su jardín y viendo los planos en lo alto y los cuerpos y diciendo ‘¡Las bombas están cayendo! ¡Las bombas están cayendo! ¿Deberíamos escondernos? No, en realidad pensemos en las consecuencias económicas de escondernos … . ‘»

Según la BBC, el viernes se batió el récord diario de casos de coronavirus en el Reino Unido por tercer día consecutivo, con otros 93.000 casos reportados.





«A Life, In His Own Words» disponible en español

16 12 2021

La traducción al español del libro A Life, In His Own Words, el libro que relata la vida de Freddie Mercury, finalmente está disponible en Amazon en versiones tapa blanda (11,59€), tapa dura (318€) o libro electrónico Kindle (8,75€).

A destacar: el libro ha sido traducido, con mucho cuidado y atención, al español neutro (!). Esto se ha hecho para dar acceso al libro a la mayor cantidad posible de fans de habla hispana en todo el mundo.








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