Aclam Guitars The Woman Tone

1 07 2022

El pedal Aclam Guitars The Woman Tone se basa en el tono de guitarra Eric Clapton de la era Cream. Entrega un overdrive grueso y cálido, estilo Plexi. Clapton en 1968 estaba tocando amplificadores Marshall a un volumen muy alto y guitarras Gibson, normalmente, una SG llamado The Fool con un trabajo de pintura psicodélico. Era su arma preferida para ese Cream ‘Woman Tone’, por lo que este pedal intenta replicar esta era específica.

Marijke Koger, exlíder del colectivo de arte The Fool y de quien la SG de Clapton obtuvo su nombre, ha creado la obra de arte para este nuevo pedal.

El Woman Tone tiene tres controles: Volumen, Woman Tone y Gain. También cuenta con dos interruptores de pie, uno para activar el efecto y el otro para activar Woman Tone, además de que también enciende el LED que se encuentra arriba. Al igual que con todos los pedales Aclam, presenta su exclusivo sistema de montaje en pedalera a través de dos tornillos empotrados a cada lado de la unidad. Sin embargo, estos solo funcionan con sus sistemas de montaje de pedalera específicos.





Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





Deep Purple: vídeo de «7 and 7 is»

14 10 2021
Deep Purple estrena “7 and 7 Is”, primer single de “Turning to Crime”, su  nuevo disco - MariskalRock.com

El próximo trabajo de estudio de Deep Purple será un álbum de versiones titulado Turning To Crime. Disponible el 26 de noviembre a través de earMUSIC, el LP contendrá versiones de grandes clásicos del rock y joyas musicales, incluidas canciones grabadas originalmente por Bob Dylan, Fleetwood Mac, Bob Seger, Cream y The Yardbirds, cuidadosamente elegidas por cada miembro de la banda.

Producida por Bob Ezrin, Turning To Crime llega solo 15 meses después de Whoosh!, El álbum de estudio número 21 de Deep Purple, que recibió elogios de los críticos que elogiaron la fuerza creativa de una banda que continúa evolucionando con cada lanzamiento y los prestigiosos logros de las listas (tercer No. 1 consecutivo en Alemania, No. 4 en el Reino Unido, y encabezó las listas de álbumes independientes y álbumes de EE. UU.).

El video musical oficial del primer sencillo, 7 And 7 Is, se puede ver a continuación…

Deep Purple revela la portada de su nuevo disco, "Turning To Crime"

Turning To Crime track listing:

01. 7 And 7 Is (LOVE)
02. Rockin’ Pneumonia And The Boogie Woogie Flu (Huey «Piano» Smith)
03. Oh Well (FLEETWOOD MAC)
04. Jenny Take A Ride! (MITCH RYDER & THE DETROIT WHEELS)
05. Watching The River Flow (Bob Dylan)
06. Let The Good Times Roll (Ray Charles & Quincy Jones)
07. Dixie Chicken (LITTLE FEAT)
08. Shapes Of Things (THE YARDBIRDS)
09. The Battle Of New Orleans (Lonnie Donegan/Johnny Horton)
10. Lucifer (BOB SEGER SYSTEM)
11. White Room (CREAM)
12. Caught In The Act [Medley: Going Down / Green Onions / Hot ‘Lanta / Dazed And Confused / Gimme Some Lovin’]





Joe Bonamassa: nuevo álbum «Royal Tea» en octubre

29 07 2020
Joe Bonamassa

El nuevo álbum de estudio en solitario de Joe Bonamassa, «Royal Tea», inspirado en sus héroes británicos Jeff Beck, John Mayall & The Bluesbrakers, Eric Clapton, Led Zeppelin y Cream, fue grabado en el legendario Abbey Road Studios y se lanzará el 23 de octubre.

«Toda esta aventura fue una lista de deseos para mí». Este álbum vuelve a conectar al músico de 43 años con el chico de guitarra del norte de Nueva York, que se topó con lo mejor de la música blues británica en la colección de vinilos de su padre, cuyas influencias lo han convertido en el guitarrista que es hoy. «Tenía unos doce años, y fue el sonido que escuché en mi cabeza. Como, ‘Ok, estoy dentro. Eso es lo que quiero ser'».

Estas diez pistas originales fueron coescritas por Joe y un elenco de notables incluido el ex guitarrista de Whitesnake, Bernie Marsden, el ex letrista de Cream, Pete Brown y el pianista Jools Holland.

«Escribir este disco en Londres ha tenido sus frutos», refleja Bonamassa. «Realmente suena inherentemente británico. Bernie y yo, terminamos las oraciones del otro. Estamos cortados de la misma tela».

«Royal Tea» y «A New Day Now» de Bonamassa, siguen su proyecto paralelo instrumental llamado The Sleep Eazys, que lanzó su impresionante álbum debut, «Easy To Buy, Hard To Sell», a principios de este año. El álbum, que la Associated Press promocionó como «sueños instrumentales», fue producido por Bonamassa y presenta a algunos de sus colaboradores frecuentes, junto con su banda de gira.

«Royal Tea» track listing:

01. When One Door Opens
02. Royal Tea
03. Why Does It Take So Long To Say Goodbye
04. Lookout Man!
05. High Class Girl
06. A Conversation With Alice
07. I Didn’t Think She Would Do It
08. Beyond The Silence
09. Lonely Boy
10. Savannah





Neal Morse, Mike Portnoy y Randy George: «Cov3r To Cov3r»

5 05 2020

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Neal Morse, Mike Portnoy y Randy George han anunciado su regreso a la serie de álbumes «Cover To Cover» con «Cov3r To Cov3r», la nueva tercera entrega. Con sus versiones de canciones clásicas de artistas como King Crimson, Jethro Tull, Gerry Rafferty, David Bowie y más. El álbum será lanzado el 24 de julio como CD, 2LP + CD y como álbum digital.

Además de esto, la  «Cover To Cover Anthology (Vol. 1 – 3)» se lanzará el mismo día, reuniendo las tres entregas en tres discos. Los dos primeros álbumes también se han vuelto a remasterizar, y también estarán disponibles en todos los servicios digitales. Todos los álbumes también recibieron obras de arte completamente nuevas, creadas por Thomas Ewerhard.

Portnoy comenta: «Bueno, aquí estamos … ¡Volumen 3 de ‘Cover To Cover’! ¡Esperaba finalmente hacer otro de estos, ya que me encantan los dos primeros que hicimos! De hecho, estos álbumes de ‘Cover To Cover’ son algunos de mis álbumes favoritos de mi catálogo y siempre son los CD que les doy a mi familia y amigos para que disfruten. Principalmente porque ayudan a mostrar la música que me ayudó a formarme a mí, a Neal y a Randy. Todos esperan los clásicos progresivos obvios (o en mi caso algunas de las cosas más de metal), pero la gama de artistas en estos álbumes ‘Cover To Cover’ son como ingredientes esenciales, espero que disfruten escuchándolos tanto como nosotros los grabamos».

Morse, Portnoy y George trabajaron juntos por primera vez en el proyecto «Testimony Live» de Neal Morse en 2003, y desde entonces han ideado y grabado innumerables álbumes, incluidos tres con The Neal Morse Band.

El trío ha realizado covers de grandes artistas como Paul McCartney, Cream, The Who, Jethro Tull, Steely Dan, U2, George HarrisonBadfinger, The Moody Blues, Cat Stevens,Chicago, Elvi Costello, The Police, Joe Cocker, The Bee Gees, Lenny Kravitz...

«Cover To Cover»:

01. Where The Streets Have No Name (U2)
02. I’m The Man (JOE JACKSON)
03. What Is Life? (GEORGE HARRISON)
04. Badge (CREAM)

04. Maybe I’m Amazed (PAUL MCCARTNEY)
05. Day After Day (BADFINGER)
06. Pleasant Valley Sunday (THE MONKEES)
07. Tuesday Afternoon (THE MOODY BLUES)
08. Can’t Find My Way Home (BLIND FAITH)
09. I’m Free / Sparks (THE WHO)
10. Where Do The Children Play (CAT STEVENS)
11. Feelin’ Stronger Every Day (CHICAGO)
12. Rock N Roll Suicide (DAVID BOWIE)

«Cover 2 Cover»:

01. (What’s So Funny About) Peace, Love & Understanding (Elvis Costello)
02. Lido Shuffle (BOZ SCAGGS)
03. Crazy Horses (THE OSMONDS)
04. Driven To Tears (THE POLICE)
05. Come Sail Away (STYX)
06. Rikki Don’t Lose That Number (STEELY DAN)
07. Lemons Never Forget (THE BEE GEES)
08. The Letter (JOE COCKER)
09. I Saw The Light (TODD RUNDGREN)
10. Teacher (JETHRO TULL)
11. Southern Man/Needle And The Damage Done/Cinnamon Girl (NEIL YOUNG)
12. Starless (KING CRIMSON)

«Cov3r To Cov3r»:

01. No Opportunity Necessary, No Experience Needed (YES)
02. Hymn 43 (JETHRO TULL)
03. Life On Mars (DAVID BOWIE)
04. Baker Street (GERRY RAFFERTY)
05. It Don’t Come Easy (RINGO STARR)
06. Baby Blue (BADFINGER)
07. One More Red Nightmare (KING CRIMSON)
08. Black Coffee In Bed (SQUEEZE)
09. Tempted (SQUEEZE)
10. Runnin’ Down A Dream (TOM PETTY)
11. Let Love Rule (LENNY KRAVITZ)

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Sé responsable. Quédate en casa. Sigue tocando. Volveremos a abrazarnos.





Backstage: Joe Bonamassa

30 08 2018

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Joe Bonamassa

En los recientes tres conciertos celebrados en el histórico Ryman Auditorium de Nashville, Joe Bonamassa enseñó su ya legendario «line up» 2018…

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Joe Bonamassa gira con dos Teles, ambas con humbuckers en el mástil. Esta es una Fender Telecaster 1952 que perteneció a la leyenda británica del rock Terry Reid. Reid instaló una humbucker Gibson en 1968. Esta Tele, al igual que el resto de guitarras de la gira, lleva Ernie Ball 11-52. Joe utiliza púas Dunlop JB Jazz III y slide Dunlop JB de metal

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La otra Tele es una Nocaster de 1951 con una PAF en el mástil

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Joe utiliza tres Stratocasters. Esta es una hardtail de 1955 conocida como «Best Strat». Fue adquirida en Emerald City Guitars y retrasteada por Joe Glaser

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Esta es una sorprendentemente bien conservada hardtail Stratocaster 1955 de fresno afinada en A abierto

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Fender Stratocaster 1956 repintada en fábrica en 1957

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Joe gira con dos semi-huecas. esta es una Gibson ES-335 de 1967 con acabado «sparkling burgundy»

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La otra semi-hueca es una ES-335 TDC de 1962 con selletas de nylon tal como usaba Eric Clapton en Cream

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Es una realidad la debilidad de Bonamassa por las Les Pauls. Este es un modelo de 1962 que pasó su vida en Sudafrica hasta que Joe la compró en 2010.

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Les Paul de 1956 repintada en 1978

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Les Paul Standard de 1960 conocida como «The Ragin Cajun» con PAF’s crema

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Fender Joe Bonamassa ’59 Twin Amp, cada uno con 80 watts y con Celestion JB-85

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Joe tiene un par de combos  Dumble Overdrive Specials. Este modelo «silverface» fue construido en 1980 y fue modificado incorporando el altavoz signature Celestion JB-85

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El otro Dumble Overdrive Special es de 1984. Ambos son versiones de 50 watts.

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Unos de los Dumbles alimenta una caja Dumble 1×12 que perteneció a Christopher Cross. Es de principios de los ’80 y originalmente incorporaba un altavoz EV

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Los amplificadores tiene corriente constante gracias a la Kikusiu PCR2000M

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Bonamassa utiliza pocos pedales: un Dunlop Bonamassa Wah, un Way Huge Overrated Special y un Way Huge Blue Hippo

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Detrás de los amplificadores se sitúan un TC Electronic Stero Chorus+ y un par de Lelhe P-Splits 





Ace Frehley se reune con Paul Stanley

13 02 2016

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El ex guitarrista de KISS está listo para lanzar un nuevo álbum titulado «Origins Vol.1″ este mes de abril, con versiones de canciones de artistas que lo han inspirado a lo largo de los años. Frehley se une a su compañero de banda Paul Stanley en una versión de «Fire and Water», su primera grabación juntos en casi veinte años.

El nuevo álbum, previsto para el 15 de abril, también cuenta con contribuciones de Slash, Lita Ford, John 5 (Marilyn Manson / Rob Zombie) y Mike McCready (Pearl Jam). La lista de temas de «Origins Vol.1» incluye versiones de Cream, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Thin Lizzy, Led Zeppelin, The Troggs, Steppenwolf, The Kinks y KISS.
Frehley también ha anunciado una gira por Estados Unidos con 18 fechas.





Muere Jack Bruce, bajista de Cream

27 10 2014

Jack Bruce

Jack Bruce

El legendario bajista de Cream, Jack Bruce, ha fallecido a los 71 años, de una enfermedad hepática en su casa en Suffolk, Inglaterra, rodeado de su familia

Bruce nació en 1943 en el seno de una familia musical y demostró su potencial desde el principio, cuando ganó una beca para la Real Academia Escocesa de Música y Drama. Mientras estaba allí descubrió el jazz, para gran disgusto de sus profesores que le dijeron que tenía que dejar el jazz o abandonar la academia, así que se fue. Bruce conoció a Eric Clapton cuando ambos tocaban en John Mayall & the Bluesbreakers, y formaron Cream, una banda a la que muchos consideran el primer supergrupo de rock, con el batería Ginger Baker en 1966.

Después de la ruptura de Cream, Bruce continuó tocando en famosos cortes como «Apostrophe» de Frank Zappa o la mayoría del álbum «Berlin», de Lou Reed. Más recientemente, Bruce estaba actuando en la banda de Spectrum’s Road con Vernon Reid (Living Colour), el batería Cindy Blackman (Santana) y el teclista John Medeski.

Bruce se reunió con sus compañeros de Cream en 1993 por su nominación al Rock and Roll Hall of Fame y luego en 2005 para las actuaciones en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

Jack bruce junto a Eric Clapton

Jack bruce junto a Eric Clapton





Fallece Alvin Lee

7 03 2013

Alving Lee en 1975

Alvin Lee en 1975

The Isle of Wight Festival son, junto a Monterey Pop, podría decirse que los mejores documentales de conciertos jamás filmados. Pero a pesar de que esas películas capturaron algunas de las actuaciones de guitarra más emblemáticas como Jimi Hendrix con «Wild Thing» y «Star Spangled Banner», Santana con «Soul Sacrifice» y el autodestructivo «My Generation» de Who, se puede asegurar que las incendiarias «Woodstock» y «Message to Love» de Alvin Lee and Ten Years After fueron tan  emblemáticas como aquellas.

Alvin Lee ha fallecido como consecuencia de las complicaciones de una cirugía ala edad de 68 años, dejando tras de sí un legado como el padrino de fast-and-heavy british blues.

Ten Years After lanzaron su álbum homónimo debut en Reino Unido en 1967, así como Cream, Hendrix, Jeff Beck, y unos Yardbirds liderados por Jimmy Page. Todos ellos estaban reinventando el blues británico hacia un estilo más pesado, alucinógeno y a menudo experimental en las formas. En comparación con el trabajo rompedor de Hendrix, Lee podría parecer demasiado tradicional. Pero desde el principio estaba claro que tenía una facilidad espectacular para la velocidad y la precisión como pocos guitarristas contemporáneos. «Stonedhenge», el trabajo de estudio de 1969, confirmó lo obvio con la inclusión de la corte «Speed ​​Kills» y en el momento en el que el lp «Woodstock» y la película que se estrenó al año siguiente, la reputación de Lee creció muy rápidamente, adornada por el rojo cereza de la Gibson ES-335.

El álbum «A Space in Time» (1971) incluyó el tema de Lee «I’d Love to Change the World», que consolidó la reputación de Lee como compositor y sigue siendo un elemento básico del rock clásico hasta nuestros días. En el álbum de 1973 titulado «On the Road to Freedom» contó con colaboraciones de George Harrison, Steve Winwood, Ron Wood y Mick Fleetwood.

Lee voluntaria y felizmente retirado en la segunda mitad de los años 70, siguió lanzando álbumes y haciendo giras hasta 2012. Pese a su menor condición de Dios menor ante contemporáneos como Page, Clapton o Beck, su obra  ha sido profundamente influyente para guitarristas más modernos como Zakk Wylde.

 





Ha muerto Gary Moore.

7 02 2011

Gary Moore 1952-2011

«Con profundo pesar y dolor tenemos que anunciar que Gary Moore falleció la noche pasada, mientras estaba de vacaciones en España. Nuestros pensamientos están con sus hijos, su familia y amigos en este momento tan triste» (publicado en la web oficial de Gary Moore).

Con gran consternación hemos recibido la noticia de que Gary Moore ha muerto. La desgraciada noticia ha corrido como un rio de polvora por todos los medios de comunicación, webs, foros, y son muchos los que se unen al dolor por la perdida de un grande de la guitarra pudiéndose leer miles de comentarios procedentes de todas las partes del mundo lamentando la desaparición de Mr Moore.

Moore fué hallado muerto en su habitación de un hotel en la localidad malagueña de Estepona a primera hora del domingo. Se está a la espera de los resultados de la autopsia para conocer las causa de su muerte, aunque no tenía problemas de salud conocidos.

Comenzó tocando en una banda llamada The Boys, pero al poco tiempo, con dieciséis años de edad, se incorporó a Skid Row, acompañado por Brendan Shields (bajo), Noel Bridgeman (batería) y Phil Lynott (voz). Éste último abandonaría pronto la banda para formar Thin Lizzy, mientras Moore proseguía con Skid Row; dicho grupo entró en contacto con Peter Green, guitarrista de Fleetwood Mac, actuando como teloneros suyos en varios conciertos. El genial Green quedaría tan impresionado con su sonido que les consiguió un contrato con su propia discográfica, CBS. Por su parte, la duradera admiración de Moore por Green, que recorre toda su carrera, quedará plasmada en el álbum «Blues for Greeny» (1995), que reinterpreta once temas compuestos o interpretados por Green.

Antes de comenzar su carrera solista, aún pasaría un periodo de participación en diversas formaciones. Pero, tras abandonar Skid Row en 1972, graba «Grinding Stone» (1973) con la Gary Moore Band; este ha sido considerado como su primer disco solista. Casi sin transición, pasará a reemplazar a Eric Bell en Thin Lizzy, banda en la que formó un corto espacio de tiempo antes de pasar, en 1975, a Colosseum II, y a la que volvería de forma intermitente hasta 1979. fecha de grabación de «Black Rose». En medio de una gira por EE.UU., las diferencias con Lynott hacen que Moore abandone de nuevo la banda y forme G-Force. El tema «Parisienne Walkways» del disco «Back on the Streets» 1978 (segundo en solitario de Moore), llega a la lista top ten en el Reino Unido.

Durante la década de 1980 vive una época más tranquila, pasándose al rock melódico, momento en el que consigue su mayor popularidad en el Reino Unido con su LP «Victims of the future» (1983). También colabora con él Phil Lynott en «Out in the Fields». En el álbum «Wild Frontier», de 1986, pueden apreciarse ciertas influencias de la música celta. Y en «After the War» (1989) vuelve a sus raíces hard con colaboraciones de Ozzy Osbourne y con el difunto Cozy Powell en la batería.

El álbum «Still Got the Blues» le devolvió a las listas de éxitos en 1990 de la mano de temas como el que da título al disco. Dejando de lado el hard rock, se vuelve más intimista y da un pronunciado giro hacia el blues que, aunque descubierto tardíamente, parece causar una impresión importante y duradera en la carrera del guitarrista, en ese mismo año 1990 que junto con Albert King y Albert Collins dará una serie de conciertos. En 1992 aparece «After Hours», disco que sigue la línea del anterior y que cuenta con la colaboración de B.B. King y Albert Collins, grandes figuras del blues estadounidense. Este disco será la confirmación del giro musical de Moore y le dará un nombre entre los intérpretes de blues británicos.

La década de 1990 transcurre a la sombra de estas grabaciones iniciales y no aparece marcada por nuevos éxitos importantes excepto, tal vez, la aparición en 1997 de «Dark Days in Paradise», una exploración musical tan alejada del blues que venía practicando como del hard rock anterior. También resulta reseñable un nuevo intento de tocar dentro de una formación: BBM. En esta ocasión se unirá a Jack Bruce (bajo) y Ginger Baker (batería), base rítmica del mítico grupo Cream. La colaboración se tradujo en un disco, «Around the Next Dream» (1994), y una gira.

La década del 2000 arranca musicalmente con la publicación en 2001 de «Back to the Blues»: toda una declaración de intenciones. En 2007 lanza el que podría ser disco más notable de este periodo, «Close As You Get«, que prosigue su acercamiento al blues con temas propios y versiones de clásicos como Chuck Berry, Sonny Boy Williamson II, John Mayall o Son House (de este último es el tema acústico ‘Sundown’, que cierra el disco).

En el 2002 se embarca en nuevo proyecto, Scars, formando una banda con la que publica un álbum homónimo, que fue lanzado en septiembre de 2002. El power trío contó con Moore (voz / guitarra), Cass Lewis de Skunk Anansie (bajo / coros) y Darrin Mooney de Primal Scream (batería).

A modo de homenaje…Gary Moore con el tambien desaparecido Phil Lynott interpretando «Parisienne walkaways»

Gary Moore, «The boys are back in town» de «One nigth in Dublin»

B.B. King/Gary Moore, «The thrill is gone»

Gary Moore, «Oh pretty woman»

Gary Moore, «Out in the fields» (Live in Sheffield)

Gary Moore, «Empty rooms»

Tal como alguien ha escrito en algún foro:

 «…en algún lugar, ahí arriba, se está celebrando un G3 con Gary Moore, Jimmi Hendrix y Stevie Ray Vaughn»








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