Rhino Records lanzará «Access All Areas: Live» de Whitesnake el 25 de abril.
«Access All Areas: Live«, que consta de seis shows en vivo en ocho CD, captura la emoción pura de Whitesnake en vivo sobre el escenario. Comenzando con «Live… In The Still Of Night», el legendario cantante de rock David Coverdale se une a Doug Aldrich y Reb Beach en la guitarra principal, el batería Tommy Aldridge y Marco Mendoza en el bajo. Grabado en el icónico Hammersmith Apollo de Londres en 2004, el set incluye los grandes éxitos de MTV «Is This Love», «Here I Go Again» y «Still Of The Night».
«Live… In The Shadow Of The Blues» en CD2 y CD3 fue grabado en la gira mundial de 2006, y se remonta a los primeros días de la banda con «Don’t Break My Heart Again» y «Take Me With You». «Made In Japan» encuentra a la banda encabezando el gran festival Loud Park en Japón en 2011, en los CD 3 y 4. «Made In Britain» captura, como era de esperar, a la banda en la tierra natal de David durante la gira «Forevermore» en 2011. «The World Record» también fue capturado en 2011 en la gira «Forevermore», que incluye éxitos como «The Deeper The Love», así como el nuevo favorito en el escenario «Can You Hear The Wind Blow».
Este set de ocho discos termina justo donde comenzó la odisea musical de David, con «The Purple Tour». Ahora, acompañados por el guitarrista principal Joel Hoekstra, Whitesnake toca con fuerza canciones de los primeros días de la carrera de David con Deep Purple, entre las que se incluyen «Burn», «The Gypsy», «Mistreated» y «Soldier Of Fortune».
Nota: todo el material se publicó anteriormente en los siguientes sets:
«Live… In The Still Of The Night» DVD/CD (Disco 1)
«Live… In The Shadow Of The Blues» 2CD (Discos 2+3)
«Made In Japan» 2CD/DVD (Discos 4+5)
«Made In Britain»/»The World Record» 2CD (Discos 6+7)
El nuevo Blackstar DA100 Ruby es el resultado de una colaboración entre el fabricante y el virtuoso de la guitarra Doug Aldrich. Este amplificador es superpotente y podría convertirse en la máquina de rock ‘n’ roll definitiva.
Doug Aldrich debería resultarte familiar, pero para aquellos que viven bajo una piedra, echemos un vistazo. Con una larga carrera en bandas como Whitesnake, Dio y el supergrupo de rock de estrellas The Dead Daisies, Doug se ha ganado hace tiempo un lugar en la era del rock.
Se asoció con Blackstar hace un tiempo y ha estado tocando un HT Stage 100 con válvulas EL-34. Después de crear numerosos productos exclusivos, ahora ha creado su primer amplificador, el DA100 Ruby.
El Blackstar DA100 Ruby ha sido ajustado específicamente según los deseos de Doug y probado en escenarios de todo el mundo. El amplificador está diseñado para soportar incluso las condiciones más exigentes. Además, Doug es conocido por tocar amplificadores modificados durante años, principalmente amplificadores Marshall antiguos. Dice que el DA100 suena exactamente como los amplificadores que siempre ha modificado. ¡Listo para el rock!.
En el corazón del DA100 Ruby late un enorme festival de válvulas de estilo británico. El amplificador viene equipado con 4x EL34 y 2x ECC83. Podrás elegir entre tres voces: limpia, OD1 y OD2. Todas son conmutables mediante pedal. El bucle de efectos también se puede conmutar con el pie para una mayor flexibilidad.
Una de las características más potentes del DA100 Ruby es la función Infinite Shape Feature (ISF), que los fans de Blackstar conocen desde hace mucho tiempo de otras series de amplificadores. Con este control, puedes marcar sin problemas el sonido desde un tono «americano» hasta un sonido «británico» clásico y todo lo demás.
Otra característica ingeniosa es el circuito de reducción de potencia conmutable. Esto le permite reducir la potencia del amplificador a tan solo el 10% de su potencia nominal, por lo que obtendrá un sonido espectacular a niveles aptos para el vecindario.
No es de extrañar que el DA100 Ruby también venga con conectividad profesional. Puedes conectarlo como una interfaz de audio USB de baja latencia para tus grabaciones y hay una D.I. XLR para uso en vivo. Es posible realizar una edición extensiva con el software CabRig de Blackstar.
Leo comenzó estudiando ingeniería química y tocando música clásica con el clarinete en Belgrado, Serbia, pero a mediados de los 90, sus pasiones lo llevaron al rock and roll, las guitarras eléctricas y un nuevo hogar en el sur de California. En un pequeño taller allí, durante los últimos 25 años, ha estado creando obsesivamente guitarras extraordinarias que son coleccionadas y tocadas por artistas exigentes como Richard Fortus de Guns N’ Roses, Phil X de Bon Jovi, Doug Aldrich de Whitesnake y Warren Cuccurullo.
Cada detalle de cada guitarra está concebido, personalizado y hecho a mano obsesivamente. Trabajando, en espíritu, junto al audaz inventor que originalmente diseñó la Theodore en la década de 1950, Scala se centró en los materiales y las técnicas de ese período y comenzó a experimentar y repetir como si los diseños ahora icónicos fueran completamente nuevos y luego estuvieran sujetos a setenta años de uso y modificaciones instaladas por el propietario.
«Cuando construyo una guitarra, no estoy construyendo una guitarra», dice Scala. «Primero estoy construyendo un botón. Luego estoy bobinando las pastillas. Estoy 100% concentrado en todos y cada uno de esos detalles. Construyo un montón de pequeñas cosas diferentes. La guitarra es solo un lugar donde todo se junta».
Aunque sus guitarras tienen el impacto visual de una escultura, la apariencia nunca es lo más importante para Scala. «Siempre es el sonido», dice. «Puede ser extremadamente llamativa, pero si la agarras y no hace lo suyo, entonces simplemente te pierdes el punto principal. No es arte que deba colgarse en una pared; es una obra de arte escénica”.
Muchas de las especificaciones comunes incluyen un cuerpo de aliso con tira central de nogal, mástil de caoba con diapasón de palisandro de la India, perfil en C, moldeado y redondeado según las personalizaciones de Leo Scala. Clavijero Kluson envejecidos a mano con botones blancos. Pastillas de bobinado manual Retrophonic personalizadas de Leo Scala: mástil P-90 Retrophonic; puente humbucker estilo Vault ‘58 con patente solicitada de Retrophonic. Cordal Bigsby B7 Vibrato, modificado a medida para rotación completa del brazo. Herrajes de níquel envejecidos por Master Artisan. Botones speed negros con indicadores de dial. Estuche rígido G&G personalizado con herrajes envejecidos Leo Scala y logotipo de Gibson bordado en oro en el interior. Caja con forma de clavijero con certificado de autenticidad hecho a medida.
Cada modelo tiene unas características únicas y, como tales, tienen un precio de 15.999$.
Peavey está “reviviendo un clásico para la era moderna” al marcar el regreso de su serie Vandenberg Signature con tres nuevos acabados. La gama busca mezclar nostalgia con modernidad y le da un toque contemporáneo a la guitarra clásica de culto de Adrian Vandenberg.
Los modelos están disponibles en una selección de acabados Rock-It Pink, Purple Flame (que en realidad es rojo) y un Matte Black. Cada variación viene equipada con un puente flotante Floyd Rose y pastillas Seymour Duncan. En particular, el modelo Purple Flame tiene humbuckers gemelas, mientras que las opciones Pink y Black ofrecen pastillas de bobina simple en el mástil.
La guitarra incorpora herrajes negros como opción para los modelos rosa y negro. La construcción Purple Flame, que cuenta con una tapa de arce acolchada, destaca por sus herrajes dorados.
Tanto para el cuerpo como para el mástil, el trío utiliza caoba de alta calidad, mientras que el ébano es la madera elegida para los diapasones. En cuanto al tamaño, comprenden una longitud de escala de 24,75″ y un radio de 15″. Esos diapasones están adornados con incrustaciones de la firma Vandenberg, y con incrustaciones de diamantes rojos el modelo negro mate.
Todos cuentan con pastillas Seymour Duncan, que Peavey cree que pueden ofrecer una “paleta tonal que abarca desde pistas abrasadoras y de alta ganancia hasta limpios dinámicas y matizadas”. Hay un selector de tres posiciones y un control de volumen, nada más.
La pastilla del puente es la Seymour Duncan TB-6 en todas ellas, aunque, como se mencionó anteriormente, se ofrecen dos opciones de pastillas para el mástil: hay una STK-S6 Custom Plus en los modelos Matte Black y Rock-It Pink, y una una SH-6 en la Purple Flame.
Los modelos Vandenberg originales se lanzaron a finales de los años 80 y comprendían un cuerpo de álamo con un mástil de arce de dos piezas. “La reintroducción de la Vandenberg Signature Series es una celebración no sólo de una guitarra innovadora, sino también del viaje de un artista influyente”, dice Peavey. El guitarrista holandés saltó a la fama a principios de los años 80 con su banda autodenominada Vandenberg.
Más tarde se uniría a Whitesnake. También coescribió el álbum de platino de la banda, Slip of the Tongue, lo cual lo llevó a compartir tareas con Steve Vai.
Fabricadas según sus especificaciones y probadas en carretera a lo largo de los años, las guitarras Vandenberg se han vuelto muy codiciadas en el mercado de reventa. Ahora el codiciado modelo de los años 80 está de vuelta. Reviviendo un clásico con una combinación perfecta de nostalgia de los 80 y prestaciones modernas.
“A medida que pasaban los años, la gente seguía preguntándome si tenía alguna guitarra Peavey Vandenberg y si me separaría de ella”, dijo Vanderberg sobre el regreso de la guitarra. “Nunca me molesté en responder. Y luego empezaron a aparecer grupos de Facebook en homenaje a la guitarra, y vi a todos estos fans. Entonces, finalmente, Peavey se acercó a mí para traerla de vuelta hace aproximadamente un año; Dije: ‘Sí’ y comenzamos a trabajar en ello. Esa guitarra ha cobrado vida propia, algo que ciertamente nunca esperé”.
Las guitarras exclusivas de Vandenberg estarán disponibles para ordenar pronto. Se venderán por $2.999.
(de izq. a dcha.) Flea, Anthony Keidis, Jack Sherman y Cliff Martinez, 1984
El álbum debut de Red Hot Chili Peppers, la piedra angular de su discografía, esconde en sus orígenes una saga de evolución musical, determinación y una audaz fusión de géneros que sentó las bases para su eventual ascenso dentro de la industria musical.
El nacimiento del álbum es fruto de un trabajo espontáneo. La sinergia que fluyó entre Anthony Kiedis, Jack Sherman, Flea y Cliff Martinez durante las sesiones de grabación fue sorprendente. Aparentemente, la totalidad del álbum se grabó en una sola toma, capturando un nivel de química y cohesión que se convertiría en sinónimo de la identidad de la banda. La unidad casi surrealista que impregnaba cada una de las 11 pistas fueron los primeros recuerdos de la agrupación que más adelante se convertiría en un icono del funk rock.
“Aquellas sesiones de prueba fueron, con diferencia, las grabaciones más productivas e inspiradas que hemos hecho nunca”, recordó Anthony Kiedis en sus memorias, Scar Tissue.“En los últimos 20 años, nunca habíamos llegado a un momento en el que hubiera tanta magia y unidad. Estábamos en la zona. Todo se grabó en una sola toma y todo fue perfecto”.
Antes de grabar su nombre en la historia de la música como Red Hot Chili Peppers, la banda había probado infinidad de seudónimos. Su primera aparición en directo fue bajo el nombre de Tony Flow And The Miraculously Majestic Masters Of Mayhem y marcó el inicio de su expedición artística. Cuando se transformaron en los icónicos Red Hot Chili Peppers, se produjo una radical metamorfosis sonora. La fusión de funk, del hardcore punk y el característico estilo rap de la voz de Kiedis convergieron para definir el multifacético tapiz de su expresión musical.
“Nuestro sonido se basaba en la batería de Jack Irons y la guitarra de Hillel Slovak”, recuerda Kiedis en Scar Tissue. “No era que fueran tipos incidentales, formaban nuestra onda, éramos un equipo…yo pensaba: ‘vale, mi vida se ha acabado, mi causa está perdida’”.
La partida de los miembros fundadores Slovak (quien más adelante regresaría a la banda) e Irons supuso un obstáculo inesperado. La banda había firmado un acuerdo de siete álbumes con EMI America en noviembre de 1983, sin embargo, ambos artistas ya se habían comprometido con su otro proyecto musical, What Is This?, y con otra discográfica. Esto supuso un gran cambio en la formación de la banda, justo cuando la creación de su primer álbum ya estaba sobre la mesa.
Ante la incertidumbre, la resolución pragmática de Flea guió la transformación de RHCP. La incorporación del batería Cliff Martinez inyectó un nuevo dinamismo a la sección rítmica, reflejando su bagaje, que incluía colaboraciones con grupos tan aclamados como The Dickies y Captain Beefheart. La búsqueda de un nuevo guitarrista culminó con la llegada de Jack Sherman, cuya interacción con Flea y Martinez reavivó el espíritu creativo de la banda.
Pero no todos compartían el mismo sentimiento. En declaraciones recientes, Flea señaló su deseo por regrabar el álbum a pesar de ser un trabajo que contiene varios de sus mayores éxitos. “Siempre he querido repasar y volver a grabar aquel álbum, pero nunca he podido comentárselo a nadie”, comentó el bajista.
La elección de Andy Gill, el célebre guitarrista de Gang Of Four, como productor del álbum fue un guiño deliberado a su influencia en la dirección artística de la banda. Sin embargo, dentro de los confines del estudio, la convergencia de la búsqueda de un sonido pulido por parte de Gill chocó con la energía cruda y desenfrenada de la banda. Esta tensión entre la visión del productor y la autenticidad innata de los Chili Peppers se convirtió en un aspecto definitorio del carácter del álbum. Aunque marcada por momentos de discordia, esta colaboración forjó un paisaje sonoro que se hizo eco tanto de la innovación como de la lucha artística.
sesiones de grabación con Andy Gill
“Recuerdo estallidos de felicidad durante ese periodo», recordó Kiedis. “Las nuevas canciones como ‘Buckle Down’, ‘True Men [Don’t Kill Coyotes]’, ‘Mommy Where’s Daddy’ y ‘Grand Pappy Du Plenty’ sonaban emocionantes y geniales. Pero me sentí terriblemente decepcionado cuando oí las mezclas de ‘Get Up And Jump’, ‘Out In LA’, ‘Green Heaven’ y ‘Police Helicopter’. Se convirtió en una auténtica batalla grabar el disco”.
El álbum debut de Red Hot Chili Peppers, publicado el 10 de agosto de 1984, no alcanzó grandes cotas comerciales, pero su importancia trascendió las cifras de ventas. Este lanzamiento histórico supuso el nacimiento de un género revolucionario: el punk-funk. Esta mezcla innovadora, que fusionaba a la perfección el fervor rebelde del punk con los ritmos contagiosos del funk, sentó las bases para artistas posteriores como Faith No More y Living Colour.
“Sentí que habíamos aterrizado entre dos picos, en el valle del compromiso”, continuó Kiedis sobre el álbum debut. “No me avergonzaba de él, pero no se parecía en nada a nuestra maqueta original. Aun así, nuestra postura fue: ‘Vale, éste es nuestro primer disco, y sigamos adelante…’”.
Y añadió: “No podía darle demasiada importancia a lo que decían los críticos sobre nuestra música. Teníamos el yin y el yang de las críticas de discos. En cualquier caso, se nos reconocía”.
En el año 1984, cuando se publicaban discos como «Defenders of the Faith» (Judas Priest), «1984» (Van Halen), «Slide it in» (Whitesnake), «Fistful of Metal» (Anthrax) o incluso «Flex-Able» (Steve Vai), los RHCP, muy lejanos de la onda hair metal o guitar hero, esconden, a modo de cierre, «Grand Pappy Du Plenty», un precioso tema instrumental (tal vez sobreproducido al gusto de la época) con notables paisajes sonoros y simplicidad (que no sencillez) asombrosa…
Bernie Marsden, el legendario ex guitarrista de Whitesnake y maestro de la guitarra blues-rock, falleció a los 72 años.
Marsden falleció el jueves 24 de agosto en compañía de su esposa, Fran, y sus hijas, Charlotte y Olivia. En un comunicado de la familia, Marsden “nunca perdió su pasión por la música, escribiendo y grabando nuevas canciones hasta el final”.
Hay muchas cosas que podríamos decir sobre la forma de tocar la guitarra de Bernie Marsden. Sin duda, fue lo suficientemente influyente como para que la Universidad de Buckingham le otorgara una maestría honoris causa en 2015. En la foto, con toga y birrete, parecía encantado con el premio. Pero era extraño verlo sin una guitarra eléctrica en la mano. Sería fundamental para su historia.
Como muchos músicos de su época, Hank Marvin (The Shadows) inspiró a Marsden en el instrumento. Pero fue Eric Clapton quien realmente le abrió los ojos a su potencial. Clapton era lo suficientemente joven como para que Marsden pudiera ver algo de sí mismo en él. George Harrison fue otra influencia principal, al igual que el fallecido Peter Green. Ambos se harían amigos.
Marsden viajaba desde Buckingham a Londres para ver a Fleetwood Mac, ayudándolos a cargar, una buena acción recompensada con una pinta de Green. Eran pájaros del mismo plumaje y era inevitable que permanecieran unidos.
La primera banda destacada de Marsden fue Skinny Cat, formada cuando tenía 17 años. No durarían, pero telonear a Fleetwood Mac, Jeff Beck, Slade y Gary Moore le dieron a Marsden un verdadero gusto por ello..
UFO fue su primer gran concierto: “era ingenuo y estaba verde, y pensé que unirme a una banda profesional y mudarme a Londres iba a ser como la portada de un EP de los Beatles, con todos saltando en el aire y siendo felices. Resultó ser todo lo contrario”, dijo Marsden, quien a menudo tenía que viajar solo a los conciertos. No fue un campamento feliz.
Sin embargo, fue un ascenso. Los siguientes movimientos implicaron tocar en sesión con Mickie Most, tocar con Cozy Powell’s Hammer y luego con Babe Ruth, antes de que Paice Ashton Lord cambiara todo.
Ese fue un gran salto para Marsden, y quizás también para los fans de Deep Purple que tienen en cuenta la evolución estilística de este nuevo proyecto.
«Paice Ashton Lord resultó ser algo pasajero, aunque es una de las mejores cosas que he hecho», dijo Marsden. Él estaba en lo correcto. Grabaría «Malice In Wonderland» con Paice Ashton Lord. Cuando se cerró el telón sobre Paice Ashton Lord, se abrió otro.
Marsden entró con Whitesnake, uniéndose al guitarrista Mike Moody y David Coverdale, y finalmente encontró una salida para su talento. En Coverdale, sabía que tenía a alguien con quien podía trabajar y lo describía como un “hermano sustituto”.
Grabaría cinco álbumes de estudio con la banda, coescribiendo el clásico frío «Here I Go Again» con Coverdale, y «Fool For Your Loving», una canción originalmente pensada para BB King pero que la compañía discográfica tuvo el buen sentido de usarlo para Whitesnake. Ese se convertiría en otro éxito imperecedero.
Lanzaría dos álbumes en solitario durante su tiempo con la banda. Cuando Whitesnake llegó a su fin, Marsden tenía sólo 30 años pero pensaba que estaba acabado. Su amigo Cozy Powell, que fue el padrino de su boda, lo ayudó a convencerse. Marsden formó Alaska, grabando dos álbumes, «Heart Of The Storm» y «The Pack».
Uno de los lanzamientos más importantes de Marsden después de Whitesnake llegó en 1995, cuando rindió homenaje a Peter Green en «Green And Blues». Whitesnake nunca estuvo descartado totalmente. En 2011, volvió al escenario con Coverdale y compañía en el Festival de Rock de Suecia.
Últimamente, Marsden tuvo una carrera profesional, musicalizando el programa de televisión alemán Frankie, colaborando con PRS y Gibson en una guitarra exclusiva, actuando como invitado en discos y escenarios de amigos y grabando el álbum solista «Shine» en 2014.
Su legendaria Gibson Les Paul Standard ‘Burst of his’ de 1959, también conocida como Beast, casi se convirtió en una extensión de su personalidad y legado. No es de extrañar que hubo protestas cuando se consideró la venta de esta a principios de junio. A lo largo de los años, había prestado Beast a amigos selectos; Joe Bonamassa era una de esas manos seguras. Por petición popular, Marsden decidió conservarla. Era apropiado que la Bestia se quedara con él hasta el final.
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