Mad Cool cierra cartel y anuncia los horarios

1 07 2022

La organización del Mad Cool Festival acaba de compartir los horarios al completo de todos los conciertos que se podrán ver en su próxima edición, que tendrá lugar en un recinto ubicado en Valdebebas – Ifema.

Mad Cool Festival 2022 tendrá lugar en Madrid del 6 al 10 de julio y este año contará con figuras internacionales como The Killers, Metallica, Muse, Jack White, Florence + the Machine o Kings of Leon, además de nombres españoles como Viva BelgradoLa M.O.D.A. o St Woods, entre muchos otros.





Mad Cool Festival 2022 cierra su cartel

9 06 2022

Incubus, Mother Mother, Don Broco, CL, Only The Poets, Alyona Alyona, Noisy, Alina Pash, ORSLOK, Jimena Amarillo, b1n0, Florence Arman, Gurriers, Megane Mercury, Gui Aly, Amor Líquido, Mori, Andreew, Miqui Brightside (dj set), Laura Put dj y Mechudo (dj set)… Estas 21 nuevas incorporaciones se suman al cartel de Mad Cool Festival 2022.

Mad Cool Festival, que este año celebra su quinta edición en el recinto de Valdebebas-IFEMA, cuenta con cinco días de conciertos y música para todos los gustos. Todos ellos de la mano de Metallica, Florence + the Machine, Imagine Dragons, Haim, The Killers, Sigrid, Twenty One Pilots, Nathy Peluso, Guitarricadelafuente, Arlo Parks, Pixies, Wolf Alice y más de 150 artistas que hacen que el cartel de Mad Cool Festival 2022 sea histórico.

La banda californiana Incubus se incorpora como nuevo headliner para el viernes 8 de julio. Formada a inicios de los noventa, se ha convertido en uno de los grupos de metal alternativo de referencia. La mezcla más versátil y atrevida de rock, post-grunge, heavy metal, funk, jazz y techno.

Incubus

Incubus se incorpora al line-up del viernes, compartiendo jornada con nombres tan potentes como Muse, St. Vincent, Alt-J, Jamie Cullum, Phoebe Bridgers, Black Pumas, Parcels

Esta nueva incorporación llega tras la cancelación de Queens of the Stone Age, que, por motivos ajenos al festival, se ha visto obligado a cancelar su gira completa. A pesar del esfuerzo realizado durante meses para tratar de mantener la banda en el festival, finalmente no ha sido posible.





Gibson deja ver un prototipo de Modern en manos de Hammett

2 06 2022

El presidente de la marca Gibson, Cesar Gueikian, anunció recientemente que se está trabajando en una versión contemporánea de la misteriosa Moderne después de que los fans vieran a Kirk Hammett tocando un prototipo en el escenario en el Festival BottleRock Napa Valley el viernes pasado (27 de mayo).

En respuesta, Gueikian recurrió a Instagram para confirmar que la guitarra era, de hecho, un nuevo prototipo de Moderne que Gibson ha estado desarrollando con Hammett, aunque sigue siendo un misterio si el modelo será lanzado a producción o no: “Prototipo experimental del laboratorio de Gibson. El concepto desarrollado con Kirk fue «modernizar lo moderno». ¿Lo lanzaremos en el futuro? No sabemos (todavía)”

Conocida como el santo grial de las guitarras coleccionables, la Gibson Moderne se diseñó junto con la Flying V y la Explorer en la década de 1950 como parte de una línea de guitarras eléctricas de aspecto futurista para competir con los modelos cada vez más populares Telecaster y Stratocaster.

Si bien la V y la Explorer finalmente entraron a producción, la Moderne fue tan mal recibida que la producción se archivó, hasta que la compañía de guitarras finalmente decidió lanzar una tirada limitada en 1982. Debido a que se fabricaron muy pocos prototipos en ese entonces y actualmente no hay ninguna Moderne autentificada, el modelo sigue siendo la “gran ballena blanca” del mundo de la guitarra.

Desde entonces, The Moderne ha visto un puñado de reediciones, la primera de las cuales ocurrió durante el NAMM de 2012, que coincidió con el 30 aniversario del lanzamiento oficial de Moderne.

Con la NAMM de este año a solo dos días y siendo 2022 el 40º aniversario de Moderne, queda por ver si Gibson tiene la intención de hacer algún lanzamiento sorpresa.





Edición especial del Cry Baby Kirk Hammett

3 05 2022

No es ningún secreto que a Kirk Hammett le encanta el pedal wah. Sus solos de guitarra en Metallica están literalmente empapados de tonos wah, ya que los usa con gran efecto para hacer gritar sus notas extendidas. Así que no sorprende que haya un nuevo pedal Dunlop Cry Baby Wah Kirk Hammett KH95X.

Hubo algunos modelos firmados a mano del nuevo modelo Dunlop Kirk Hammett KH95X filtrados a principios de abril. Ahora, sin embargo, por fin está en lanzamiento general.

Aparte de esta nueva estética, el modelo es el mismo que el Dunlop Kirk Hammett Signature Wah, con un rango medio extendido y un barrido wah completo.

El precio oficial para este nuevo acabado es de $199.





Papa Het’s Ernie Ball Hardwired Master Core Strings

27 04 2022

Co-desarrollado con James Hetfield de Metallica, el nuevo set Papa Het’s Ernie Ball Hardwired Master Core Strings consiste en un combo de calibre 11-50 nunca antes ofrecido, diseñado para su estilo agresivo. Estos sets exclusivos de edición limitada se encuentran en una caja de hojalata compacta con ilustraciones personalizadas diseñadas por James.

«Con todas las empresas con las que colaboramos, ¡estamos muy orgullosos de estar con Ernie Ball! Para que asuman el desafío de, oye, tengo una idea, ¿puedes hacer esto? ¡Han aceptado el desafío! Yo ¡Estoy súper orgulloso!»–– James Hetfield

Características:
* Combo de calibre nunca antes ofrecido (11, 14, 18p, 28, 38, 50)
* Proporción más pesada de núcleo a envoltura “Master Core”
*Cuerdas enrolladas con acero niquelado mejorado con plasma Paradigm alrededor de un núcleo hexagonal de acero estañado de ultra alta resistencia
*Cuerdas planas de acero estañado de ultra alta resistencia Paradigm
*Sonido más grueso
*Estabilidad de tono añadida





Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





ESP USA Limited Editon Pyrograph Series

13 03 2022

La ESP USA Nosferatu es una guitarra de edición limitada creada como una colaboración entre los luthiers de ESP USA Shop en California y el aclamado artista Dumitru «Dino» Muradian. La obra de arte de esta guitarra se aplica a través de la técnica innovadora y completamente única de Muradian al quemar a mano ciertas partes de la madera, conocida como pirograbado. El diseño de la ESP USA Nosferatu fue creado a mano por Muradian, y las cantidades de este modelo están limitadas a solo 15 guitarras en todo el mundo.

El ESP USA Nosferatu es un instrumento artesanal construido por luthiers experimentados en las instalaciones de ESP USA en North Hollywood, CA, utilizando las mejores maderas y componentes. Basado en la Eclipse, presenta un cuerpo de caoba con tapa de arce, un mástil delgado de caoba en forma de U de tres piezas y un diapasón de ébano con 22 trastes de acero inoxidable extra-jumbo e inlays de bandera dividida. La ESP USA Nosferatu implementa una construcción de escala tradicional de 24,75”. Incluye un juego especial de pastillas Seymour Duncan Black Winter, bobinadas a mano en Seymour Duncan Custom Shop por la legendaria constructora de pastillas Maricela «MJ» Juarez. Completan los componentes un puente de bloqueo TonePros y un cordal, una cejuela de hueso y clavijero Sperzel.

Una vez construida la guitarra, el artista la utiliza como lienzo para su obra de arte. Bajo lentes de aumento, Muradian crea minuciosamente cada pieza de arte de instrumento musical con un nivel sin precedentes de profundidad, dimensión, textura y expresión en cada pieza. La obra de arte está situada tanto en el cuerpo como en el clavijero de la guitarra, aprovechando las dimensiones únicas de cada instrumento para producir una obra de arte que complementa perfectamente su forma.

Dino Muradian comenzó su enfoque en el arte pirográfico en 1965 en su Rumania natal. Partiendo del país en medio de la agitación política en 1983, finalmente emigró a los Estados Unidos. Poco tiempo después, se estableció como un artista serio, haciendo impresionantes reproducciones y retratos quemados en madera, pero pronto se dio cuenta de que las limitaciones de las herramientas típicas, como los soldadores estándar, no le permitirían hacer su mejor trabajo, por lo que creó su propia herramienta de pirograbado, que podría aplicar en diferentes posiciones para sombreado intrincado y otras técnicas precisas. Además de la serie ESP USA Pyrograph, Muradian ha creado obras de arte en varios modelos de guitarra ESP personalizados que se remontan a la década de 1990, y su aclamado trabajo anterior incluye una versión quemada en madera del modelo exclusivo de George Lynch Skulls & Snakes, así como un motivo de calavera de venado en forma de EX que creó para James Hetfield de Metallica.





Meshuggah lanza nuevo single: «Light The Shortening Fuse»

5 03 2022

Los pioneros suecos del tech-metal extremo Meshuggah han lanzado «Light The Shortening Fuse«, el segundo sencillo de su próximo noveno álbum de estudio, «Immutable«.

El nuevo trabajo se grabó en Sweetspot Studios en Halmstad, Suecia; mezclado por Rickard Bengtsson y Staffan Karlsson; y masterizado por Vlado Meller, ganador de múltiples premios Grammy (Metallica, RATM, Red Hot Chili Peppers, System of a Down).

Lleno de sorpresas y, sin embargo, reconocible al instante como el trabajo de la fuerza más idiosincrásica del metal, «Immutable» redefine y rediseña el sonido de la banda a lo largo de más de una hora de la música más estimulante y absorbente que la banda haya hecho jamás. A pesar de los desafíos de los últimos años, los principios progresistas que siempre han informado sus esfuerzos artísticos siguen siendo tan apreciados como siempre.

Para el guitarrista Mårten Hagström, la tarea de embarcarse en otra odisea de tech-metal sin precedentes era imposible de resistir. «Para nosotros, no estaba tan claro que estábamos haciendo un nuevo álbum. Sabíamos que podíamos hacerlo, pero ¿queríamos hacerlo?. Tuvimos que decidir, ¿vamos a hacer esto o qué más vamos a hacer?. Después de una larga, larga discusión, acordamos ciertas cosas. Haríamos un álbum. con la menor cantidad de restricciones posible. Entraríamos e intentaríamos hacer un álbum lo más genial posible, no tener ansiedad al respecto y verlo como una oportunidad. ¿Cómo hacemos de esto un desafío que tengamos ganas de aceptar y superar?. Rápidamente tuvimos un punto de partida. Todos comenzaron a escribir, la pelota comenzó a rodar y de repente estábamos sentados allí, discutiendo cuántas canciones íbamos a tener que cortar».

La banda de metal más inventiva y creativa de los últimos 30 años y una de las más veneradas, Meshuggah ha sido abanderada de la creatividad con visión de futuro en la música pesada a lo largo de su ilustre carrera. Con más de 30 años y ocho álbumes de estudio, los expertos progresivos ampliamente adorados de Suecia han redefinido constantemente lo que significa ser pesado, mientras exhiben una inteligencia feroz que desmiente el peso aplastante de sus riffs. Desde el salvajismo innovador de «Destroy Erase Improve» de 1995 hasta las exploraciones tecnológicas psicodélicas de «CatchyThirtyThree», y el grotesco aerodinámico de «ObZen» y «Koloss», la banda siempre ha estado muy por delante del y claramente sin rival.

Con respecto a la dirección musical de las nuevas canciones, Tomas dijo: «Por supuesto, tenemos un cierto marco en el que todavía queremos sonar como Meshuggah, queremos tener ese sonido característico. Pero dicho esto , en lo que respecta a la música, tratamos de [hacer] lo contrario de lo que AC/DC ha estado haciendo durante 40 años. Así que no estamos tratando de escribir el mismo álbum una y otra vez. Y si tenemos éxito con eso o no, eso depende más de nuestros fans, pero ese es definitivamente el objetivo. Hacemos todo lo posible para encontrar nuevos agarres dentro del marco de lo que se supone que somos, supongo. Tampoco quiero realmente salir de eso. No estamos buscando ser otra banda de repente o algo que no hayamos sido o que no sea fiel a lo que pensamos».

«Immutable» track listing:

01. Broken Cog
02. The Abysmal Eye
03. Light The Shortening Fuse
04. Phantoms
05. Ligature Marks
06. God He Sees In Mirrors
07. They Move Below
08. Kaleidoscope
09. Black Cathedral
10. I Am That Thirst
11. The Faultless
12. Armies Of The Preposterous
13. Past Tense





Metallica: «Dirty Window» del 40th Anniversary Concert

12 02 2022
Metallica Announce 40th Anniversary Takeover Of San Francisco

A continuación se puede ver el vídeo de Metallica interpretando la canción «Dirty Window» el 19 de diciembre de 2021 en el Chase Center en San Francisco, California. El espectáculo fue el segundo de los dos conciertos del 40 aniversario, que formaron parte de «San Francisco Takeover», una celebración de cuatro días en toda la ciudad del 40.º aniversario de la banda que también incluyó un festival de cine, una exhibición de fotografías y una programación seleccionada de espectáculos en lugares más pequeños con otros actos.

Los espectáculos del 40º aniversario marcaron el regreso de Metallica al Chase Center por primera vez desde los conciertos «S&M²» de septiembre de 2019 que también sirvieron como la gran inauguración del lugar. Esos dos espectáculos recaudaron más de $4,1 millones en el transcurso de sus dos noches, y la banda ocupó el puesto número 4 en la lista de giras mundiales de ese mismo año con una recaudación global de $175 millones.

Formada en 1981 por el baterista Lars Ulrich y el guitarrista/vocalista James Hetfield, Metallica se ha convertido en una de las bandas de rock más influyentes y exitosas de la historia, ha vendido casi 120 millones de álbumes en todo el mundo y ha generado más de 2500 millones de reproducciones mientras toca para millones de fans en literalmente los siete continentes. Los varios álbumes multiplatino de la banda incluyen «Kill ‘Em All», «Ride The Lightning», «Master Of Puppets», «… And Justice For All», «Metallica» (comúnmente conocido como The Black Album), «Load «, «Reload», «St. Anger», «Death Magnetic» y «Hardwired… To Self-Destruct«, lanzados en noviembre de 2016 y ocupando el puesto número 1 en 32 países.

Metallica: Dirty Window (San Francisco, CA - December 19, 2021) (MetOnTour  Video Edit) - YouTube




Kirk Hammett anuncia «Portals», su EP instrumental en solitario

8 02 2022
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El guitarrista de Metallica, Kirk Hammett, grabó «Portals», un EP instrumental de cuatro canciones, y celebrará el Record Store Day con su lanzamiento mundial. Disponible en todas las plataformas digitales, en CD y como un EP de vinilo azul marino (que incluye una tarjeta de descarga), podrá recoger una copia en su tienda de discos ese día o hacer un pedido en Metallica.com.

Hammett comenta: «inicialmente, incluso antes de que tuviera la idea de un EP en solitario, me inspiró la necesidad de crear algún tipo de banda sonora para acompañar a The Kirk Hammett Collection para la primera exposición ‘It’s Alive’ en el Museo Peabody Essex en Salem, Massachusetts, 2017. Quería concebir música que sonara en un bucle de fondo mientras la gente caminaba por la exposiciób. Me senté una noche con una progresión y, antes de darme cuenta, todas las partes estaban allí. El concepto inicial de ‘Portals’ comenzó con esa canción. Después de eso, me di cuenta de que podía crear diferentes momentos de la banda sonora. Estas canciones son lo que llamo ‘audio cinematográfico’; estoy creando sonidos y piezas musicales para las películas que se reproducen. en mi cabeza. Con suerte, crearán películas en la cabeza de otras personas de manera similar».

Fiel a su título, «Portals» es una colección de puertas de entrada a destinos musicales y psíquicos. Grabado en todo el mundo, desde Los Ángeles hasta París y Oahu, «Portals» es el resultado de los viajes de la vida de Kirk y una invitación a acceder a su propio mundo interior. Fuertemente influenciado por la música clásica, las bandas sonoras, las películas de terror y tal vez un poco de Ennio Morricone, Kirk quería que el EP abarcara décadas y abordara todo el terror que ama. La idea detrás del EP era que todas las canciones fluyeran entre sí, por lo que confió en todo un elenco de amigos para grabar las cuatro canciones.

Producida por Kirk, «Portals» se compone de las canciones «Maiden And The Monster» y «The Jinn» en la cara A, seguidas de «High Plains Drifter» y «The Incantation» en la cara B. Las dos últimas fueron coescritas con Edwin Outwater, a quien quizás recuerdes de «S&M²«. Outwater también contribuyó con los teclados y dirigió a los músicos orquestales de la Filarmónica de Los Ángeles en «Portals«.

Otros nombres familiares entre los músicos de «Portals» incluyen a los batería Jon Theodore y Abraham Laboriel, Greg Fidelman en el bajo, el arreglista ganador del Emmy Blake Neely y Bob Rock.








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