Steve Vai lanza la edición 36º aniversario de Flex-Able

22 05 2022

Recién salido de su residencia de tres años como guitarrista principal en la banda de Frank Zappa, Vai pasó la mayor parte de 1983 en el estudio. Estas grabaciones dieron como resultado el lanzamiento de «Flex-Able» en 1984, que presentó a Vai al mundo como solista. La pista instrumental destacada, «The Attitude Song», apareció en la edición de octubre de 1984 de la revista Guitar Player como la primera hoja de sonido Flexi Disc y rápidamente estableció a Vai como un innovador poderoso de la pirotecnia de guitarra. «Flex-Able» ha servido como una parte integral de la carrera de Vai que allanó el camino para que se uniera a Alcatrazz, la banda de David Lee Roth, Whitesnake, y su segundo álbum de seguimiento, el tour-de-force de platino, «Passion & Warfare». No se escatimaron gastos ni procesos en la restauración y el nuevo lanzamiento de «Flex Able». Fue remasterizado en 2020 por Bernie Grundman usando las cintas master analógicas originales de ¼”.

«Bueno, han pasado más de 36 años desde que salió Flex-Able pero cuando decidí hacer esto tenía 36 años, eh…Me encanta este pequeño disco loco y quería obtener una última masterización actualizada realizada por el mismo Bernie Grundman, quien es quizás el mejor ingeniero de masterización de vinilos. Hicimos todo lo posible para hacer de esta reedición la más alta calidad posible y, al escucharla, siento que la experiencia de audio es superior a la del lanzamiento original. También ofrecemos todo tipo de artículos en el tema Flex-Able en vaimerch.com. Este disco es donde todo comenzó para mí como solista. El apoyo que ha recibido a lo largo de los años es una sorpresa y un deleite…y aquí está en lo que asumo es su remasterización y reenvasado final».

¡Disfruten y gracias!.

Tracklist

1. Little Green Men
2. Viv Woman
3. Lovers Are Crazy
4. Salamanders In The Sun
5. The Boy/Girl Song
6. The Attitude Song
7. Call It Sleep
8. Junkie
9. Bill’s Private Parts
10. Next Stop Earth
11. There’s Something Dead In Here





La lesión del guitarrista de Scorpions obliga al aplazamiento de los shows europeos

12 05 2022
Matthias Jabs

Scorpions se han visto obligadas a posponer los tres primeros conciertos de la etapa europea de su gira mundial de 2022 debido a una lesión no especificada sufrida por el guitarrista Matthias Jabs.

La promotora del concierto anunciará en los próximos días cuándo se realizarán los shows en Lisboa, Portugal (originalmente programado para el 10 de mayo), Toulouse, Francia (13 de mayo) y Lille, Francia (15 de mayo).

El cantante de Scorpions, Klaus Meine, dijo en un comunicado: «lamentamos mucho tener que decepcionar a nuestros fanáticos en las tres ciudades que eran las siguientes en el calendario de nuestra gira mundial 2022 y les pedimos a todos los que ya habían asegurado boletos su comprensión».

A principios de esta semana, Scorpions anunció que regresará a América del Norte en la gira mundial «Rock Believer» con los invitados especiales Whitesnake en la gira de despedida del grupo liderado por David Coverdale.

El último álbum de Scorpions, «Rock Believer», se lanzó el 25 de febrero. El álbum se grabó principalmente en Peppermint Park Studios en Hannover, Alemania, y se mezcló en los legendarios Hansa Studios en Berlín, Alemania, con el ingeniero Michael Ilbert, quien ha obtenido múltiples Nominaciones al Grammy por su trabajo de mezcla con el productor Max Martin en álbumes de Taylor Swift y Katy Perry.





Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





The Dead Daisies anuncian gira europea, próximo álbum en agosto

22 03 2022

The Dead Daisies comenzará su verano con una gira europea masiva. La primera serie de fechas es una combinación de espectáculos en estadios y anfiteatros con Judas Priest, Foreigner y Whitesnake, y espectáculos en algunos de los festivales más famosos, como Graspop Metal Meeting en Bélgica y Hellfest en Francia. El extraordinario batería Brian Tichy se unirá a Glenn Hughes, Doug Aldrich y David Lowy para una dosis masiva de rock, la primera en Europa desde 2018. Desafortunadamente no se ha anunciado ninguna fecha en nuestro país. Estos también serán los primeros shows con esta formación.

The Dead Daisies prometen interpretar sus éxitos, junto con canciones de su último álbum, «Holy Ground», y un par de temas nuevos del próximo álbum.

La banda se encuentra actualmente en Los Ángeles grabando un nuevo LP con el productor Ben Grosse para su lanzamiento en agosto, y el primer sencillo saldrá a fines de mayo para coincidir con la gira. Este será su sexto álbum de estudio.

Dijo Hughes: «hola, queridos, estamos ansiosos por venir a Europa este verano y tocar para todos ustedes una vez más. Hay tantas ciudades hermosas para visitar en el camino. Actualmente estamos haciendo un nuevo disco, así que quién sabe, con suerte ¡también puede traerte un par de canciones nuevas!».

Aldrich agregó: «ya ha pasado demasiado tiempo desde que tocamos en vivo y estoy listo para ir… Pero primero estamos haciendo el nuevo disco, ¡nos vemos pronto! ¡Consigue tus entradas lo antes posible! ¡Vamos por ti!».

«Holy Ground» se lanzó en enero de 2021. Grabado en La Fabrique Studios en el sur de Francia con Grosse, el LP fue el primero de la banda en presentar a Hughes, quien se unió al grupo en 2019 como su nuevo bajista y vocalista, reemplazando a John Corabi y Marco Mendoza.

Fechas de la gira europea:

Jun. 03 – Stadtpark Freilichtbühne Hamburg, Germany (con Foreigner)
Jun. 04 – Spardawelt Freilichtbühne Killesberg Stuttgart, Germany (con Foreigner )
Jun. 05 – Buderus Arena Wetzlar, Germany (con Foreigner)
Jun. 08 – Zitadelle Spandau Berlin, Germany (con Foreigner)
Jun. 10 – Freilichtbühne Peißnitzinsel Halle (Saale), Germany (con Foreigner)
Jun. 11 – Por confirmar
Jun. 13 – Matrix Bochum, Germany
Jun. 14 – Hirsch Nuremberg, Germany
Jun. 16 – Schlossgarten / Schloss Bruchsal, Germany (con Foreigner)
Jun. 18 – Hellfest Clisson, France
Jun. 19 – Graspop Festival Dessel, Belgium
Jun. 22 – Rockhal Esch-Sur-Alzette, Luxembourg (con Judas Priest)
Jun. 23 – Garage Saarbrucken, Germany
Jun. 25 – God Save The Kouign Fest Penmarch, France
Jun. 27 – Zenith Munich, Germany (con Judas Priest)
Jun. 29 – Conrad Sohm Dornbirn, Austria
Jun. 30 – Komma Woergl, Austria
Jul. 02 – Fabrique Milan, Italy
Jul. 03 – Castello Di San Giusto Trieste, Italy
Jul. 06 – SRC Tasmajdan Belgrade, Serbia (con Whitesnake)
Jul. 08 – Masters Of Rock Vizovice, Czech Republic
Jul. 09 – Hype Park Krakow, Poland
Jul. 11 – Budapest Arena Budapest, Hungary, (con Judas Priest)
Jul. 12 – Dvorana Stozice Ljubljana, Slovenia (con Judas Priest)
Jul. 15 – Faliro Olympic Indoor Hall Athens, Greece (con Judas Priest)
Jul. 17 – Midalidare Rock Mogilovo, Bulgaria (con Judas Priest)
Jul. 18 – Arenele Romane Bucharest, Romania (con Judas Priest)
Jul. 19 – Skenderija Sarajevo, Bosnia (con Judas Priest)
Jul. 26 – Theatre Antique Vienne, France (con Judas Priest)
Jul. 27 – Z7 Pratteln, Switzerland
Jul. 28 – Substage Karlsruhe, Germany
Jul. 30 – Freilichtbuhne Peißnitzinsel Halle (Saale), Germany (con Judas Priest)
Jul. 31 – Rudolf Weber Arena Oberhausen, Germany (con Judas Priest)
Aug. 02 – Brose Arena (Bab Bamberg Arena MBH) Bamberg, Germany (con Judas Priest)
Aug. 05 – Time To Rock Festival Knislinge, Sweden





Nuevo álbum de Michael Schenker Group: «Universal»

4 03 2022

Hay pocos guitarristas de rock en este planeta que hayan tenido una influencia tan duradera en tantos músicos de renombre como Michael Schenker. Con su estilo extraordinariamente fluido, su riqueza inagotable de ideas y su sentido instintivo de melodías, Michael Schenker es una leyenda viviente que, a pesar de su larga y distinguida historia, aún impresiona con su incansable energía y empuje. Comenzó su carrera internacional a principios de la década de 1970 con Scorpions, alcanzó la fama mundial después de unirse al grupo de rock británico UFO y luego continuó sin problemas su excepcional historia de éxito mundial bajo su propio nombre.

Ahora el último álbum de MSG está a punto de ser lanzado, programado para su lanzamiento en Atomic Fire Records el 27 de mayo bajo el nombre programático de «Universal«. Su último trabajo contará con todos los puntos fuertes de este músico excepcional: canciones de primer nivel con melodías de himno, riffs de guitarra pegadizos y solos inspiradores. Como esperábamos de él, Schenker ha vuelto a contar con una serie de prestigiosos compañeros músicos para la grabación de su nueva producción de estudio, entre ellos, como vocalista principal Ronnie Romero, quien también será el frontman de MSG en su próxima gira, Michael Kiske (Helloween) y Ralf Scheepers (Primal Fear), el teclista Steve Mann (Lionheart), los baterías Simon Phillips (Toto, The Who), Brian Tichy (Whitesnake, Foreigner), Bobby Rondinelli (Rainbow) y Bodo Schopf (Eloy), así como los legendarios bajistas Bob Daisley (Black Sabbath), Barry Sparks (Yngwie Malmsteen, Dokken) y Barend Courbois (Blind Guardian, Zakk Wylde), con Tony Carey como invitado muy especial.

Al igual que su predecesor «Immortal» (2021) ha sido producido por Michael Schenker y Michael Voss en Voss’s Kidroom Studio, que se ha convertido en una especie de hogar creativo para Schenker.

«Michael Voss está feliz de esperar hasta que haya desarrollado una idea y se toma el tiempo para conocer realmente la canción, al mismo tiempo que desarrolla ideas para las voces», describe Schenker la fructífera colaboración en la que un engranaje se entrelaza con el otro. «Luego trabajamos juntos en la batería, el bajo y algunas partes del teclado. Siempre tiene muchas ideas geniales bajo la manga».





David Coverdale vende su catálogo a Round Hill Music

14 01 2022
David Coverdale dice que la próxima gira de Whitesnake, es su despedida |  Universal 88.1

Round Hill Music ha adquirido la publicación musical, los derechos principales y los royalties de estos, y celebró un acuerdo de administración a largo plazo para los ingresos por derechos conexos del catálogo de David Coverdale, el legendario líder de Whitesnake y cantante principal de Deep Purple de 1973 a 1976.

Coverdale es un líder de rock icónico mejor conocido por su papel en Whitesnake, de la cual fue miembro fundador. Coverdale también fue famoso y en primer lugar el cantante principal de Deep Purple de 1973 a 1976, apareciendo en sus álbumes «Burn» y «Stormbringer», ambos certificados como oro en el Reino Unido antes de la ruptura de la banda en 1976. Después de esto, Coverdale lanzó dos álbumes en solitario «White Snake» (1977) y «Northwinds» (1978). Después de fundar Whitesnake en 1978, Coverdale estuvo presente en todos sus grandes éxitos, incluido el álbum homónimo multiplatino de 1987 y el álbum de 1989 «Slip Of The Tongue». En 1990, Coverdale coescribió con Hans Zimmer y Billy Idol la canción «The Last Note of Freedom» para la película de Tony Scott, «Days of Thunder».

Las mejores canciones clasificadas por ingresos son: «Here I Go Again», «Crying In The Rain», «Fool For Your Loving», «Is This Love», «Still Of The Night», «Slow An’ Easy», » Burn» y «Storbringer».

Coverdale comentó: «estoy más allá de las palabras para anunciar con alegría que mi catálogo existente de obras, tanto canciones como grabaciones maestras, en el que he estado involucrado en la creación durante más de 50 años, ahora está en manos excepcionalmente seguras con la excelente gente de Round Hill. Tengo muchas ganas de trabajar junto con Josh Gruss y todos en Round Hill para garantizar el legado de mis obras existentes para que las generaciones futuras disfruten».





Dragon Force da rienda suelta a todo su glam ochentero con el vídeo de «Strangers»

26 10 2021
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DragonForce ha obsequiado a sus fans con un video musical completamente nuevo, en el que el cuarteto incluye una cantidad sustancial de parafernalia glam de los 80 en un intento por «rendir homenaje a todo lo de los 80».

Además de presentar algunas pelucas impresionantes y vestimenta apropiada de la época, el video también muestra a los guitarristas residentes de la banda, Herman Li y Sam Totman, hacer todo lo posible en el departamento de las seis cuerdas, y abanderar la era David Lee Roth / Steve Vai de Whitesnake.

Sin duda, los fans de la pista estarán familiarizados con los ejemplos sobrenaturales de navegación por el diapasón y carreras shred alucinantes que se ofrecen, aunque nada puede prepararte para el puro nivel de nostalgia de los 80.

El vídeo cuenta con el aliciente de usar dos modelos individuales de Ibanez Steve Vai, que el mismo Vai usó durante su época con Whitesnake y David Lee Roth, respectivamente.

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Ibanez JEM777 SK
Ibanez JEM777 GMC

Sobre el video, Li explicó: “este video tiene lugar en el mismo mundo de los 80 que nuestro último video (Troopers of the Stars), con el mismo elenco y el mismo director. Cuando Roboshobo [director] presentó el concepto, me interesé de inmediato. Soy un gran admirador de la era de la música glam rock; me encanta el espectáculo, los solos de guitarra y lo cursi entrañable. Creo que a veces se pierde el juego y la gente simplemente recuerda los atuendos locos. Por lo tanto, este video es un homenaje cariñoso a esa época, al mismo tiempo que es auténtico».

En cuanto a cómo Li y Totman usaron algunas de las guitarras más icónicos de Vai, continuó: “Roboshobo nos dijo que consiguiéramos algunas guitarras atractivas que encajaran con el tema del vídeo, y la noche antes de la filmación, estaba entrando en pánico porque todavía no habíamos encontrado ninguna. Entonces, le envié un mensaje a Steve Vai y le dije que estábamos haciendo un video glam rock. Me dijo: «Ven aquí», y cuando llegué, sacó las guitarras que usaba con Whitesnake y David Lee Roth. Recuerdo haber visto estas guitarras en revistas cuando era niño, así que fue increíble poder usarlas en el set. Casi lloré cuando me las entregó».

Acompañando al vídeo está la noticia de que DragonForce se embarcará en una gira por USA y Canadá el próximo año, que contará con Battle Beast y Seven Spires como invitados.

De la gira, que comienza en marzo de 2022, la banda dijo en un comunicado: «estamos muy emocionados de volver a tocar en Estados Unidos y Canadá. Hemos pasado el último año y medio esperando volver para terminar el Extreme Power Metal World Tour. También tenemos algunas sorpresas nuevas. DragonForce siempre quiere más, ¡así que espera un espectáculo aún más grande y loco!».





Diez álbumes (casi) perfectos de los 80’s

25 10 2021
The Joshua Tree', canción por canción

Una vez que la flacidez del rock de los 70 se desvaneció, la próxima década estaba a punto de ser mucho más divertida. Pero, ¿qué hizo exactamente que esta década fuera gloriosa?.

Si tuvieras que echarle la culpa a alguien, una pequeña emisora ​​llamada MTV sería probablemente la principal candidata para hacer que los 80 sucedieran como lo hicieron. Pudimos ver a los artistas interpretar estas canciones, casi se sintió como si hubiera más carne y sangre en todo lo que escuchaste en la radio. Cuando quitas los trucos, estas eran el tipo de canciones que se sentían como algo más…eran canciones que sentían que podían durar mucho, con mensajes que hablaban más a tu alma que a cualquier fan del rock casual. Por mucho que algunos géneros como el hair metal hayan resultado cursis, estas son las canciones que se convirtieron en la banda sonora del futuro. En comparación con el mainstream de los años 90 y más allá, estos son los himnos que tuvieron el poder de sacudir al mundo.

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1. U2: The Joshua Tree.

Cuando se hablaba de rock en los 80, normalmente había que mirar todo a través de una lente específica. O una banda estaba haciendo rock alternativo, new wave rock, heartland rock, o eran simplemente el tipo de banda de la que te olvidarías una vez que terminara el vídeo. A pesar de que se esperaba que fuera artificial, U2 golpeó al mundo del rock directamente en su herida abierta con The Joshua Tree.

Después de años de ser uno de los mejores actos post punk de discos como War, aquí es donde U2 realmente comenzó a fusionar su sonido con lo que los conocemos hoy, creando texturas de guitarra increíbles en canciones como Where the Streets Have No Name. Aparte de los nuevos afectos, la humanidad en la voz de Bono estaba en marcado contraste con los chicos guapos de la época, sonando como si estuviera al borde de las lágrimas en algunas de estas canciones.

Incluso las canciones que no fueron elegidas como singles todavía golpean con la intensidad de un martillo, desde el intenso tema detrás de Bullet the Blue Sky hasta algunas de las mejores voces de Bono en canciones como Red Hill Mining Town. Este no fue solo un álbum de verano del que te olvidarías el próximo año. Eran canciones que tenían el poder de cambiar el mundo.

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2. Guns N’Roses: Appetite for Destruction.

Tan pronto como MTV comenzó a triunfar, algunas de las bandas de rock más glamurosas de todos los tiempos lograron ser tocadas como si fueran a lograr la segunda juventud, desde Whitesnake hasta Poison haciendo su debut en la plataforma. Sin embargo, una vez que llegamos al final de la década, Guns N Roses le dió a toda la era del rock la patada en el trasero que merecía.

Formado más como una pandilla que como una banda de rock real, había mucha más musicalidad cruda en Appetite for Destruction de la que encontraría en una banda como Ratt, yendo por solos que se sentían mucho más en sintonía con el rock clásico de los ’70. Si bien aún tenía una actitud amigable con la cámara, el poder estelar de Axl Rose y Slash los convirtió en dos de los titanes de la industria de la música en ese momento, especialmente después de tener éxitos como Sweet Child O Mine.

Las letras también eran mucho más maduras, pasando de canciones sobre el amor a entrar en el vientre de Los Ángeles en Welcome to the Jungle o lo cruda que puede ser la vida en la calle en It’s So Easy o Paradise City. Era hora de que el resto de las banda de hair metal se fueran. La banda más peligrosa del mundo acababa de llegar.

The Smiths: La historia detrás de la portada de The Queen is Dead

3. The Smiths: The Queen is Dead.

Junto con todos los rockeros con laca que se pavonean en MTV, había muchas más caminos por explorar en los años 80. Casi al mismo tiempo que gente como Duran Duran subía en las listas de éxitos, un pequeño género conocido como rock alternativo también estaba comenzando a ver la luz, con bandas como The Pixies y REM en las estaciones de radio universitarias. Si bien la mayoría de estas bandas no alcanzaron su ritmo hasta los años 90, The Smiths se les adelantó con The Queen is Dead.

Habiendo sido los favoritos de la escena del rock británico durante un tiempo, Morrissey y Johnny Marr finalmente encontraron algunas de las mejores canciones de su carrera en este álbum, creando historias de personas que son tan audaces y descaradas como rotas por dentro. Aunque podrías llamarlo un poco exagerado en algunos puntos, pistas como The Boy With the Thorn In His Side y There is a Light That Never Goes Out aprovechan ese lado emocional interno de nosotros mismos que tratamos de mantener en secreto en nuestro día para vive el día.

Eso tampoco es para descartar la forma en que Marr toca la guitarra, quien pone cada nota donde debe estar en canciones como Bigmouth Strikes Again. Si bien algunos Smiths dirían que este fue el principio del fin para el grupo, solo un puñado de bandas alternativas pueden esperar hacer un disco tan prístino.

Back in Black (álbum) - Wikipedia, la enciclopedia libre

4. AC/DC: Back in Black.

Dado que perdieron a uno de los mejores frontman de todos los tiempos, Bon Scott, no había razón para que continuaran sin su voz áspera y desigual. Sin embargo, para nuestra sorpresa, Angus Young no iba a pasar el resto de su carrera musical deprimido.

Con el nuevo cantante Brian Johnson a cuestas, estos australianos se propusieron hacer un álbum que se sintiera como un digno tributo a su hermano caído, que se convirtió en uno de los mejores álbumes de toda su carrera. Tampoco es que el espíritu de Bon no esté vivo y bien representado en este disco, desde el toque de apertura de la campana en Hells Bells hasta canciones como la canción principal que actúa como una celebración de lo que hizo en lugar de un memorial.

Tampoco se detiene en un puñado de elogios, dado que canciones como You Shook Me All Night Long y Shoot To Thrill podrían presentarse como el mejor trabajo de cualquier banda de rock menor si lo hubieran publicado por su cuenta. Tal como está, AC / DC descubrió que la mejor manera de alcanzar la perfección máxima no es intentar replicarla. Se trata de mirar profundamente dentro de ti mismo y encontrar algo de lo que ni siquiera estabas seguro de ser capaz.

Rolling Stone México on Twitter: "'Synchronicity' se estrenó un día como  hoy, pero de 1983. Así The Police cerró su carrera con broche de oro:  https://t.co/vpQqlBOUmr… https://t.co/TCMz6POfKo"

5. The Police: Synchronicity.

Toda la trayectoria profesional de The Police es casi como un feliz accidente. Teniendo en cuenta los orígenes dispares de los que provenían cada uno de estos músicos, es un milagro que obtuviéramos al menos un disco tan bueno como es, y mucho menos cinco. Sin embargo, cuando comenzaron a llegar al final, comenzamos a ver cuán lejos su la música pudo llegar a Synchronicity.

Desde sus inicios punk en el álbum Outlandos D’Amour, este fue el momento en el que Sting finalmente alcanzó la cima de sus poderes de composición, con canciones como Every Breath You Take y Wrapped Around Your Finger siendo algunos de los mejores singles pop de la década. Tampoco escatimó en cosas más cerebrales, ya que las dos canciones principales fueron un extraño viaje musical en sí mismas.

Por supuesto, siempre hay esos pequeños puntos en el radar, como la oda de Andy Summer al abuso infantil en Mother, que tienden a derribar el resto del disco. Por otra parte, esos son los momentos que casi sirven a la fluidez del álbum mucho mejor, casi haciéndote apreciar aún más las partes brillantes del disco. Así que tenemos teclados en algunos de los mejores singles pop de todos los tiempos…y algunos momentos cursis añadidos en buena medida. Sí…este álbum es más o menos de los 80 en pocas palabras.

Screaming for vengeance - Judas Priest - ( CD ) - 売り手: didierf -  Id:117734892

6. Judas Priest: Screaming for Vengeance.

A principios de la década, el metal estaba a punto de evolucionar hacia algo muy diferente de lo que era en los 70. Como las escenas de hair metal y thrash ocurrieron al mismo tiempo, el metal estuvo en una década que tuvo algunos de sus momentos más agresivos y más vergonzosos al mismo tiempo. Incluso cuando las bandas filtraban el metal a través del glam y el punk, Judas Priest se adelantó para mostrarnos cómo se hacía el verdadero metal.

Al llegar a la escena para anunciar la nueva ola de heavy metal británico, Judas Priest creó otra obra maestra para poner junto a British Steel, con algunas de las canciones más agresivas que escribirían en esa década. Desde el primer golpe de Hellion en Electric Eye, te espera un viaje emocionante desde el momento en que comienza este álbum, con cada banda de metal contabilizada.

Tienes la velocidad de Riding on the Wind, la fuerte influencia de Sabbath en Bloodstone e incluso las primeras incursiones en el mundo del pop metal en canciones como You’ve Got Another Thing Comin. Por otra parte, podría haber sido una ganga demasiado para Priest, especialmente considerando los errores que cometerían durante el resto de la década como Turbo. Aún así, es mejor tener al menos uno de estos en su arsenal que no haber alcanzado la perfección en absoluto.

R.E.M. - Murmur (1983) | Exile SH Magazine

7. REM: Murmur.

La mayoría de las grandes bandas de la generación de MTV vivieron y murieron en la imagen que proyectaron en la pantalla. Es por eso que la mayoría de las bandas de los 70 no pudieron ponerse al día cuando el medio cambió…solo tienes que mantenerte al día. Entonces, ¿cómo diablos fue uno de los discos más famosos de principios de los 80 el de una banda que no tenía tanta presencia visual para empezar?.

La estética que buscaba REM en los primeros días parecía la antítesis de lo que se suponía que era el rock and roll, siendo demasiado artística. Sin embargo, cuando realmente escuchas las canciones, todo lo promocional comenzó a desvanecerse lentamente, con los fans cayendo perdidamente por las partes de guitarra tintineantes y el increíble canto de Michael Stipe.

Estos tipos ni siquiera necesitaban letras adecuadas para la mayoría de estas canciones, y Stipe finalmente afirmó que estaba murmurando más de la mitad de las letras de canciones como Radio Free Europe. Sin embargo, mirando hacia atrás, realmente no necesitas entender la letra para entender por qué esto fue tan popular. De vez en cuando, tendrás una banda que tocó la emoción tan bien que la melodía llega directamente a tu corazón.

Álbum Pyromania, Def Leppard | Qobuz: descargas y streaming en alta calidad

8. Def Leppard: Pyromania.

Cuando el hard rock conoció la MTV, terminó pareciendo mucho más caricaturesco de lo que originalmente se convirtió. Si bien las estrellas de la época lograron darnos leyendas de sus géneros como Michael Jackson y Prince, el mundo del hard rock tuvo que conformarse con Billy Idol o Twisted Sister que le dieron su giro a la fórmula del rock. Y luego finalmente nos familiarizamos con un disco de rock con tanta fuerza detrás como cualquier álbum de pop.

Desde las notas iniciales de Pyromania, el sonido del disco es absolutamente gigantesco, cortesía de Mutt Lange. Junto con el talentoso don de Def Leppard para la melodía, la mayoría de estas canciones parecían estar pulidas hasta un brillo absoluto, con partes de guitarra que casi parecen armonizar entre sí debido a lo precisas que son.

Sin embargo, cualquier disco puede sonar bonito…echemos un vistazo a esta lista de pistas. Con solo 10 canciones, Def Leppard cumple su promesa de ser su nueva banda de rock favorita, con canciones que capturan la esencia del rock and roll en su forma más pura, desde el sonido de Rock of Ages hasta el coro casi poderoso de Stagefright…apenas habían pasado de la adolescencia, pero Def Leppard ya tenía el resto del movimiento hair metal arrodillado a sus pies después de este álbum.

Southern Accents | HIGHRESAUDIO

9. Tom Petty: Southern Accents.

Tom Petty no parece recibir suficiente crédito por lo mucho que pudo dominar los años 80. Como venía de ser una leyenda del radio rock en los años 70, había una porcentaje posibilidades de 50/50 de que continuaría su racha ganadora o se hundiera como una piedra. Sin embargo, por el aspecto de la producción de Southern Accents, no habrías puesto tu dinero en un estado legendario.

Dado que originalmente se suponía que iba a ser un álbum doble, las sesiones impulsadas por las drogas paralizaron todo, y Tom eligió lanzar un solo álbum con las mejores pistas. Lo que obtuvimos en cambio fueron algunas de las canciones con un sonido más orgánico que podrían salir de un disco de pop rock. Siendo un claro descendiente de los Bruce Springsteen del mundo, la visión de Petty del corazón de Estados Unidos es a partes iguales cínica y romántica, mostrando los lados más ásperos de las pistas así como los escénicos.

Para cada canción como Spike, hay algo así como la canción principal, que muestra al niño pequeño sin pretensiones debajo de la escritura de Petty, cuya chispa para el rock and roll lo sacó de Gainsville en busca de cosas mejores. Aunque la vida de un perro en fuga puede no ser glamurosa todo el tiempo, no ha dejado de ser poética a medida que pasan los años.

Rush, Permanent Waves (Remastered 2015) in High-Resolution Audio -  ProStudioMasters

10. Rush: Permanent Waves.

Una vez que la era de MTV se aceleró, el mundo del rock progresivo recibió un golpe significativo. Aunque bandas como Yes y Genesis se las arreglaron para hacer la transición a la era de los vídeos musicales bastante bien, la era de los solos de una milla de largo y Emerson Lake & Palmer se habían desvanecido desde hacía mucho tiempo. Incluso cuando la gente estaba emparejando cosas y haciendo todo más simple, Rush mantuvo su complejidad y logró llegar a las listas de todos modos.

A principios de los 80, Permanent Waves es el sonido de este trío canadiense que finalmente descubre qué funciona mejor para el molde de Rush, incorporando todo, desde música reggae hasta canciones de varias partes sin pestañear. Aunque algunas de estas pistas son un poco largas para los estándares de la radio de rock, se necesitaría un oyente atento para escuchar el primer toque de Spirit of Radio y decidir girar el dial.

Al desglosar la letra, este es también uno de los álbumes más emocionales que jamás haría Rush, con Neil Peart lidiando con la idea de la libertad de elección en Freewill y las duras realidades que surgen al tratar de encontrar una conexión humana en Entre Nous. El tema puede parecer severo como el infierno en la primera escucha, pero la música real es una de las más divertidas que tendrás mientras escuchas rock progresivo.





Whitesnake lanzara una edición 25º aniversario de «Restless Heart»

28 07 2021
WHITESNAKE To Release Restless Heart - 25th Anniversary Edition In October;  "You're So Fine" (2021 Remix) Video Streaming - BraveWords

A raíz del enorme éxito mundial de Whitesnake, el cantante principal de la banda, David Coverdale, se propuso grabar su tercer álbum en solitario en 1995. Sin embargo, el plan se descarriló cuando la presión de su sello discográfico lo obligó a cambiar de rumbo y lanzar «Restless Heart» bajo el sobrenombre de David Coverdale & Whitesnake. A pesar de los cambios, el álbum de 1997 fue un éxito en el Top 40 en el Reino Unido. Sorprendentemente, el disco nunca fue lanzado en los Estados Unidos. Eso cambiará este otoño cuando Rhino presente varias versiones de «Restless Heart», incluyendo una caja de cuatro discos.

«Restless Heart: Super Deluxe Edition» estará disponible el 29 de octubre y ya está disponible para preordenar. La colección de 4CD / DVD presenta versiones recientemente remasterizadas y remezcladas del álbum original, junto con demos inéditas y tomas descartadas de estudio. El DVD incluye videos musicales y una mirada entre bastidores a la realización del álbum con nuevas entrevistas a David Coverdale. El set viene con un libro de tapa dura lleno de fotos raras e inéditas de la época.

Tres versiones adicionales de «Restless Heart» estarán disponibles el mismo día. Primero es una edición de lujo de dos CD que incluye el nuevo remix más el álbum original, recientemente remasterizado. Lo siguiente es una edición de lujo de doble LP impresa en vinilo plateado de 180 grs. que presenta el álbum recién remezclado. Y finalmente, hay una versión de un solo disco que nuevamente presenta el álbum recién remezclado. Además, toda la música estará disponible digitalmente a través de servicios de transmisión.

«Restless Heart: Super Deluxe Edition» se abre con una nueva versión remezclada del álbum que se acerca más al sonido que Coverdale pretendía inicialmente para su nuevo lanzamiento en solitario. Le sigue una versión recientemente remasterizada de «Restless Heart», que incluye los sencillos «Too Many Tears» y «Don’t Fade Away», además de tres bonus tracks del lanzamiento original en japonés del álbum. Entre los músicos destacados se encuentran Adrian Vandenberg, Denny Carmassi, Guy Pratt y, además, el guitarrista Joel Hoekstra y el teclista Derek Sherinian, quienes aportan sus excepcionales talentos.

Los siguientes dos discos revelan cómo evolucionó «Restless Heart», comenzando con las primeras versiones de preproducción de cada pista del álbum hasta las tomas posteriores de esas canciones.

El DVD incluye varios videos musicales («Too Many Tears» y «Restless Heart») más el artículo sobre la creación del álbum. También hay un video EP con las tres canciones relevantes del álbum acústico en vivo de 1997, «Starkers In Tokyo», originalmente solo disponible en Japón.

«Restless Heart: Super Deluxe Edition» track listing:

Disc 1:

Restless Heart: 2021 Remix

01. Restless Heart
02. You’re So Fine
03. Can’t Go On
04. Crying
05. Take Me Back Again
06. Anything You Want
07. Too Many Tears
08. All In The Name Of Love
09. Your Precious Love
10. Can’t Stop Now
11. Woman Trouble Blues
12. Stay With Me
13. Oi (Theme For An Imaginary Drum Solo)
14. Don’t Fade Away
15. Can’t Go On (Unzipped)

Disc 2:

Restless Heart: 2021 Remaster

01. Don’t Fade Away
02. All In The Name Of Love
03. Restless Heart
04. Too Many Tears
05. Crying
06. Stay With Me
07. Can’t Go On
08. You’re So Fine
09. Your Precious Love
10. Take Me Back Again
11. Woman Trouble Blues
12. Anything You Want
13. Can’t Stop Now
14. Too Many Tears ’95 (Live & Drunk in the Studio featuring The Horny B’stards)

Disc 3:

Dancing On The Titanic

Early Arrangements & Getting Drum Tracks in the Studio

01. Restless Heart
02. You’re So Fine
03. Can’t Go On
04. Crying
05. Take Me Back Again
06. Anything You Want
07. Too Many Tears
08. All In The Name Of Love
09. Your Precious Love (Soul Version)
10. You Precious Love
11. Can’t Stop Now (Instrumental Version)
12. Woman Trouble Blues
13. Stay With Me
14. Oi (Instrumental)
15. Don’t Fade Away
16. Snakes Down South (Unreleased Demo)

Disc 4:

Restless Heart: Evolutions

01. Restless Heart
02. You’re So Fine
03. Can’t Go On
04. Crying
05. Take Me Back Again
06. Anything You Want

(Red Light Green Light)

07. Too Many Tears
08. All In The Name Of Love
09. Your Precious Love
10. Can’t Stop Now
11. Woman Trouble Blues
12. Stay With Me
13. Oi (Instrumental)
14. Don’t Fade Away

Disc 5: Restless Heart: DVD-Video

All In The Name Of Love (Fan Video)
Anything You Want (Fan Video)
You’re So Fine (Music Video)
Restless Heart (Fan Video)
Too Many Tears (Music Video)
Don’t Fade Away (Music Video)
Can’t Go On (Acoustic Slideshow)
Restless Heart (Lyric Video)

Starkers Trilogy

Too Many Tears
Can’t Go On
Don’t Fade Away

Behind The Scenes

The Making Of Restless Heart





Scorpions y Whitesnake en el nuevo festival Rock Imperium de Cartagena en 2022

11 07 2021

Nace Rock Imperium Festival, nuevo festival dedicado al rock y al metal en el Levante español. Tendrá lugar los días 24 y 25 de junio de 2022 en Cartagena y espera congregar en torno a 40.000 personas en sus dos jornadas.

Junto a la muralla de Carlos III se encuentra el espectacular Parque de la Cuesta del Batel, emplazamiento inigualable para la ubicación de los dos escenarios principales del festival, por donde pasarán artistas de la talla de Scorpions y Whitesnake con conciertos exclusivos en toda España en 2022. Un recinto que contará con todas las comodidades y servicios para ofrecer una experiencia óptima al público, que podrá disfrutarlo cómodamente con toda la familia.

Además, el tercer escenario se ubicará en el paseo del puerto, junto al Auditorio El Batel, y será aquí donde además de muchas bandas internacionales, podremos descubrir y disfrutar de excepcionales artistas, tanto cartageneros como de toda la región de Murcia.

El elenco de artistas confirmados (por el momento) también incluye a Black Label Society, Doro, Amorphis, Avatar, At The Gates, Jorn, Jinjer, Midnight, The Dust Coda, Injector y 91 Suite.








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