«Deuce», el segundo disco de Rory Gallagher, tendrá edición 50º aniversario

5 08 2022

El reciente 50º aniversario del segundo álbum en solitario de la leyenda de la guitarra de blues Rory Gallagher, «Deuce», se celebrará con una reedición masiva del disco.

Con una nueva mezcla del LP original enormemente influyente, más de dos docenas de tomas alternativas inéditas y grabaciones de múltiples sesiones de radio en vivo, la edición en caja del 50º aniversario de «Deuce» se lanzará el 30 de septiembre a través de UMC.

La edición completa de caja de 4 CD también incluirá un libro de tapa dura de 64 páginas con un prólogo de Johnny Marr (quien una vez dijo que tocar juntos fue «un punto de inflexión completo» para él como guitarrista) imágenes inéditas del legendario fotógrafo de rock Mick Rock, ensayos y recuerdos de la grabación del álbum.

Además del conjunto completo de 4CD, la edición del 50º aniversario de «Deuce» también estará disponible en 2CD, 3LP de edición limitada, LP sencillo de edición limitada, HD digital de lujo y ediciones estándar digitales de lujo.

Al igual que su predecesor homónimo, lanzado a principios de 1971, «Deuce» pretendía capturar la explosividad de las actuaciones en vivo de Gallagher en un entorno de estudio.

Gerry McAvoy, que tocó el bajo tanto en Rory Gallagher como en Deuce, explicó el enfoque sencillo de Gallagher para grabar estos primeros álbumes en una entrevista de 2021: «todos los héroes de Rory, como Muddy Waters, probablemente grabaron con dos micrófonos en Chicago, y todos querían tener esa sensación de actuación en vivo. Si había alguna sobregrabación, tal vez era la extraña pista de guitarra rítmica o lo que sea, o una pandereta que sucedería después. Pero básicamente, las voces se grabarían en vivo. Lo que buscaba era una gran actuación: en su mente eso es lo que creó una gran canción».

“Muchas de las otras bandas no lo habrían hecho de esa manera, ¿sabes?…Quiero decir, Deep Purple, Led Zeppelin lo habría hecho de una manera completamente diferente, tal vez, y sobregrabando los solos. Pero Rory quería que fuera lo más vivo posible, lo que a veces puede ser perjudicial desde el punto de vista sonoro. Pero eso es lo que quería Rory y así fue».

Rory Gallagher – Deuce: 50th Anniversary 4CD Box Set tracklist:

CD1

1. Used to Be – 50th Anniversary Edition
2. I’m Not Awake Yet – 50th Anniversary Edition
3. Don’t Know Where I’m Going – 50th Anniversary Edition
4. Maybe I Will – 50th Anniversary Edition
5. Whole Lot of People – 50th Anniversary Edition
6. In Your Town – 50th Anniversary Edition
7. Should’ve Learnt My Lesson – 50th Anniversary Edition
8. There’s a Light – 50th Anniversary Edition
9. Out of My Mind – 50th Anniversary Edition
10. Crest of a Wave  50th Anniversary Edition

CD2

1. Used to Be – Alternate Take 1
2. Used to Be – Alternate Take 2
3. I’m Not Awake Yet – Alternate Take 1
4. Don’t Know Where I’m Going – Alternate Take 1
5. Maybe I Will – Alternate Take 1
6. Maybe I Will – Alternate Take 2
7. Maybe I Will – Alternate Take 3
8. Maybe I Will – Alternate Take 4
9. Maybe I Will – Alternate Take 5
10. Whole Lot of People – Electric Alternate Take 1
11. Whole Lot of People – 6 String Acoustic Alternate Take 1
12. Whole Lot Of People – Deuce Album Session/Alternative Acoustic Take
13. Whole Lot of People – 12 String Acoustic Alternate Take 1
14. In Your Town – Alternate Take 1
15. In Your Town – Alternate Take 2
16. In Your Town – Alternate Take 3

CD3

1. In Your Town – Alternate Take 4
2. Should’ve Learnt My Lesson – Deuce Album Session/Alternative Acoustic Take
3. Should’ve Learnt My Lesson – Deuce Album Session Outtake
4. Should’ve Learnt My Lesson – Alternate Take 2
5. Should’ve Learnt My Lesson – Alternate Take 3
6. There’s A Light – Alternate Take 1
7. There’s A Light – Alternate Take 2
8. There’s A Light – Alternate Take 3
9. Out of My Mind – Alternate Take 1
10. Out of My Mind – Alternate Take 2
11. Out of My Mind – Alternate Take 3
12. Crest of a Wave – Alternate Take 1
13. Crest of a Wave – Alternate Take 2
14. Don’t Know Where I’m Going – Home Demo
15. Maybe I Will – Home Demo
16. Should’ve Learnt My Lesson – Home Demo

CD4

1. Should’ve Learnt My Lesson – Radio Bremen 21/12/1971
2. Crest of a Wave – Radio Bremen 21/12/1971
3. I Could’ve Had Religion – Radio Bremen 21/12/1971
4. For The Last Time – Radio Bremen 21/12/1971
5. Messin’ With The Kid – Radio Bremen 21/12/1971
6. Don’t Know Where I’m Going – Radio Bremen 21/12/1971
7. Pistol Slapper Blues – Radio Bremen 21/12/1971
8. Used To Be – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
9. Should’ve Learnt My Lesson – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
10. Out Of My Mind – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
11. I Could’ve Had Religion – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
12. Crest Of A Wave – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972
13. Messin’ With The Kid – BBC In Concert – Live at The Paris Theatre, 13 January 1972





Diez álbumes (casi) perfectos de los 80’s

25 10 2021
The Joshua Tree', canción por canción

Una vez que la flacidez del rock de los 70 se desvaneció, la próxima década estaba a punto de ser mucho más divertida. Pero, ¿qué hizo exactamente que esta década fuera gloriosa?.

Si tuvieras que echarle la culpa a alguien, una pequeña emisora ​​llamada MTV sería probablemente la principal candidata para hacer que los 80 sucedieran como lo hicieron. Pudimos ver a los artistas interpretar estas canciones, casi se sintió como si hubiera más carne y sangre en todo lo que escuchaste en la radio. Cuando quitas los trucos, estas eran el tipo de canciones que se sentían como algo más…eran canciones que sentían que podían durar mucho, con mensajes que hablaban más a tu alma que a cualquier fan del rock casual. Por mucho que algunos géneros como el hair metal hayan resultado cursis, estas son las canciones que se convirtieron en la banda sonora del futuro. En comparación con el mainstream de los años 90 y más allá, estos son los himnos que tuvieron el poder de sacudir al mundo.

Amazon.com: The Joshua Tree: CDs y Vinilo

1. U2: The Joshua Tree.

Cuando se hablaba de rock en los 80, normalmente había que mirar todo a través de una lente específica. O una banda estaba haciendo rock alternativo, new wave rock, heartland rock, o eran simplemente el tipo de banda de la que te olvidarías una vez que terminara el vídeo. A pesar de que se esperaba que fuera artificial, U2 golpeó al mundo del rock directamente en su herida abierta con The Joshua Tree.

Después de años de ser uno de los mejores actos post punk de discos como War, aquí es donde U2 realmente comenzó a fusionar su sonido con lo que los conocemos hoy, creando texturas de guitarra increíbles en canciones como Where the Streets Have No Name. Aparte de los nuevos afectos, la humanidad en la voz de Bono estaba en marcado contraste con los chicos guapos de la época, sonando como si estuviera al borde de las lágrimas en algunas de estas canciones.

Incluso las canciones que no fueron elegidas como singles todavía golpean con la intensidad de un martillo, desde el intenso tema detrás de Bullet the Blue Sky hasta algunas de las mejores voces de Bono en canciones como Red Hill Mining Town. Este no fue solo un álbum de verano del que te olvidarías el próximo año. Eran canciones que tenían el poder de cambiar el mundo.

Appetite For Destruction : Guns N Roses, Guns N Roses: Amazon.es: CDs y  vinilos}

2. Guns N’Roses: Appetite for Destruction.

Tan pronto como MTV comenzó a triunfar, algunas de las bandas de rock más glamurosas de todos los tiempos lograron ser tocadas como si fueran a lograr la segunda juventud, desde Whitesnake hasta Poison haciendo su debut en la plataforma. Sin embargo, una vez que llegamos al final de la década, Guns N Roses le dió a toda la era del rock la patada en el trasero que merecía.

Formado más como una pandilla que como una banda de rock real, había mucha más musicalidad cruda en Appetite for Destruction de la que encontraría en una banda como Ratt, yendo por solos que se sentían mucho más en sintonía con el rock clásico de los ’70. Si bien aún tenía una actitud amigable con la cámara, el poder estelar de Axl Rose y Slash los convirtió en dos de los titanes de la industria de la música en ese momento, especialmente después de tener éxitos como Sweet Child O Mine.

Las letras también eran mucho más maduras, pasando de canciones sobre el amor a entrar en el vientre de Los Ángeles en Welcome to the Jungle o lo cruda que puede ser la vida en la calle en It’s So Easy o Paradise City. Era hora de que el resto de las banda de hair metal se fueran. La banda más peligrosa del mundo acababa de llegar.

The Smiths: La historia detrás de la portada de The Queen is Dead

3. The Smiths: The Queen is Dead.

Junto con todos los rockeros con laca que se pavonean en MTV, había muchas más caminos por explorar en los años 80. Casi al mismo tiempo que gente como Duran Duran subía en las listas de éxitos, un pequeño género conocido como rock alternativo también estaba comenzando a ver la luz, con bandas como The Pixies y REM en las estaciones de radio universitarias. Si bien la mayoría de estas bandas no alcanzaron su ritmo hasta los años 90, The Smiths se les adelantó con The Queen is Dead.

Habiendo sido los favoritos de la escena del rock británico durante un tiempo, Morrissey y Johnny Marr finalmente encontraron algunas de las mejores canciones de su carrera en este álbum, creando historias de personas que son tan audaces y descaradas como rotas por dentro. Aunque podrías llamarlo un poco exagerado en algunos puntos, pistas como The Boy With the Thorn In His Side y There is a Light That Never Goes Out aprovechan ese lado emocional interno de nosotros mismos que tratamos de mantener en secreto en nuestro día para vive el día.

Eso tampoco es para descartar la forma en que Marr toca la guitarra, quien pone cada nota donde debe estar en canciones como Bigmouth Strikes Again. Si bien algunos Smiths dirían que este fue el principio del fin para el grupo, solo un puñado de bandas alternativas pueden esperar hacer un disco tan prístino.

Back in Black (álbum) - Wikipedia, la enciclopedia libre

4. AC/DC: Back in Black.

Dado que perdieron a uno de los mejores frontman de todos los tiempos, Bon Scott, no había razón para que continuaran sin su voz áspera y desigual. Sin embargo, para nuestra sorpresa, Angus Young no iba a pasar el resto de su carrera musical deprimido.

Con el nuevo cantante Brian Johnson a cuestas, estos australianos se propusieron hacer un álbum que se sintiera como un digno tributo a su hermano caído, que se convirtió en uno de los mejores álbumes de toda su carrera. Tampoco es que el espíritu de Bon no esté vivo y bien representado en este disco, desde el toque de apertura de la campana en Hells Bells hasta canciones como la canción principal que actúa como una celebración de lo que hizo en lugar de un memorial.

Tampoco se detiene en un puñado de elogios, dado que canciones como You Shook Me All Night Long y Shoot To Thrill podrían presentarse como el mejor trabajo de cualquier banda de rock menor si lo hubieran publicado por su cuenta. Tal como está, AC / DC descubrió que la mejor manera de alcanzar la perfección máxima no es intentar replicarla. Se trata de mirar profundamente dentro de ti mismo y encontrar algo de lo que ni siquiera estabas seguro de ser capaz.

Rolling Stone México on Twitter: "'Synchronicity' se estrenó un día como  hoy, pero de 1983. Así The Police cerró su carrera con broche de oro:  https://t.co/vpQqlBOUmr… https://t.co/TCMz6POfKo"

5. The Police: Synchronicity.

Toda la trayectoria profesional de The Police es casi como un feliz accidente. Teniendo en cuenta los orígenes dispares de los que provenían cada uno de estos músicos, es un milagro que obtuviéramos al menos un disco tan bueno como es, y mucho menos cinco. Sin embargo, cuando comenzaron a llegar al final, comenzamos a ver cuán lejos su la música pudo llegar a Synchronicity.

Desde sus inicios punk en el álbum Outlandos D’Amour, este fue el momento en el que Sting finalmente alcanzó la cima de sus poderes de composición, con canciones como Every Breath You Take y Wrapped Around Your Finger siendo algunos de los mejores singles pop de la década. Tampoco escatimó en cosas más cerebrales, ya que las dos canciones principales fueron un extraño viaje musical en sí mismas.

Por supuesto, siempre hay esos pequeños puntos en el radar, como la oda de Andy Summer al abuso infantil en Mother, que tienden a derribar el resto del disco. Por otra parte, esos son los momentos que casi sirven a la fluidez del álbum mucho mejor, casi haciéndote apreciar aún más las partes brillantes del disco. Así que tenemos teclados en algunos de los mejores singles pop de todos los tiempos…y algunos momentos cursis añadidos en buena medida. Sí…este álbum es más o menos de los 80 en pocas palabras.

Screaming for vengeance - Judas Priest - ( CD ) - 売り手: didierf -  Id:117734892

6. Judas Priest: Screaming for Vengeance.

A principios de la década, el metal estaba a punto de evolucionar hacia algo muy diferente de lo que era en los 70. Como las escenas de hair metal y thrash ocurrieron al mismo tiempo, el metal estuvo en una década que tuvo algunos de sus momentos más agresivos y más vergonzosos al mismo tiempo. Incluso cuando las bandas filtraban el metal a través del glam y el punk, Judas Priest se adelantó para mostrarnos cómo se hacía el verdadero metal.

Al llegar a la escena para anunciar la nueva ola de heavy metal británico, Judas Priest creó otra obra maestra para poner junto a British Steel, con algunas de las canciones más agresivas que escribirían en esa década. Desde el primer golpe de Hellion en Electric Eye, te espera un viaje emocionante desde el momento en que comienza este álbum, con cada banda de metal contabilizada.

Tienes la velocidad de Riding on the Wind, la fuerte influencia de Sabbath en Bloodstone e incluso las primeras incursiones en el mundo del pop metal en canciones como You’ve Got Another Thing Comin. Por otra parte, podría haber sido una ganga demasiado para Priest, especialmente considerando los errores que cometerían durante el resto de la década como Turbo. Aún así, es mejor tener al menos uno de estos en su arsenal que no haber alcanzado la perfección en absoluto.

R.E.M. - Murmur (1983) | Exile SH Magazine

7. REM: Murmur.

La mayoría de las grandes bandas de la generación de MTV vivieron y murieron en la imagen que proyectaron en la pantalla. Es por eso que la mayoría de las bandas de los 70 no pudieron ponerse al día cuando el medio cambió…solo tienes que mantenerte al día. Entonces, ¿cómo diablos fue uno de los discos más famosos de principios de los 80 el de una banda que no tenía tanta presencia visual para empezar?.

La estética que buscaba REM en los primeros días parecía la antítesis de lo que se suponía que era el rock and roll, siendo demasiado artística. Sin embargo, cuando realmente escuchas las canciones, todo lo promocional comenzó a desvanecerse lentamente, con los fans cayendo perdidamente por las partes de guitarra tintineantes y el increíble canto de Michael Stipe.

Estos tipos ni siquiera necesitaban letras adecuadas para la mayoría de estas canciones, y Stipe finalmente afirmó que estaba murmurando más de la mitad de las letras de canciones como Radio Free Europe. Sin embargo, mirando hacia atrás, realmente no necesitas entender la letra para entender por qué esto fue tan popular. De vez en cuando, tendrás una banda que tocó la emoción tan bien que la melodía llega directamente a tu corazón.

Álbum Pyromania, Def Leppard | Qobuz: descargas y streaming en alta calidad

8. Def Leppard: Pyromania.

Cuando el hard rock conoció la MTV, terminó pareciendo mucho más caricaturesco de lo que originalmente se convirtió. Si bien las estrellas de la época lograron darnos leyendas de sus géneros como Michael Jackson y Prince, el mundo del hard rock tuvo que conformarse con Billy Idol o Twisted Sister que le dieron su giro a la fórmula del rock. Y luego finalmente nos familiarizamos con un disco de rock con tanta fuerza detrás como cualquier álbum de pop.

Desde las notas iniciales de Pyromania, el sonido del disco es absolutamente gigantesco, cortesía de Mutt Lange. Junto con el talentoso don de Def Leppard para la melodía, la mayoría de estas canciones parecían estar pulidas hasta un brillo absoluto, con partes de guitarra que casi parecen armonizar entre sí debido a lo precisas que son.

Sin embargo, cualquier disco puede sonar bonito…echemos un vistazo a esta lista de pistas. Con solo 10 canciones, Def Leppard cumple su promesa de ser su nueva banda de rock favorita, con canciones que capturan la esencia del rock and roll en su forma más pura, desde el sonido de Rock of Ages hasta el coro casi poderoso de Stagefright…apenas habían pasado de la adolescencia, pero Def Leppard ya tenía el resto del movimiento hair metal arrodillado a sus pies después de este álbum.

Southern Accents | HIGHRESAUDIO

9. Tom Petty: Southern Accents.

Tom Petty no parece recibir suficiente crédito por lo mucho que pudo dominar los años 80. Como venía de ser una leyenda del radio rock en los años 70, había una porcentaje posibilidades de 50/50 de que continuaría su racha ganadora o se hundiera como una piedra. Sin embargo, por el aspecto de la producción de Southern Accents, no habrías puesto tu dinero en un estado legendario.

Dado que originalmente se suponía que iba a ser un álbum doble, las sesiones impulsadas por las drogas paralizaron todo, y Tom eligió lanzar un solo álbum con las mejores pistas. Lo que obtuvimos en cambio fueron algunas de las canciones con un sonido más orgánico que podrían salir de un disco de pop rock. Siendo un claro descendiente de los Bruce Springsteen del mundo, la visión de Petty del corazón de Estados Unidos es a partes iguales cínica y romántica, mostrando los lados más ásperos de las pistas así como los escénicos.

Para cada canción como Spike, hay algo así como la canción principal, que muestra al niño pequeño sin pretensiones debajo de la escritura de Petty, cuya chispa para el rock and roll lo sacó de Gainsville en busca de cosas mejores. Aunque la vida de un perro en fuga puede no ser glamurosa todo el tiempo, no ha dejado de ser poética a medida que pasan los años.

Rush, Permanent Waves (Remastered 2015) in High-Resolution Audio -  ProStudioMasters

10. Rush: Permanent Waves.

Una vez que la era de MTV se aceleró, el mundo del rock progresivo recibió un golpe significativo. Aunque bandas como Yes y Genesis se las arreglaron para hacer la transición a la era de los vídeos musicales bastante bien, la era de los solos de una milla de largo y Emerson Lake & Palmer se habían desvanecido desde hacía mucho tiempo. Incluso cuando la gente estaba emparejando cosas y haciendo todo más simple, Rush mantuvo su complejidad y logró llegar a las listas de todos modos.

A principios de los 80, Permanent Waves es el sonido de este trío canadiense que finalmente descubre qué funciona mejor para el molde de Rush, incorporando todo, desde música reggae hasta canciones de varias partes sin pestañear. Aunque algunas de estas pistas son un poco largas para los estándares de la radio de rock, se necesitaría un oyente atento para escuchar el primer toque de Spirit of Radio y decidir girar el dial.

Al desglosar la letra, este es también uno de los álbumes más emocionales que jamás haría Rush, con Neil Peart lidiando con la idea de la libertad de elección en Freewill y las duras realidades que surgen al tratar de encontrar una conexión humana en Entre Nous. El tema puede parecer severo como el infierno en la primera escucha, pero la música real es una de las más divertidas que tendrás mientras escuchas rock progresivo.





Kraftwerk cabeza de cartel del Warm Up Estrella de Levante

12 12 2019

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Kraftwerk

Una de las sorpresas mejor guardadas del Warm Up Estrella de Levante para su próxima edición llega hoy. Kraftwerk, los pioneros del género electrónico, son el nuevo cabeza de cartel para 2020 con uno de los shows de mayor envergadura que han pasado por la zona. Se unen a Johnny Marr, Modeselektor, Hot Chip, Mando Diao, Viva Suecia, León Benavente, Dorian, Carlos Sadness o Rufus T. Firefly.

Después del enorme éxito mundial de la gira de conciertos en formato 3D, Kraftwerk anuncian una nueva fecha en Murcia con un show que fusiona música con arte audiovisual. El proyecto multimedia de la formación nació en 1970 de la mano de Ralf Hütter y Florian Schneider.

A mediados de los setenta, Kraftwerk ya había alcanzado el reconocimiento a nivel internacional por lo revolucionario de su electrónica, sus pasajes sonoros y su experimentación musical con robótica y más innovaciones técnicas que implementaron. Con sus visiones de futuro, crearon la banda sonora de la era digital del siglo XXI. Mediante el uso de técnicas innovadoras, voces sintéticas y ritmos computarizados, han creado composiciones que han influenciado de manera internacional a un enorme rango de géneros musicales. Desde el electro al hip hop, o del techno al synth pop.





Johnny Marr en el último episodio de Ernie Ball String Theory

6 05 2019

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Johnny Marr

Hoy te traemos el último episodio de String Theory, esta vez protagonizada por el guitarrista de The Smiths, Johnny Marr.

Creada por Ernie Ball, String Theory explora los orígenes sonoros de músicos influyentes e innovadores. En este episodio, Marr habla de sus inicios con la música y la guitarra, su amor por tocar, además de su relación con Ernie Ball y mucho más.

Hablando de su relación con la música, Marr dice: «Hay una política en ella, hay una obsesión en ella, hay un romanticismo en ella, hay una poesía en ella y su propia relación personal. Es un mundo entero, en realidad».





Tony Iommi premio Gibson Les Paul Award

21 10 2015

Tony-Iommi

Tony Iommi, pionero del heavy metal, fue honrado con el Gibson Les Paul Award en los Q Awards de este año. El premio honra la innovación, el arte y la inspiración en la guitarra. El premio para Iommi se produce después del de Johnny Marr de The Smiths, que recibió el premio el año pasado.

«Tony es uno de esos guitarristas en los que realmente se define un género y un sonido. Su influencia es enorme, pero, igualmente, hay una sutileza real en su forma de tocar que a menudo se pasa por alto. Se remonta a su temprano amor de Django Reinhardt, que fue una influencia formativa de Tony. Al igual que con todos los grandes músicos, Tony es totalmente único, y eso es lo que el Gibson Les Paul Award premia».

Al comentar el premio, Iommi dijo «Estoy muy honrado de recibir el Premio Les Paul, muchas gracias a la revista Q y Gibson».

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Otros ganadores de la noche incluyen Noel Gallagher (Mejor Álbum), The Libertines (Mejor Canción por ‘Gunga Din’), Duran Duran (Icono Q), New Order (destacada contribución a la música) y Foals.





Johnny Marr galardonado con el Gibson Les Paul Award

28 10 2014

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El ex guitarrista de Smiths, Johnny Marr, ha sido el destinatario del prestigioso Gibson Les Paul Award en la ceremonia celebrada ayer de los Xperia Access Q Awards de ayer. Sir Bradley Wiggins, ganador del Tour de Francia (y fiel fan de las Les Paul), presentó a Marr .

«Fue Marc Bolan quien me convirtió [ a las Les Paul] cuando yo estaba viendo Top of the Pops», dijo Marr. «No tiendo a usar la palabra «icono» demasiado … pero las Les Paul son auténticos icónos. Y Les Paul como músico era un tipo increíble … un genio del siglo pasado. Ser premiado por hacer algo que amas es increíble «.





Nuevas Fender Select Series

5 01 2012

Nuevas Fender Select 2012

Fender se aventura a lanzar una nueva série de modelos con ciertas características especiales con respecto a sus modelos «de fábrica», tanto modelos Standard, como Special o Deluxe. Como principal característica los modelos de la série «Select» utilizan tapas de madera figurada (arce o koa), acabados semitransparentes, radios de diapasón compuestos…

Fender Select Stratocaster HSS

Cuerpo de aliso con tapa de arce flameado, acabado «antique burst», mástil de arce «birdseye», contorno «C», 22 trastes «medium jumbo», inlays nacar, diapasón de palosanto con radio variable 9.5″-14″, acabado satinado, doble alma Bi-Flex, configuración HSS con pastillas Fender Select, controles de volumen con Switch S1+tono 1+tono 2, hardware cromado, trémolo sincronizado de dos pivotes, calibre de cuerdas 9-42, case G&G.

Fender Select Stratocaster

Cuerpo de aliso con tapa de arce flameado, acabado «dark cherry burst», mástil de arce «birdseye», contorno «C», 22 trastes «medium jumbo», diapasón de arce con radio 9.5″, acabado satinado, doble alma Bi-Flex, configuración SSS con pastillas Fender Select, controles de volumen+tono 1+tono 2, hardware cromado, trémolo sincronizado de dos pivotes, calibre de cuerdas 9-42, case G&G.
Fender Select Carved Maple Top

Cuerpo «carved» con tapa de arce flameado, acabado ámbar, mástil de arce «birdseye», contorno «C», 22 trastes «medium jumbo», diapasón de arce con radio variable 9.5″-14″, acabado satinado, doble alma Bi-Flex, configuración SS con pastillas Fender Select, controles de volumen con Switch S1+tono, hardware cromado, puente American Tele con selletas American Standard y base estampada, calibre de cuerdas 9-42, case G&G.

Fender Select Telecaster

Cuerpo de fresno con cámaras de resonancia con tapa de arce flameado, acabado «violin burst», mástil de arce «birdseye», contorno «C», 22 trastes «medium jumbo», diapasón de arce con radio variable 9.5″-14″, acabado satinado, doble alma Bi-Flex, configuración SS con pastillas Fender Select, controles de volumen con Switch S1+tono, hardware cromado, puente American Tele con selletas American Standard y base estampada, calibre de cuerdas 9-42, case G&G.

Fender Select Carved Koa Top Telecaster

Cuerpo «carved» con tapa de koa, acabado «Sienna edge burst», mástil de arce «birdseye», contorno «C», 22 trastes «medium jumbo», diapasón de palorrosa con radio variable 9.5″-14″, acabado satinado, doble alma Bi-Flex, configuración SS con pastillas Fender Select, controles de volumen con Switch S1+tono, hardware cromado, puente American Tele con selletas American Standard y base estampada, calibre de cuerdas 9-42, case G&G.

Por supuesto tambien los modelos Fender Select Precision Bass y Fender Select Jazz Bass…

Los precios, como era de esperar, no son especialmente accesibles, y posiblemente se sitúen entre los modelos American Deluxe y las Custom Shop.

Así mismo tambien se ha lanzado el modelo Fender Johnny Marr Signature Jaguar.

Johnny Marr es muy conocido por ser el niño prodigio, sorprendentemente dinámico e influyente allá donde va con una imagen de guitarrista antihéroe y arreglista musical, tras el cuarteto de Manchester los Smiths, que redefinió y lideró virtualmente el pop británico durante los 80. Un maestro de la melodía, superposición y textura, Marr siempre ha traído su identificable genio chirriante y sonoro a las actuaciones, como lo ha hecho después de las temporadas con los Smiths con The The, Electronic, los Pretenders y Johnny Marr y los Healers, y justo ahora en el presente con Modest Mouse, los Cribs y con incontables apariciones como invitado.

Disponible en acabados «olympic white» y «metallic ko», la Fender Johnny Marr Signature Jaguar presenta un cuerpo de aliso con un mástil basado en la Jagurar ’65 de Johnny con 22 trastes estilo vintage y un radio de 7.25″ con la típica escala de 24″. Las pastillas son las Custom Wound Bareknuckle Johnny Marr controladas con un selector de cuatro posiciones y controles de volumen y tono.








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