«Blood Sugar Sex Magik»: hits, rock, funk, sexo, casa embrujadas y drogas duras

30 09 2021
Must-See '90s Photos of Your Favorite Celebs | Red hot chili peppers  poster, Stuffed peppers, Red hot chili peppers
Red Hot Chili Peppers en 1991

El pasado 24 de septiembre se cumplieron 30 años del lanzamiento de una de los trabajos más emblemáticos del cuarteto californiano.

Si se hiciese una encuesta sobre cuáles fueron las bandas de rock más representativas de los ’90, seguramente Nirvana, Pearl Jam y The Smashing Pumpkins destacarían, con justicia, entre las más populares. Justamente esos tres grupos telonearon a los Red Hot Chili Peppers en la gira de Blood Sugar Sex Magik, quinto disco de los californianos, lanzado el 24 de septiembre de 1991. Se trata de un álbum que alcanzó un gran éxito global global maridando rock, funk, tatuajes, patinetes, tablas de surf y videoclips en MTV.

Pearl Jam Concert Chronology

Después de años de cambios constantes de integrantes y profunda inestabilidad (que incluyó la muerte por sobredosis del guitarrista Hillel Slovak, fundador del grupo), los Chili Peppers se habían consolidado en Anthony Kiedis (voz), Michael “Flea” Balzary (bajo), John Frusciante (guitarra) y Chad Smith (batería) en Mother’s Milk, CD lanzado en 1989 que había ampliado notablemente los horizontes de la banda, tanto musicalmente como en audiencia. A pesar de eso, decidieron modificar notablemente su organización interna para el siguiente trabajo: convocaron al mítico Rick Rubin como productor, a Gus Van Zant como director de fotografía y de videoclips (esta última tarea junto a  Stéphane Sednaoui) y firmaron su primer contrato con Warner Bros como discográfica. Para concretar la grabación, se mudaron a una mansión que había sido habitada por el mago Harry Houdini (a excepción de Smith, quien sostenía -como muchos otros- que el inmueble estaba embrujado, por lo que dormía en otra sede e iba a diario a pasar el día con sus compañeros).

Todo el trabajo quedó registrado en Funky Monks, documental en blanco y negro que, en una hora de duración, constituye una pieza audiovisual que brinda interesantes herramientas para dimensionar el proceso creativo del CD.

En el documental, las secuencias que retratan el día a día del grupo se mezclan con testimonios de los protagonistas, como uno de Flea que resume su espíritu: “Estar en los Red Hot Chili Peppers se trata de ser libre y no ser atado por nada, no tratar de encajar en ningún modelo, estilo o categoría”. Ese manifiesto se plasma de inmediato en el comienzo del disco con The Power of Equality, que inicia con Smith como director de orquesta anunciando el momento exacto de empezar: una oda a la igualdad entre personas y al poder que emana de ese soñado contrato social. La pieza sigue con la lasciva If You Have to Ask, en la que la guitarra de Frusciante se mezcla con vítores y aplausos: los cuatro jóvenes se despachaban con un nivel de autoconsciencia inédito en lo que iba de su carrera como banda. Y, si de reflexión sobre vida y obra se trata, la obra continúa en ese camino con la acústica Breaking the Girl, un lamento que discurre entre juegos vocales e instrumentación, con énfasis en la percusión.

Luego es el turno de otra oda a la exacerbada sexualidad que caracterizó a la banda desde sus inicios pero que estaba llegando a sus picos más altos, Suck My Kiss.

Y, otra vez, el freno de mano y la caída en picado emocional: el disco sigue con la balada I Could Have Lied, uno de los puntos más altos del disco: se trata de una catarsis de Kiedis acerca de su relación frustrada con Sinéad O’Connor. Posteriormente suena Mellowship Slinky in B Major, la máxima expresión funk del disco, claramente influenciado por la obra uno de los ídolos del grupo, George Clinton (quien les produjo el álbum Freaky Styley y al que la banda homenajeó en el clip de Dani California).

The Righteous & The Wicked sigue por el mismo carril con estribillo notable y coros a cargo de la inconfundible y eternamente joven voz de Flea, y es el preludio adecuado para uno de los grandes hits del disco: Give It Away. Acompañado por un videoclip multipremiado, se trata de un choque entre la potencia instrumental apoyada sobre la extraña melodía, y una lírica que pondera la cosmovisión de la multifacética artista alemana Nina Hagen.

El décimo tema es el homónimo al título del disco, y otra cabal demostración del enorme potencial que construyeron los cuatro jóvenes díscolos californianos reunidos en una casa ¿embrujada?: en Blood Sugar Sex Magik se lucen haciendo, literalmente, lo que quieren. Se trata de otra oda a la sexualidad, expresada en cada vocalización susurrada y también gritada, y en cada sonido, tanto sutiles como exagerados. Y, como a lo largo de todo el CD, llega el momento de la introspección: Under the Bridge, la autobiografía de un Kiedis sangrante por drogas duras enterrado en lo profundo de la oscuridad que, paradójicamente, lo cobija como único hogar.

El viaje continúa con con Naked in the Rain, una clase de funk rock; Apache Rose Peacock, un seductor monólogo que es al mismo tiempo coral; The Greeting Song, representante del rock más clásico y del virtuosismo sin igual de Flea para los arpegios; y My Lovely Man, continuadora del salvajismo de la primera época del cuarteto. Las últimas dos pistas son, respectivamente, la más extensa y la más corta del disco: la paródica pero también solemne Sir Psycho Sexy (de más de ocho minutos) y They’re Red Hot (cover de Robert Johnson en 71 segundos de pura velocidad).

La discográfica remasterizó el trabajo en 2006, edición en la que se agregaron Little Miss Lover y la preciosa versión de Castles Made of Sand, de Jimi Hendrix.

Así, con una catarata de hits, los Red Hot Chili Peppers alcanzaron la fama global definitiva y comenzaron una ambiciosa gira que terminaría de muy mala manera. Como si fuera una representación del arte de tapa del disco, en el que las lenguas de los integrantes intentan lamer una rosa pero se enredan entre espinas en el camino, las diferencias entre Kiedis y Frusciante se profundizaron, agudizadas por los consumos ingentes de heroína por parte del guitarrista y el pánico que le generó el éxito masivo. Dejó la banda de la que era fan desde adolescente (por primera vez) y volvería a sus filas para la grabación de Californication (1999, el otro disco fundamental del grupo) con sus brazos cauterizados pero repletos de cicatrices, y confirmó su status de ser un gran guitarrista y compositor.

Explosiva e introspectiva, novedosa y fiel al estilo clásico, rebosante de juventud pero madura: Blood Sugar Sex Magik es una obra cumbre de la música popular de los ’90 y el testimonio de que toda época memorable merece ser bien musicalizada.

Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik | Discogs




Diez discos icónicos lanzados en 1991

24 09 2021
1991, el año de los prodigios - Mússica
Nirvana

Si hay algo que caracterizó a la década de los ’90 fue su música, sobre todo los que salieron en el 1991: son tan complejos y enriquecedores, que sus huellas aún se ven plasmadas en la industria y en todo lo que hacemos.

Mientras en Seattle se estaba cocinando el grunge como una respuesta áspera e iracunda al glam rock, en el Reino Unido aparecía el britpop con sonidos mucho más brillantes y apetecibles. Esto y más estalló durante 1991. En un lapso de tres meses se lanzaron álbumes que seguimos considerando clásicos y que aún nos vuelan la cabeza Para algunas bandas fue reinvención, para otras fue el origen, y para la música fue un honor. Te hacemos una breve reseña cronológica de los discos de 1991 que en tan sólo tres meses marcaron a la música y los fans para siempre.

12 de agosto: Metallica, «The Black Album»

Cómo se grabó el Black Album de Metallica | Hispasonic

Metallica inició los noventas con un nuevo productor, Bob Rock, quien era conocido por sus trabajos con Bon Jovi y Mötley Crüe. Eso no resonó bien en los fans que empezaron a llamarlos “vendidos”. Con gran influencia de AC/DC, ellos sabían que eran canciones más digeribles, incluso se cuestionaban la incursión de una balada como “Nothing Else Matters”, pues era una señal de una supuesta debilidad.

Sin embargo, ignoraron estas dudas y las críticas hacia su nuevo productor, y nos regalaron algunos de los himnos del metal más emblemáticos de la década, así como uno de los discos más exitosos de su género. 

26 de agosto: Blur, «Leisure«

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Así fue como Damon Albarn y compañía se presentaron al mundo. Aún cuando no se cocinaba por completo todo lo que Blur tenía para ofrecer, nos dio brillantes señales de su genialidad y gran habilidad de hacer coros y melodías que se filtran en tu mente para jamás salir.

Escuchar “There’s No Other Way” es adentrarte a la estética noventera y sentir que la década te respira en la nuca. Un disco de 1991 marcado por sus grandes influencias de la riquísima escena de Manchester y el shoegaze, y que sentó las bases para el Parklife y el movimiento britpop.

27 de agosto: Pearl Jam, «Ten«

PEARL JAM - Ten - Reloop Shop

Antes de Ten, nadie había escuchado una voz como la de Eddie Vedder. Su voz y sus letras deslumbraron a Stone Gossard, Jeff Ament Mike McCready cuando Vedder regresó sus demos desde California, después de una sesión de surf. Así fue como cobraron vida historias trágicas como el suicidio de un niño en clase, una chica recluida en una institución de salud mental, una conversación honesta con un padre fallecido, un vagabundo que está enloqueciendo y una “mini ópera” que describe a un asesino en serie.

Considerado uno de los mejores discos debut de la historia, «Ten» se caracteriza del resto del grunge por tener tintes de rock clásico, algo evidente en los riffs de McCready influenciados por Hendrix y Stevie Ray Vaughan. Esto marcó el inicio de un camino que se ha enriquecido del gran vínculo que los miembros de la banda forjaron entre ellos con los años. Sabían que sólo ellos podían salvarse protegiéndose entre sí. Se negaron a morir, aguantaron las tragedias y, contra todo pronóstico, siguen vivos, tal y como lo predijo el primer sencillo de este álbum.

17 de septiembre: Guns N’ Roses, «Use Your Illusion I & II»

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Use Your Illusion II: Guns N' Roses: Amazon.es: CDs y vinilos}

¿Cómo superas a uno de los discos debuts más grandes de toda la historia? Guns N’ Roses sabía que no podían mejorar lo hecho en «Appetite for Destruction», así que decidieron tomar otro rumbo. Con sesiones de composición en tiempo récord lograron tener alrededor de 36 canciones; la inspiración estaba fluyendo y la banda estaba en su punto creativo más alto. 

Al momento de entrar al estudio, Slash e Izzy empezaron a perder la paciencia con el perfeccionismo de Axl, siendo “November Rain” el gran dolor de cabeza. La banda no la consideraba como una canción característica de su sonido, según confesó Duff McKagan, pero los fans tuvieron la última palabra.

Esta fue la primera vez que una banda lanzó dos discos distintos el mismo día, y si bien se vendieron por separado, siempre se les consideró como uno mismo, que hasta la fecha sigue siendo idolatrado.

23 de septiembre: Primal Scream, «Screamadelica»

Primal Scream - Screamadelica — Futuro

Bobby Gillespie es un fiel creyente de que el rock ’n’ roll debe bailarse y «Screamadelica» es la prueba de ello. Con influencias poperas de los setentas, y mucho speed y ecstasy, «Screamadelica» es una mezcla perfecta de música dance y rock, no de sus ideologías o lo que representaban, sino de lo que te hacían sentir.

Considerado uno de los mejores discos de 1991, y por muchos, entre los mejores de la historia trascendiendo el tiempo e influencias.

23 de septiembre: Pixies, «Trompe Le Monde»

Pixies — Trompe Le Monde (1991): una (primera) gran despedida que llegó un  día antes de que Nirvana lo cambiasen todo - Noticias - Hipersónica

El disco previo a su separación en 1993 y el último en el que aparece Kim Deal, quien ya se había dado su escapada con The Breeders«Trompe Le Monde» salió justo un día antes que «Nevermind» de Nirvana como un guiño de que la música alternativa que estaba viendo la luz no hubiera sido posible sin la influencia de Pixies.

Ya se notaba la mala relación entre Black Francis y Kim Deal, pero también nos dio un álbum lleno de riffs distorsionados y cambios de ritmo. Este álbum le puso cierre a una época para así convertirse en una banda de culto.

s4 de septiembre: Nirvana, «Nevermind«

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Cuando Nevermind se volvió disco de oro, Nirvana aún tocaba en lugares con 800 personas; seguían saliendo de gira en una furgoneta cuando se convirtió en platino. Así lo confesó Dave Grohl, quien en el momento en que lanzaron el disco aún vivía en un cuarto trasero en la casa de un amigo, mientras Kurt Cobain seguía viviendo en el piso de su novia. El resto es historia, pues el álbum llegó al #1 de Billboard desplazando a Michael Jackson. 

La vida de Cobain, Novoselic y Grohl cambió rápida y drásticamente, al igual que la de muchos fans que se sintieron identificados. Su influencia fue más allá de Seattle o de la Generación X. Un disco que fue punta de lanza de un movimiento que sigue conectando con generaciones gracias a su sonido crudo y su honestidad sin poses.

La ira mutó en riff y la figura del rockstar se tiñó de dolor. El glam rock se hincó en señal de rendición para salir por la parte trasera de la industria. Lo que sea que digamos de Nevermind, siempre será poco.

24 de septiembre: Red Hot Chili Peppers, «Blood Sugar Sex Magik»

EN LA MANSIÓN DEL MAGO HOUDINI (Red Hot Chili Peppers. Blood Sugar Sex Magik,  1991) | Música | EL MUNDO

Este disco de 1991 fue el inicio de una larga y fructífera historia entre Rick Rubin y los Red Hot Chili Peppers. El productor les dio la libertad de jugar más con la melodía y dejar poco a poco los riffs metaleros. El mundo se dio una idea del verdadero potencial de John Frusciante desde los primeros acordes de “Under The Bridge”.

Fue tan grande el impacto, que el guitarrista dejó a los Peppers poco tiempo después, marcando el inicio de una relación inestable pero muy emotiva entre Frusciante y el resto de la banda.

Un disco que definió el sonido característico de los Peppers al encontrar nuevas formas de expresar su groove, y también marcó pauta en lo que a música alternativa se refiere, inspirando a nuevas generaciones de funk metal y derivando en subgéneros como el nü metal.

24 de septiembre: Soundgarden, «Badmotorfinger«

Badmotorfinger 25º Aniversario: Soundgarden: Amazon.es: CDs y vinilos}

Este es, por mucho, el más pesado y oscuro de los álbumes grunge que golpearon la música ese año, pues además de contar con la inigualable voz y letras de Chris Cornell, también desafiaba a la todopoderosa MTV que prohibió su video “Jesus Christ Pose”, ganándose la etiqueta de anticristianos en algunos lugares.

Tal vez no fue su mayor éxito, pero para muchos es el Soundgarden más auténtico y crudo, mientras que para otros este es su mejor disco. Este álbum significó la despedida de Soundgarden de la escena underground de Seattle, en donde ya eran considerados una autoridad con una gran credibilidad y dos discos bajo el brazo.

También fue la bienvenida a Ben Shepherd tras la partida del bajista fundador Hiro Yamamoto. Sin duda, fue una gran carta de presentación al mundo que sentaría las bases de lo que fue el aclamadísimo «Superunknown». 

18 de noviembre: U2, «Atchung Baby»

U2, Achtung Baby in High-Resolution Audio - ProStudioMasters

Antes de que el «Kid A» de Radiohead fuera referencia de reinvención en una banda, «Achtung Baby» estuvo en su lugar. Si bien actualmente U2 no es sinónimo de innovación musical, en los 90 experimentaron con su estilo como nadie. Este disco de 1991 fue la piedra angular de esa evolución.

No había nada que se escuchara como U2: crearon sus propias reglas y se volvieron provocadores por excelencia; la guitarra de The Edge agarró tintes aún más icónicos y sus conciertos se volvieron legendarios. Bono se convirtió en el rockstar vivo de la década. 

Ellos habían pasado de la ola del post punk al rock clásico y venían de un estilo americano; ya tenían bien cimentado su lugar en la industria y el reconocimiento de los fans, pero rápidamente entendieron que la evolución hacia lo alternativo los haría leyendas y fue así como en ese periodo se convirtieron en la banda más grande del mundo.





«Nothing Else Matters» alcanza mil millones de visionados en Youtube

2 08 2021
Logo de Metallica: la historia y el significado del logotipo, la marca y el  símbolo. | png, vector

El video de Metallica de la canción «Nothing Else Matters» ha superado los mil millones de visitas en YouTube. Es el primer tema de la banda en alcanzar el hito.

El video «Nothing Else Matters», que se subió a YouTube en octubre de 2009, fue dirigido por Adam Dubin y editado por Sean Fullan y está compuesto por clips del documental de Metallica de 1992, «A Year And A Half In The Life Of Metallica». El clip es quizás mejor recordado por una escena en la que Lars Ulrich lanza dardos a un póster del líder de Winger, Kip Winger.

Antes de trabajar con Metallica, Dubin dirigió dos videos musicales para Beastie Boys. Mientras era estudiante en la Universidad de Nueva York, fue compañero de cuarto del productor de discos Rick Rubin, quien luego produciría «Death Magnetic», el noveno álbum de estudio de Metallica.

«Nothing Else Matters» apareció originalmente en el álbum homónimo de 1991, también conocido como «The Black Album», que será relanzado el 10 de septiembre como una caja de lujo remasterizada a través de Blackened Recordings. La canción alcanzó el puesto número 11 en la lista Billboard Mainstream Rock Tracks, así como entre los diez primeros en muchas listas europeas.

«Nothing Else Matters» apareció como pista en el videojuego musical «Guitar Hero: Metallica» y ha sido versionada más de 40 veces por una gran cantidad de artistas diferentes. «The Black Album» es uno de los discos de mayor éxito comercial y aclamado por la crítica de todos los tiempos. Su lanzamiento en 1991 no solo le dio a Metallica su primer álbum No. 1 en no menos de 10 países. Su serie implacable de sencillos: «Enter Sandman», «The Unforgiven», «Nothing Else Matters», «Wherever I May Roam» y «Sad But True» impulsaron el ascenso de la banda a cabeza de cartel de estadios, la radio y MTV dominando el estatus de nombre familiar. «The Black Album» sigue siendo indiscutible como el álbum más vendido en la historia de Nielsen SoundScan, superando en ventas a todos los lanzamientos de todos los géneros durante los últimos 30 años.





Linkin Park: sesiones de grabación de «A Thousand Suns»

16 09 2020

Linkin Park ha publicado un nuevo documental en el que nos muestra cómo la banda era realmente a la hora de grabar. Más concretamente, este vídeo nos muestra cómo fue la grabación del álbum ‘A Thousand Suns’, que cumple, este año su décimo aniversario.

Este vídeo no es nuevo, sino que se trata del octavo DVD que se publicó en el set llamado ‘The Meeting Of A Thousand Suns’, que se publicó originalmente el 8 de septiembre de 2010. En sus imágenes, podemos ver cómo la banda colaboró con el productor Rick Rubin para crear su cuarto álbum en los NRG Recording Studios de California.





Smashing Pumpkins lanzara un nuevo álbum doble este año

4 02 2020

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Smashing Pumpkins

El líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan, habló con sobre el próximo álbum de estudio de la banda, que actualmente se está grabando en Nashville para su lanzamiento a finales de 2020. El nuevo disco será el seguimiento de «Shiny And Oh So Bright, Vol. 1 / LP de 2018: No Past. No Future. No Sun», que fue el primero de Smashing Pumpkins en más de 18 años en presentar a los miembros fundadores Corgan, Jimmy Chamberlin y James Iha, junto con el guitarrista Jeff Schroeder.

Hablando sobre cómo se está acercando al nuevo disco, Corgan dijo: «Cuando volvimos a estar con James, entramos con Rick Rubin e hicimos ocho canciones. Fue lanzado como un álbum formal, pero dije en mi opinión, no era un álbum, no lo abordamos como si nos hubiéramos acercado a cualquier otro álbum que hayamos hecho. En muchos sentidos, este es el primer álbum real [desde la reunión]. He estado trabajando durante más de un año. Actualmente tiene 21 canciones, y vamos a lanzarlo como doble este año. Este es el primer álbum desde ‘Machina’ (2000), donde James, Jimmy y yo trabajamos en algo durante mucho tiempo. Tiene una base conceptual más amplia, y probablemente sea una franja más amplia de música. El último fue algo así como: ‘grabemos algunas cosas muy rápido y dejemos que sea lo que sea’ … así que estoy emocionado por esto, porque estamos de vuelta en el camino de arriesgar y tratar de aportar algo nuevo, en lugar de simplemente imitar lo que nos caracteriza».

Cuando se le preguntó por qué están grabando el nuevo LP en Nashville, explicó: «Por un montón de cosas. Ciertamente, Nashville ofrece estudios que aún funcionan como estudios antiguos, lo cual prefiero. Obviamente hay muchos músicos aquí. Puedes trabajar y la gente con la que trabajo vive aquí No sorprende que sea una de las ciudades de rápido crecimiento en Estados Unidos».

Según se informa, el «Shiny And Oh So Bright Tour» de 2018 vendió más de 300,000 entradas en América del Norte y los vio tocar en espectáculos sold out en lugares como The Forum, United Center y Madison Square Garden. La gira fue la primera de la banda en casi dos décadas en presentar a Corgan, Chamberlin e Iha, junto con Schroeder, el bajista Jack Bates y la teclista Katie Cole.





ZZ Top ya está trabajando en un nuevo álbum de estudio

2 02 2020

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ZZ Top

ZZ Top se está preparando para entrar al estudio a trabajar en su decimosexto álbum, que será producido nuevamente por Rick Rubin.

«Se llama Foam Box Recordings, donde podemos reunirnos y probar algunas cosas nuevas», dijo Billy Gibbons. «De hecho, ayer estaba hablando por teléfono con el conocido productor, el Sr. Rick Rubin. Rick tiene algunas ideas que arrojó a la mezcla. Está ansioso por que volvamos a la sala. Le gusta trabajar en la costa oeste, así que es entre Texas y California donde soñamos estas cosas, así que vendrá, probablemente en los próximos meses, espero. Es un poco prematuro para un anuncio adecuado, pero será pronto, sí».

Un documental que cubre los 50 años de ZZ Top juntos, «ZZ Top: That Little Ol ‘Band From Texas», se lanzará el 28 de febrero a través de Eagle Rock Entertainment en DVD, Blu-ray y digitalmente. La película rastrea el rico legado de ZZ Top, desde sus inicios en bares hasta la era MTV y el ascenso meteórico a la fama.

«Creo que incluso nuestros fans más firmes se encontrarán sorprendidos por lo que aprendan sobre esos hombres detrás de las barbas y las gafas de sol baratas», dijo Gibbons sobre «That Little Ol ‘Band From Texas». «Ahí estamos, allá arriba en la pantalla grande y es algo que estamos encantados de compartir con los fans».





30 años de «Sonic Temple»: revisitando el icónico álbum de The Cult

14 04 2019

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The Cult (1989)

El año 1989 fue trascendental para el grupo de rock británico The Cult. Seis años antes, el cantante Ian Astbury, el guitarrista Billy Duffy y el bajista Jamie Stewart formaban parte de un grupo post-punk que coqueteaba con el gótico en su álbum debut, «Dreamtime» en 1984. Al año siguiente lanzaron «Love», una colección reluciente de rock y hermosas melodías impregnadas de psicodelia. La banda fue un éxito en el circuito universitario en los Estados Unidos y en el extranjero con canciones como «Rain», «She Sells Sanctuary» y «Revolution». Después, «Electric» (1987), producido por Rick Rubin, marcó un cambio en el sonido de la banda hacia el hard rock.

Pero el 10 de abril de 1989, la llegada de su cuarto álbum, «Sonic Temple», marcó la apoteosis de The Cult. Auspiciados por Bob Rock, la grabación más exitosa de la banda, redefinió The Cult como una potencia rock, alcanzando el puesto número 10 en el Billboard 200 y generando cuatro de los 20 principales éxitos del Mainstream Rock Songs, entre ellos el indomable «Fire Woman» (que alcanzó el número 4).

«Sonic Temple» amplió enormemente la audiencia de The Cult. Su portada, teñida de rojo y con Duffy en un auténtico molino de viento a lo Pete Townshend, posa en contra de una silueta de Astbury moviendo el pelo. Stewart apareció en la contraportada; sin embargo, se retiró después de la gira de apoyo del disco. La canción bonus «Medicine Train», donde Duffy se sumerge en la vivacidad de blues, inspiró el título del álbum con la letra “all fired up, a desolation angel / shooting from the hip in the sonic temple”. 

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Sonic Temple (1989)

Billboard estima que «Sonic Temple» ha vendido más de 1.5 millones de copias en los Estados Unidos, ya que la RIAA lo certificó como platino en enero de 1990 por 1 millón de ventas, y ha vendido 429,000 copias desde 1991, según Nielsen Music. Sus canciones han generado 17 millones de transmisiones de audio bajo demanda. Tres décadas después, The Cult está celebrando la grabación al reeditar el álbum en Beggars Banquet Records (fecha de lanzamiento por anunciar), y recorrerá América con la gira «A Sonic Temple», que comienza el 2 de mayo.

El set de temas sigue siendo excepcional porque, con el rugido barítono de Astbury y la tenue interpretación de Duffy, nada más suena así. «Sun King» abre el álbum con la declaración, «aquí es donde termina todo», y The Cult hace su presencia conocida con la gloriosa construcción de la apertura de la canción: una línea de bajo suave y palpitante antes de que la guitarra de Duffy explote…y la pista se transforma en auténtico hard rock. Aunque el título hace referencia a Luis XIV, Astbury, un diabólico meditabundo, está a merced de una mujer oscura y le ofrece su luz, suplicando: «Contigo, compartiré mi trono». «Fire Woman» continúa con esta idea, con el cantante asombrado de una mujer que lo deja tambaleándose.

Hablando de musas, es notable que mientras otras bandas de la época escribían canciones arrolladoras sobre perseguir chicas y divertirse, The Cult se convirtió en poética en «Sonic Temple». Sus mujeres no eran adornos; de hecho, en las cinco canciones que las presentan, son luminarias, ideales de belleza que confunden y permanecen inalcanzables. Ninguna de ellas parece querer tener nada que ver con Astbury, pero todo gran arte conlleva un gran sufrimiento. «Sweet Soul Sister» sigue con una expresión firme y fija a través del sueño bohemio de París. «Soul Asylum» golpea constantemente mientras Astbury le pide a un amante, suplicando refugio en forma de un beso eterno.

El romance oscuro de las raíces psicodélicas góticas post-punk de The Cult vuelve en «American Horse» y «Edie (Ciao Baby)» (esta última con una sección de cuerdas). La larga fascinación de Astbury por las tribus y su sufrimiento se afianza antes de deslizarse lentamente en su tributo a la musa de Andy Warhol, Edie Sedgwick. Su creciente voz representa a un ángel que finalmente termina en la desesperación de su muerte prematura.

«Sonic Temple» se transforma a medida que el estado de ánimo se mueve de himnos de alabanza y anhelo a furia tumultuosa. «New York City», una historia del Manhattan de los años 80, compara a Gotham con un bote de basura de Disneyland sobre una guitarra desgarradora que chilla. «Automatic Blues» es un juego pesado, al estilo de Zeppelin, en el que el cantante implora que el mundo se una, y «Soldier Blue» continúa este tema, aunque es decididamente más rockero. “Wake Up, Time for Freedom” es un sermón que invierte mucho en la repetición del título / coro y que se convierte en una coda de la exploración a la guitarra de Duffy.

«Sonic Temple» es una colección refinada de temas que dan importancia a la madurez de la banda como compositores, y un tono sonoro que brilla con turbulencia y serenidad deslumbrante, con corrientes ocultas de romance oscuro.





Carlos Santana anuncia la gira «Supernatural Now»

16 01 2019

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Carlos Santana

Santana ha anunciado la gira «Supernatural Now», de tres meses y 29 conciertos que celebrará el vigésimo aniversario de su álbum Supernatural de 1999 y el 50 aniversario de su legendaria actuación en Woodstock.

La gira, que cuenta con invitados especiales, The Doobie Brothers en todas las fechas, comienza el 22 de junio en Phoenix y finaliza el 25 de agosto en Wantagh, Nueva York.

Reflexionando sobre los aniversarios, Carlos Santana dijo: “Ambos fueron momentos monumentales en mi vida. Woodstock y Supernatural me llevaron a lugares que nunca soñé que fueran posibles. Abrazé esos momentos increíbles en mi vida con todo mi corazón. Ambas fueron lecciones supremas para mantener el enfoque, el corazón y la integridad en cada paso todos los días y esforzarse por mejorar uno mismo con un alto nivel dentro y fuera del escenario. No puedo pensar en estos dos momentos sin pensar en el Bill Graham y el Clive Davis. Son dos de los muchos ángeles en mi vida que ayudaron a dar forma a mi carrera».

El guitarrista y su banda también interpretarán nuevas canciones de su nuevo EP, In Search of Mona Lisa, así como su próximo álbum completo producido por Rick Rubin.

«Siempre estamos avanzando, y tenemos increíbles nuevas canciones y melodías que te inspirarán», dijo Santana. «Me siento como un joven de 20 años en el escenario tocando con esta banda, y se entregan en cada canción. Cuando subamos al escenario, sabemos que tocaremos tu corazón y te haremos bailar, cantar, llorar, reír y dejar tu equipaje atrás. Los shows estarán bien equilibrados entre los éxitos de ayer, hoy y mañana…»

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Carlos Santana lanzará un nuevo EP

7 01 2019

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Carlos Santana

Santana ha anunciado un nuevo EP, «In Search of Mona Lisa», que se lanzará el 25 de enero, es el primer trabajo de la banda para su nuevo sello, Concord Records. Santana anunció su firma con el sello la semana pasada.

En un comunicado que anunciaba el acuerdo, Concord Records también mencionó que Santana lanzará un álbum completo, producido por Rick Rubin, más adelante este año.

Santana—In Search of Mona Lisa

1. Do You Remember Me

2. In Search of Mona Lisa

3. Lovers from Another Time

4. Do You Remember Me (Edit Version)

5. In Search of Mona Lisa (Edit Version)

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The Smashing Pumpkins lanza «Knights Of Malta»

8 11 2018

Resultado de imagen de the smashing pumpkins 2017

The Smashing Pumpkins

Faltando una semana antes del lanzamiento del nuevo álbum el 16 de noviembre, «Shiny And Oh So Bright Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun», la banda ganadora del Grammy está dando a los fans un adelanto más con la vista previa de la nueva pista «Knights Of Malta». La canción será lanzada oficialmente a través de todos los proveedores de servicios digitales este viernes.

«Knights Of Malta» es la tercera canción que se lanzará del LP, después de «Solara» y «Silvery Sometimes (Ghosts)», ambas disponibles para transmisión y descarga.

En una revisión temprana, la revista Q elogió el LP con cuatro estrellas, destacó sus «momentos de gloriosa distorsión ardiente» y calificó a «Silvery sometimes (Ghosts)» como «una de las canciones más resplandecientes de su carrera».

«Shiny And Oh So Bright Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun», fue producido por el ganador de varios Grammy, Rick Rubin y es el primer LP de Smashing Pumpkins en más de 18 años con los miembros fundadores Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlain, con el guitarrista Jeff Schroeder.

El 28 de noviembre, la banda lanzará sus shows especiales en vivo por el 30 aniversario con una actuación en The Sylvee en Madison, Wisconsin.

Recientemente, el grupo finalizó el «Shiny And Oh So Bright Tour», que vendió más de 300,000 entradas en USA. Producida por Live Nation, la gira fue la primera de la banda en casi dos décadas en presentar a Corgan, Chamberlin e Iha, junto a Schroeder, el bajista Jack Bates y la teclista Katie Cole.








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