Flea ha formado parte de una de las bandas más importantes del mundo durante más de cuatro décadas, pero algo que nunca ha hecho en todo ese tiempo es un álbum en solitario.
Eso cambiará el año que viene: el debut en solitario del ícono del bajo está en marcha y el primer sencillo se lanzó esta semana. Se llama «A Plea».
Es un tema de siete minutos, con mucho bajo (¡sorpresa!), que incluye una intro de tres minutos antes de que entre la voz hablada de Flea.
El video, dirigido por Clara Balzary, hija de Flea, es algo, como no, fuera de lo común. En la larga intro, el Chili Pepper se entrega a la mímica antes de realizar impresionantes pasos de baile. Con su cabello rosa y su camiseta amarilla brillante de DUB, el bajista de 63 años luce como el abuelo original del rave.
En una declaración que acompaña al sencillo, Flea declaró: “(Ellos apelan a) el anhelo de un lugar más allá, un lugar de amor, donde pueda expresarme y ser yo mismo. Siempre intento ser yo mismo. No me importa la política. Creo que hay un lugar mucho más trascendente por encima de todo, donde se puede dialogar y que realmente puede ayudar a la humanidad, y a todos a vivir en armonía y productividad de una manera saludable para el mundo. Hay un lugar donde nos encontramos, y es el amor”.
También participan en el sencillo el guitarrista de Tortoise, Jeff Parker, y el percusionista Mauro Refosco, conocido por su trabajo con David Byrne.
Fender ha reproducido minuciosamente la legendaria Stratocaster de 1962 de John Frusciante para su última Limited Edition Masterbuilt Custom Shop.
Ha habido muchas Stratocaster emblemáticas a lo largo de las décadas: la Black Strat de Gilmour, la “Blackie” de Eric Clapton y el modelo 1961 del propio Rory Gallagher, por nombrar solo algunas, y el modelo sunburst de Froosh, muy relicado, está cómodamente a la altura de todas.
Quizás la guitarra eléctrica principal de toda su colección, la ’62 se ha utilizado ampliamente durante sus etapas con los Red Hot Chili Peppers y fue responsable de grabar y llevar al escenario una gran variedad de los mayores éxitos de la banda.
Un aspecto fundamental tanto del aclamado tono de guitarra de Frusciante como del sonido más amplio de RHCP, el modelo 1962 se ha convertido en un sinónimo profundo de su influyente propietario y ahora, por fin, ha sido reproducido por Fender.
Tal vez recuerdes que los rumores sobre una Strat Signature de Frusciante comenzaron a circular en mayo del año pasado, después de que Frusciante fuera visto tocando una réplica de su modelo original.
Más de un año después, finalmente se lanzó una versión Signature de la Strat muy esperada, que marca la primera Fender Signature de Frusciante, pero no se trata de una Signature común. Se trata de una réplica de Custom Shop de primera línea creada por el maestro constructor sénior Paul Waller y, como tal, tiene un precio elevado: $20,000, para ser precisos.
Ese precio se refleja en el nivel de detalle que se ha aplicado a esta réplica. Como enfatiza Fender, «no escatimó en gastos» para recrear cada detalle del material original, desde los golpes y dings en el clavijero y el mástil, hasta el marcado envejecimiento del acabado sunburst.
Naturalmente, la electrónica y la facilidad de ejecución física de la réplica se han modelado a partir del modelo de Frusciante. Eso significa que tiene una «calidad de desgaste singular que normalmente solo se puede conseguir con una guitarra vintage de segunda mano», mientras que las pastillas ofrecen un sistema de cancelación de zumbidos Illitch, como la original.
Debajo de todos los adornos cosméticos, encontrarás un cuerpo de aliso de dos piezas selecto, un mástil de arce y un diapasón de palisandro que ofrece 21 trastes altos y estrechos y un radio vintage de 7,25″.
Otros detalles incluyen clavijas de estilo vintage, una cejuela de hueso, cableado Vintage Strat y un trémolo sincronizado de estilo vintage.
En general, es innegablemente lo más cercano que vas a tener a experimentar la Stratocaster real, que Frusciante compró a fines de la década de 1990, cuando se reincorporó a la banda para la era Californication.
“La guitarra principal que tocaba era mi Strat del 62, que es la misma guitarra que conseguí cuando me reincorporé a la banda en 1998” dijo. «En 1998 no tenía dinero para una Strat, pero les dije que todo lo que tenía era una Fender Jaguar, y sentí que debía tener una Strat para que sonara como la banda. Anthony [Kiedis] y yo fuimos a Guitar Center y me prestó el dinero para comprar una Strat, y fue la que me llamó la atención. Y desde entonces, he tenido muchas otras Strats, de esa época, en general, y esa que estaba allí ese día, nunca he encontrado una mejor que esa”.
Ahora bien, $20.000 no son un precio accesible para la mayoría de los guitarristas, aunque Fender lanzó una versión MIM de la Stratocaster de Mike McCready. ¿Podría pasar algo similar aquí? No hay garantías, por supuesto, pero sería una obviedad para Fender, que reconoce claramente la importancia histórica de esta Stratocaster en particular.
“La Stratocaster de Frusciante está a la altura de las Fender más icónicas de todos los tiempos; poder trabajar en su primer modelo Signature fue un verdadero privilegio”, señala Waller. “Recrear las hermosas imperfecciones de este instrumento no fue una tarea fácil, pero detrás de cada golpe y herida hay una historia y es nuestro trabajo asegurarnos de que la narrativa de esta guitarra se cuente con todo lujo de detalles. Para un instrumento tan restaurado, aún conserva gran parte de su belleza original. Se ha invertido muchísimo trabajo en este proyecto y, si bien gran parte de ello se puede reflejar en sus componentes visuales, todo el equipo está tremendamente orgulloso de cómo funciona este dispositivo”.
Ninguna figura encarna el espíritu vital y liberador del punk rock como Joe Strummer, cuyo trabajo como líder de The Clash y como solista ha inspirado a millones de personas en todo el mundo. Con su infinita curiosidad musical y cultural y su característico rugido gutural, Strummer predicó un evangelio de espíritu de clase trabajadora y compasión ilimitada por sus semejantes. Veintidós años después de su prematuro fallecimiento, las palabras, la música y el exuberante tono Telecaster de Strummer son más resonantes y cruciales que nunca.
The Clash
Junto a sus compañeros de banda en The Clash, Strummer primero ayudó a establecer el modelo para el ruidoso y bullicioso punk de tres acordes, y luego procedió a romper ese molde de maneras cada vez más innovadoras y emocionantes, incorporando de diversas formas Tex-Mex, jazz de Nueva Orleans, gospel y reggae, hip-hop y Motown en temas clásicos como «Rock the Casbah», «Rudy Can’t Fail», «The Magnificent Seven» y «Should I Stay or Should I Go». Más tarde, como solista, su gran pasión por los viajes musicales lo llevaría aún más lejos, hacia epopeyas de varios géneros como «Johnny Appleseed», «Coma Girl» y «Sleepwalk». Por encima de todo, Strummer fue un intérprete extraordinariamente generoso y enérgico, conocido por dar el máximo esfuerzo a los asistentes a sus conciertos. Desde Green Day hasta Red Hot Chili Peppers, innumerables artistas se apoyan en su ejemplo rudo pero que afirma la vida.
La Tele de 1966 de Strummer, altamente modificada y muy desgastada, es tan inconfundible como el propio Joe y la Fender Custom Shop recientemente tuvo el honor de replicar fielmente este instrumento icónico hasta el último detalle. El maestro constructor senior Paul Waller trabajó incansablemente para recrear cada cicatriz, rasguño y marca de guerra. Esto incluyó emular meticulosamente detalles como las pegatinas hechas jirones que Joe puso en la guitarra y una lista de canciones escrita a mano y grabada.
Uno de los detalles más interesantes de la Tele de Strummer fue el cuerpo en sí, que se había desgastado después de años de tocar a alta intensidad y cientos de shows.
Waller explica: “no sólo se gastó el acabado, sino también la madera. Así que el radio ha cambiado a casi un radio Stratocaster en el contorno del brazo, lo cual, si lo piensas bien, es bastante increíble. No hay muchas Telecasters famosas que tengan tanto desgaste en la madera”.
El cuerpo resonante de dos piezas de aliso selecto, el mástil con perfil en “C” impecablemente desgastado de mediados de los años 60 y el diapasón de palisandro, brindan la sensación de tener en la mano una pieza de la historia del punk rock probada en carretera, que refleja todas las características que se encuentran en instrumentos de los años 60. Con un acabado en Super Heavy Relic Aged Black sobre Three-Color Sunburst, incluido un golpeador pintado a juego, todo el desgaste de décadas de gira se recrea perfectamente en esta edición limitada. Cargada con un par de pastillas Telecaster del 67 de cuerda manual Josefina Campos, esta guitarra irradia los mismos tonos crudos y expresivos que se encuentran en las discografías más famosas de The Clash y The Mescaleros.
Otras especificaciones incluyen radio de 7,25″, 21 trastes Jescar Vintage (45085), cableado Modern Tele, selector de 3 posiciones, puente Tele de cuerdas a través del cuerpo de 6 selletas de acero, clavijero Schaller M6 Mini, cejuela de latón, árbol de cuerdas de ala con espaciador de metal alto, réplica de caja de gira, correa Joe Strummer de edición limitada y certificado de autenticidad…para todo ello tendrás que reunir la nada despreciable cifra de $20.000.
Puede que hayamos perdido a Joe Strummer, pero su mensaje perdurable permanece: «el pasado puede estar decidido, pero el futuro no está escrito».
Chase Paul y Paul Waller de Fender Custom Shop hablar sobre cómo se replicó esta guitarra legendaria en el siguiente vídeo…
Además de la Joe Strummer Telecaster se ha lanzado todo un arsenal de accesorios relacionados con el evento, que pueden ser adquiridos de modo independiente, como varios tipos de correas, cables de instrumento, pack de púas, un llamativo estuche e incluso el set de pastillas Joe Strummer Telecaster Pickup Set…
Dirty Boy, la marca boutique de pedales de guitarra, ha sido adquirida por el músico y diseñador de productos madrileño Danny Gómez.
Dirty Boy Pedals fue fundada por Alex Saraceno, padre del as de sesión y ex guitarrista de Poison, Blues Saraceno, para crear pedales de guitarra de alta gama para el músico más exigente. El pedal Dirty Boy Afro Fuzz se ha visto en las pedaleras de John Fusciante (RHCP) y Mike Scott (The Waterboys), mientras que Neal Schon, guitarrista de Journey, es conocido por utilizar el pedal Germanium Fuzz de la compañía y George Pajon (Black Eyed Peas), el pedal Fuzzy Boy.
Danny Gómez y Alex Saraceno
Hablando sobre la adquisición, Alex Saraceno dijo: «he hecho lo mío con la marca Dirty Boy Pedals, es hora de que Danny Gomez se haga cargo» y Blues Saraceno agregó: «estoy deseando escuchar a Danny Gomez hacer algo grandioso con la marca de mi padre».
Blues Saraceno y Danny Gómez
Danny Gomez ha trabajado con una variedad de nombres importantes en la industria de la música. En su función como desarrollador de productos, ha trabajado con fabricantes de equipos, incluidos Orange Amplifiers, OMEC, Fender y PRS. Su colaboración con Dirty Boy Pedals produjo el Dirty Boy T.A.E. pedal de preamplificación basado en el amplificador clásico diseñado por Alex Saraceno y potenciado por Tube Amp Emulation, propiedad de Gomez.
“Me sentí muy orgulloso de ser parte del desarrollo del Dirty Boy T.A.E. y estoy emocionado de llevar a la empresa a la siguiente etapa. Sigo comprometido con el espíritu de la empresa de ofrecer pedales de calidad para guitarristas exigentes”, dijo Gómez.
Dirty Boy T.A.E.
Con efecto inmediato, Gómez es ahora el nuevo director ejecutivo de Dirty Boy Pedals, con derechos para fabricar, distribuir y comercializar la marca. Los pedales altamente coleccionables ahora serán fabricados por artesanos en España encabezados por el nuevo Pablo Díaz de Rada y Martha García.
El nuevo sitio web fácil de usar de la empresa ha mejorado la navegación y la funcionalidad con imágenes a todo color y de alta resolución y descripciones informativas de la cartera completa de productos de Dirty Boy. Los icónicos pedales Germanium Boy, Afro Fuzz, Buzzy Boy y Dirty Boy Preamp ya están disponibles para reservar.
RHCP ha anunciado que su gira «Unlimited Love» se extenderá hasta 2024 en USA. Después de las giras masivas de 2022 y 2023, la banda no muestra signos de cansancio mientras anuncian su próxima gira programada para el próximo año. Producida por Live Nation, la temporada 2024 comienza el 28 de mayo en Ridgefield, Washington, en el anfiteatro RV Inn Style Resorts, con shows en Quincy, Washington; Salt Lake City, Utah; Virginia Beach, Virginia y más antes de concluir el martes 30 de julio en el Hollywood Casino Amphitheatre. Los invitados especiales Kid Cudi, Ice Cube, Ken Carson, Otoboke Beaver, Seun Kuti & Egypt80,Wand e Irontom se unirán a la banda en fechas selectas a lo largo de la gira.
Después de concluir fechas en USA y Europa el año pasado, los Peppers continuaron su gira global hasta 2023 con varias fechas en Nueva Zelanda y Australia en enero, seguidas de otra serie de conciertos en América del Norte, Europa, Singapur y Japón a principios de este año. año. Más recientemente, RHCP concluyó la etapa latinoamericana sold out de su gira 2023 con dos shows en Buenos Aires.
Ibanez ha ampliado su arsenal de pedales con la presentación del pedal wah TWP10 Twin Peaks. Aunque a primera vista el TWP10 parece para todos los efectos un wah estándar, con una estética que recuerda a una unidad Ibanez clásica de culto más antigua, la marca insiste en que este no es el caso.
El TWP10 es denominado “un nuevo pedal wah-wah de Ibanez diferente a todo lo anterior”, optando por un funcionamiento de pico dual poco ortodoxa para ofrecer un diseño de “pedal completamente nuevo”.
Eso significa que se utiliza un circuito de doble inductor para utilizar picos duales a una frecuencia más alta y más baja, con un control de Balance montado lateralmente que sirve para controlar el equilibrio entre los dos picos de frecuencia.
En la práctica, desactivar el Balance acentúa el pico de frecuencia más alta, mientras que los picos de frecuencia más baja se enfatizan cuando el parámetro se gira en el sentido de las agujas del reloj.
Otros controles integrados incluyen un interruptor de modo de tono versátil, que navega entre los modos alto y bajo. Mientras que el modo High se describe como de carácter tonal ligeramente más brillante (y puede requerir cierta manipulación de los parámetros de tono de la guitarra para suavizar algunas frecuencias), el modo Low cubre un rango de frecuencia más tradicional.
Un parámetro de nivel final funciona para controlar la salida general y puede proporcionar hasta 6dB de boost, mientras que un interruptor de pie situado debajo del balancín del wah es responsable de activar y desactivar el efecto.
El TWP10 se basa estilísticamente en el anterior modelo Ibanez WH-10 de la década de 1980, un pedal de efectos clásico de culto que es el wah favorito de John Frusciante.
El WH-10 original ha sido reeditado varias veces a lo largo de los años, y la última encarnación, el WH10V3, se considera uno de los mejores pedales wah del mercado actual. No solo eso, Frusciante se ha mantenido fiel al WH10V3 desde su lanzamiento y sigue siendo una parte integral de su pedalera de 2023.
Boss ha levantado el telón de su última creación Waza Craft: el pedal BP-1W Booster/Preamp. Como su nombre lo indica, el BP-1W se preocupa por brindar un boost limpio estándar y un par de tonos de preamplificador a las pedaleras, pero se ha fijado como objetivo recrear dos influencias sonoras muy específicas.
Esas influencias incluyen tanto el Boss CE-1 Chorus Ensemble como el RE-201 Space Echo, dos unidades clásicas de culto, ahora descontinuadas, que no solo fueron veneradas por sus sonidos de modulación, reverb y retardo, sino también promocionadas por el carácter con mucho cuerpo de sus circuitos de preamplificación.
Entonces, en lugar de centrarse en replicar los efectos reales de estos modelos, el BP-1W trata de canalizar esos tonos de preamplificador tan buscados.
Es famoso que John Frusciante de Red Hot Chili Peppers rara vez toca sin un CE-1, por lo que este preamplificador, ahora replicado en el BP-1W, podría considerarse parte de su salsa tonal secreta.
Como bien lo expresó Boss, “el CE-1 y el RE-201 siguen siendo ampliamente utilizados por muchos músicos por sus preamplificadores con carácter tanto como por sus famosos sonidos de efectos analógicos. Estas «armas secretas» hacen que el sonido sea más rico, completo y satisfactorio al tocar, incluso cuando se omite el procesamiento de sus efectos».
“El BP-1W permite a cada guitarrista experimentar sus mágicas propiedades de modelado de tonos sin tener que buscar originales vintage raros y costosos”.
En la práctica, la nueva oferta de Waza Craft tiene tres modos de funcionamiento, dos de los cuales están dedicados a ofrecer los sonidos específicos del preamplificador Chorus Ensemble y Space Echo. El tercero, mientras tanto, es un booster extra limpio para “bombear el volumen sin añadir color”.
Esas voces se seleccionan mediante un interruptor deslizante central, que está flanqueado por los parámetros de Nivel y Ganancia. Mientras que el primero ajusta el sonido del efecto/bypass, el segundo “ofrece una gama de tonos de saturación y excitación” únicos para cada lado del circuito.
Se puede utilizar un interruptor de derivación final montado en la parte trasera para navegar entre los modos de búfer estándar y clásico, el último de los cuales busca proporcionar un tono más cálido y una respuesta dinámica más suave. El BP-1W ya está disponible por $169.
(de izq. a dcha.) Flea, Anthony Keidis, Jack Sherman y Cliff Martinez, 1984
El álbum debut de Red Hot Chili Peppers, la piedra angular de su discografía, esconde en sus orígenes una saga de evolución musical, determinación y una audaz fusión de géneros que sentó las bases para su eventual ascenso dentro de la industria musical.
El nacimiento del álbum es fruto de un trabajo espontáneo. La sinergia que fluyó entre Anthony Kiedis, Jack Sherman, Flea y Cliff Martinez durante las sesiones de grabación fue sorprendente. Aparentemente, la totalidad del álbum se grabó en una sola toma, capturando un nivel de química y cohesión que se convertiría en sinónimo de la identidad de la banda. La unidad casi surrealista que impregnaba cada una de las 11 pistas fueron los primeros recuerdos de la agrupación que más adelante se convertiría en un icono del funk rock.
“Aquellas sesiones de prueba fueron, con diferencia, las grabaciones más productivas e inspiradas que hemos hecho nunca”, recordó Anthony Kiedis en sus memorias, Scar Tissue.“En los últimos 20 años, nunca habíamos llegado a un momento en el que hubiera tanta magia y unidad. Estábamos en la zona. Todo se grabó en una sola toma y todo fue perfecto”.
Antes de grabar su nombre en la historia de la música como Red Hot Chili Peppers, la banda había probado infinidad de seudónimos. Su primera aparición en directo fue bajo el nombre de Tony Flow And The Miraculously Majestic Masters Of Mayhem y marcó el inicio de su expedición artística. Cuando se transformaron en los icónicos Red Hot Chili Peppers, se produjo una radical metamorfosis sonora. La fusión de funk, del hardcore punk y el característico estilo rap de la voz de Kiedis convergieron para definir el multifacético tapiz de su expresión musical.
“Nuestro sonido se basaba en la batería de Jack Irons y la guitarra de Hillel Slovak”, recuerda Kiedis en Scar Tissue. “No era que fueran tipos incidentales, formaban nuestra onda, éramos un equipo…yo pensaba: ‘vale, mi vida se ha acabado, mi causa está perdida’”.
La partida de los miembros fundadores Slovak (quien más adelante regresaría a la banda) e Irons supuso un obstáculo inesperado. La banda había firmado un acuerdo de siete álbumes con EMI America en noviembre de 1983, sin embargo, ambos artistas ya se habían comprometido con su otro proyecto musical, What Is This?, y con otra discográfica. Esto supuso un gran cambio en la formación de la banda, justo cuando la creación de su primer álbum ya estaba sobre la mesa.
Ante la incertidumbre, la resolución pragmática de Flea guió la transformación de RHCP. La incorporación del batería Cliff Martinez inyectó un nuevo dinamismo a la sección rítmica, reflejando su bagaje, que incluía colaboraciones con grupos tan aclamados como The Dickies y Captain Beefheart. La búsqueda de un nuevo guitarrista culminó con la llegada de Jack Sherman, cuya interacción con Flea y Martinez reavivó el espíritu creativo de la banda.
Pero no todos compartían el mismo sentimiento. En declaraciones recientes, Flea señaló su deseo por regrabar el álbum a pesar de ser un trabajo que contiene varios de sus mayores éxitos. “Siempre he querido repasar y volver a grabar aquel álbum, pero nunca he podido comentárselo a nadie”, comentó el bajista.
La elección de Andy Gill, el célebre guitarrista de Gang Of Four, como productor del álbum fue un guiño deliberado a su influencia en la dirección artística de la banda. Sin embargo, dentro de los confines del estudio, la convergencia de la búsqueda de un sonido pulido por parte de Gill chocó con la energía cruda y desenfrenada de la banda. Esta tensión entre la visión del productor y la autenticidad innata de los Chili Peppers se convirtió en un aspecto definitorio del carácter del álbum. Aunque marcada por momentos de discordia, esta colaboración forjó un paisaje sonoro que se hizo eco tanto de la innovación como de la lucha artística.
sesiones de grabación con Andy Gill
“Recuerdo estallidos de felicidad durante ese periodo», recordó Kiedis. “Las nuevas canciones como ‘Buckle Down’, ‘True Men [Don’t Kill Coyotes]’, ‘Mommy Where’s Daddy’ y ‘Grand Pappy Du Plenty’ sonaban emocionantes y geniales. Pero me sentí terriblemente decepcionado cuando oí las mezclas de ‘Get Up And Jump’, ‘Out In LA’, ‘Green Heaven’ y ‘Police Helicopter’. Se convirtió en una auténtica batalla grabar el disco”.
El álbum debut de Red Hot Chili Peppers, publicado el 10 de agosto de 1984, no alcanzó grandes cotas comerciales, pero su importancia trascendió las cifras de ventas. Este lanzamiento histórico supuso el nacimiento de un género revolucionario: el punk-funk. Esta mezcla innovadora, que fusionaba a la perfección el fervor rebelde del punk con los ritmos contagiosos del funk, sentó las bases para artistas posteriores como Faith No More y Living Colour.
“Sentí que habíamos aterrizado entre dos picos, en el valle del compromiso”, continuó Kiedis sobre el álbum debut. “No me avergonzaba de él, pero no se parecía en nada a nuestra maqueta original. Aun así, nuestra postura fue: ‘Vale, éste es nuestro primer disco, y sigamos adelante…’”.
Y añadió: “No podía darle demasiada importancia a lo que decían los críticos sobre nuestra música. Teníamos el yin y el yang de las críticas de discos. En cualquier caso, se nos reconocía”.
En el año 1984, cuando se publicaban discos como «Defenders of the Faith» (Judas Priest), «1984» (Van Halen), «Slide it in» (Whitesnake), «Fistful of Metal» (Anthrax) o incluso «Flex-Able» (Steve Vai), los RHCP, muy lejanos de la onda hair metal o guitar hero, esconden, a modo de cierre, «Grand Pappy Du Plenty», un precioso tema instrumental (tal vez sobreproducido al gusto de la época) con notables paisajes sonoros y simplicidad (que no sencillez) asombrosa…
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