Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





Kirk Hammett anuncia «Portals», su EP instrumental en solitario

8 02 2022
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El guitarrista de Metallica, Kirk Hammett, grabó «Portals», un EP instrumental de cuatro canciones, y celebrará el Record Store Day con su lanzamiento mundial. Disponible en todas las plataformas digitales, en CD y como un EP de vinilo azul marino (que incluye una tarjeta de descarga), podrá recoger una copia en su tienda de discos ese día o hacer un pedido en Metallica.com.

Hammett comenta: «inicialmente, incluso antes de que tuviera la idea de un EP en solitario, me inspiró la necesidad de crear algún tipo de banda sonora para acompañar a The Kirk Hammett Collection para la primera exposición ‘It’s Alive’ en el Museo Peabody Essex en Salem, Massachusetts, 2017. Quería concebir música que sonara en un bucle de fondo mientras la gente caminaba por la exposiciób. Me senté una noche con una progresión y, antes de darme cuenta, todas las partes estaban allí. El concepto inicial de ‘Portals’ comenzó con esa canción. Después de eso, me di cuenta de que podía crear diferentes momentos de la banda sonora. Estas canciones son lo que llamo ‘audio cinematográfico’; estoy creando sonidos y piezas musicales para las películas que se reproducen. en mi cabeza. Con suerte, crearán películas en la cabeza de otras personas de manera similar».

Fiel a su título, «Portals» es una colección de puertas de entrada a destinos musicales y psíquicos. Grabado en todo el mundo, desde Los Ángeles hasta París y Oahu, «Portals» es el resultado de los viajes de la vida de Kirk y una invitación a acceder a su propio mundo interior. Fuertemente influenciado por la música clásica, las bandas sonoras, las películas de terror y tal vez un poco de Ennio Morricone, Kirk quería que el EP abarcara décadas y abordara todo el terror que ama. La idea detrás del EP era que todas las canciones fluyeran entre sí, por lo que confió en todo un elenco de amigos para grabar las cuatro canciones.

Producida por Kirk, «Portals» se compone de las canciones «Maiden And The Monster» y «The Jinn» en la cara A, seguidas de «High Plains Drifter» y «The Incantation» en la cara B. Las dos últimas fueron coescritas con Edwin Outwater, a quien quizás recuerdes de «S&M²«. Outwater también contribuyó con los teclados y dirigió a los músicos orquestales de la Filarmónica de Los Ángeles en «Portals«.

Otros nombres familiares entre los músicos de «Portals» incluyen a los batería Jon Theodore y Abraham Laboriel, Greg Fidelman en el bajo, el arreglista ganador del Emmy Blake Neely y Bob Rock.





Diez discos icónicos lanzados en 1991

24 09 2021
1991, el año de los prodigios - Mússica
Nirvana

Si hay algo que caracterizó a la década de los ’90 fue su música, sobre todo los que salieron en el 1991: son tan complejos y enriquecedores, que sus huellas aún se ven plasmadas en la industria y en todo lo que hacemos.

Mientras en Seattle se estaba cocinando el grunge como una respuesta áspera e iracunda al glam rock, en el Reino Unido aparecía el britpop con sonidos mucho más brillantes y apetecibles. Esto y más estalló durante 1991. En un lapso de tres meses se lanzaron álbumes que seguimos considerando clásicos y que aún nos vuelan la cabeza Para algunas bandas fue reinvención, para otras fue el origen, y para la música fue un honor. Te hacemos una breve reseña cronológica de los discos de 1991 que en tan sólo tres meses marcaron a la música y los fans para siempre.

12 de agosto: Metallica, «The Black Album»

Cómo se grabó el Black Album de Metallica | Hispasonic

Metallica inició los noventas con un nuevo productor, Bob Rock, quien era conocido por sus trabajos con Bon Jovi y Mötley Crüe. Eso no resonó bien en los fans que empezaron a llamarlos “vendidos”. Con gran influencia de AC/DC, ellos sabían que eran canciones más digeribles, incluso se cuestionaban la incursión de una balada como “Nothing Else Matters”, pues era una señal de una supuesta debilidad.

Sin embargo, ignoraron estas dudas y las críticas hacia su nuevo productor, y nos regalaron algunos de los himnos del metal más emblemáticos de la década, así como uno de los discos más exitosos de su género. 

26 de agosto: Blur, «Leisure«

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Así fue como Damon Albarn y compañía se presentaron al mundo. Aún cuando no se cocinaba por completo todo lo que Blur tenía para ofrecer, nos dio brillantes señales de su genialidad y gran habilidad de hacer coros y melodías que se filtran en tu mente para jamás salir.

Escuchar “There’s No Other Way” es adentrarte a la estética noventera y sentir que la década te respira en la nuca. Un disco de 1991 marcado por sus grandes influencias de la riquísima escena de Manchester y el shoegaze, y que sentó las bases para el Parklife y el movimiento britpop.

27 de agosto: Pearl Jam, «Ten«

PEARL JAM - Ten - Reloop Shop

Antes de Ten, nadie había escuchado una voz como la de Eddie Vedder. Su voz y sus letras deslumbraron a Stone Gossard, Jeff Ament Mike McCready cuando Vedder regresó sus demos desde California, después de una sesión de surf. Así fue como cobraron vida historias trágicas como el suicidio de un niño en clase, una chica recluida en una institución de salud mental, una conversación honesta con un padre fallecido, un vagabundo que está enloqueciendo y una “mini ópera” que describe a un asesino en serie.

Considerado uno de los mejores discos debut de la historia, «Ten» se caracteriza del resto del grunge por tener tintes de rock clásico, algo evidente en los riffs de McCready influenciados por Hendrix y Stevie Ray Vaughan. Esto marcó el inicio de un camino que se ha enriquecido del gran vínculo que los miembros de la banda forjaron entre ellos con los años. Sabían que sólo ellos podían salvarse protegiéndose entre sí. Se negaron a morir, aguantaron las tragedias y, contra todo pronóstico, siguen vivos, tal y como lo predijo el primer sencillo de este álbum.

17 de septiembre: Guns N’ Roses, «Use Your Illusion I & II»

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¿Cómo superas a uno de los discos debuts más grandes de toda la historia? Guns N’ Roses sabía que no podían mejorar lo hecho en «Appetite for Destruction», así que decidieron tomar otro rumbo. Con sesiones de composición en tiempo récord lograron tener alrededor de 36 canciones; la inspiración estaba fluyendo y la banda estaba en su punto creativo más alto. 

Al momento de entrar al estudio, Slash e Izzy empezaron a perder la paciencia con el perfeccionismo de Axl, siendo “November Rain” el gran dolor de cabeza. La banda no la consideraba como una canción característica de su sonido, según confesó Duff McKagan, pero los fans tuvieron la última palabra.

Esta fue la primera vez que una banda lanzó dos discos distintos el mismo día, y si bien se vendieron por separado, siempre se les consideró como uno mismo, que hasta la fecha sigue siendo idolatrado.

23 de septiembre: Primal Scream, «Screamadelica»

Primal Scream - Screamadelica — Futuro

Bobby Gillespie es un fiel creyente de que el rock ’n’ roll debe bailarse y «Screamadelica» es la prueba de ello. Con influencias poperas de los setentas, y mucho speed y ecstasy, «Screamadelica» es una mezcla perfecta de música dance y rock, no de sus ideologías o lo que representaban, sino de lo que te hacían sentir.

Considerado uno de los mejores discos de 1991, y por muchos, entre los mejores de la historia trascendiendo el tiempo e influencias.

23 de septiembre: Pixies, «Trompe Le Monde»

Pixies — Trompe Le Monde (1991): una (primera) gran despedida que llegó un  día antes de que Nirvana lo cambiasen todo - Noticias - Hipersónica

El disco previo a su separación en 1993 y el último en el que aparece Kim Deal, quien ya se había dado su escapada con The Breeders«Trompe Le Monde» salió justo un día antes que «Nevermind» de Nirvana como un guiño de que la música alternativa que estaba viendo la luz no hubiera sido posible sin la influencia de Pixies.

Ya se notaba la mala relación entre Black Francis y Kim Deal, pero también nos dio un álbum lleno de riffs distorsionados y cambios de ritmo. Este álbum le puso cierre a una época para así convertirse en una banda de culto.

s4 de septiembre: Nirvana, «Nevermind«

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Cuando Nevermind se volvió disco de oro, Nirvana aún tocaba en lugares con 800 personas; seguían saliendo de gira en una furgoneta cuando se convirtió en platino. Así lo confesó Dave Grohl, quien en el momento en que lanzaron el disco aún vivía en un cuarto trasero en la casa de un amigo, mientras Kurt Cobain seguía viviendo en el piso de su novia. El resto es historia, pues el álbum llegó al #1 de Billboard desplazando a Michael Jackson. 

La vida de Cobain, Novoselic y Grohl cambió rápida y drásticamente, al igual que la de muchos fans que se sintieron identificados. Su influencia fue más allá de Seattle o de la Generación X. Un disco que fue punta de lanza de un movimiento que sigue conectando con generaciones gracias a su sonido crudo y su honestidad sin poses.

La ira mutó en riff y la figura del rockstar se tiñó de dolor. El glam rock se hincó en señal de rendición para salir por la parte trasera de la industria. Lo que sea que digamos de Nevermind, siempre será poco.

24 de septiembre: Red Hot Chili Peppers, «Blood Sugar Sex Magik»

EN LA MANSIÓN DEL MAGO HOUDINI (Red Hot Chili Peppers. Blood Sugar Sex Magik,  1991) | Música | EL MUNDO

Este disco de 1991 fue el inicio de una larga y fructífera historia entre Rick Rubin y los Red Hot Chili Peppers. El productor les dio la libertad de jugar más con la melodía y dejar poco a poco los riffs metaleros. El mundo se dio una idea del verdadero potencial de John Frusciante desde los primeros acordes de “Under The Bridge”.

Fue tan grande el impacto, que el guitarrista dejó a los Peppers poco tiempo después, marcando el inicio de una relación inestable pero muy emotiva entre Frusciante y el resto de la banda.

Un disco que definió el sonido característico de los Peppers al encontrar nuevas formas de expresar su groove, y también marcó pauta en lo que a música alternativa se refiere, inspirando a nuevas generaciones de funk metal y derivando en subgéneros como el nü metal.

24 de septiembre: Soundgarden, «Badmotorfinger«

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Este es, por mucho, el más pesado y oscuro de los álbumes grunge que golpearon la música ese año, pues además de contar con la inigualable voz y letras de Chris Cornell, también desafiaba a la todopoderosa MTV que prohibió su video “Jesus Christ Pose”, ganándose la etiqueta de anticristianos en algunos lugares.

Tal vez no fue su mayor éxito, pero para muchos es el Soundgarden más auténtico y crudo, mientras que para otros este es su mejor disco. Este álbum significó la despedida de Soundgarden de la escena underground de Seattle, en donde ya eran considerados una autoridad con una gran credibilidad y dos discos bajo el brazo.

También fue la bienvenida a Ben Shepherd tras la partida del bajista fundador Hiro Yamamoto. Sin duda, fue una gran carta de presentación al mundo que sentaría las bases de lo que fue el aclamadísimo «Superunknown». 

18 de noviembre: U2, «Atchung Baby»

U2, Achtung Baby in High-Resolution Audio - ProStudioMasters

Antes de que el «Kid A» de Radiohead fuera referencia de reinvención en una banda, «Achtung Baby» estuvo en su lugar. Si bien actualmente U2 no es sinónimo de innovación musical, en los 90 experimentaron con su estilo como nadie. Este disco de 1991 fue la piedra angular de esa evolución.

No había nada que se escuchara como U2: crearon sus propias reglas y se volvieron provocadores por excelencia; la guitarra de The Edge agarró tintes aún más icónicos y sus conciertos se volvieron legendarios. Bono se convirtió en el rockstar vivo de la década. 

Ellos habían pasado de la ola del post punk al rock clásico y venían de un estilo americano; ya tenían bien cimentado su lugar en la industria y el reconocimiento de los fans, pero rápidamente entendieron que la evolución hacia lo alternativo los haría leyendas y fue así como en ese periodo se convirtieron en la banda más grande del mundo.





El «Black Album» de Metallica vuelve al top 10 después de 29 años

20 09 2021
El polémico festejo de los 30 años del 'Black Album' | MVS Noticias

Según Billboard, el álbum homónimo de Metallica, comúnmente conocido como el «Black Album», vendió 37,000 unidades de álbumes equivalentes en los EE. UU. en la semana que terminó el 16 de septiembre para aterrizar en el puesto número 9 en la lista Billboard 200. Es la primera vez en 29 años que el LP se encuentra en el Top 10 después de la reedición del 30 aniversario del set el 10 de septiembre.

The Black Album es uno de los discos de mayor éxito comercial y aclamado por la crítica de todos los tiempos. Su lanzamiento en 1991 no solo le dio a Metallica su primer álbum No. 1 en no menos de 10 países, incluidas de cuatro semanas en el No. 1 en los EE. UU., su serie implacable de sencillos: «Enter Sandman», «The Unforgiven», «Nothing Else Matters«, «Wherever I May Roam» y «Sad But True» impulsaron el ascenso de la banda a cabeza de cartel de estadios, la radio y MTV. La recepción del álbum por parte de la prensa fue igualmente acusada, construyéndose a lo largo de los años desde el top 10 de la encuesta nacional de críticos de Village Voice Pazz & Jop de 1991 hasta convertirse en una presencia constante en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone. El impacto y la relevancia del álbum continúan creciendo, como lo demuestra un hecho indiscutible: The Black Album sigue siendo indiscutible como el álbum más vendido en la historia de Nielsen SoundScan, vendiendo más que todos los lanzamientos en todos los géneros durante los últimos 30 años.

Para conmemorar su 30 aniversario, el ganador de un Grammy y 16 veces platino recibió su relanzamiento definitivo a través de Blackened Recordings de la banda.

El LP homónimo de Metallica en 2014 se convirtió en el primer álbum en vender 16 millones de copias desde que Nielsen SoundScan comenzó a rastrear las ventas en 1991.

«Metallica» fue la primera de cuatro colaboraciones con el productor Bob Rock, con quien la banda se enfrentó a lo largo de la grabación del disco.





The Offspring: vídeo de «This is not Utopia»

8 07 2021
The Offspring están de vuelta con nuevo disco - Muzikalia
The Offsrping

Los rockeros del sur de California, The Offspring, han lanzado el vídeo oficial dirigido por Samuel Bayer para la canción «This Is Not Utopia». La pista está tomada del último álbum de la banda, «Let The Bad Times Roll», que llegó en abril a través de Concord Records. El disco fue nuevamente producido por Bob Rock, quien también trabajó en los dos últimos LP de la banda.

En una entrevista reciente, el cantante Bryan «Dexter» Holland declaró sobre «This Is Not Utopia», que habla de las raíces de la «histeria» estadounidense: «Mira a tu alrededor. Es obvio que esto no es una utopía. Podríamos hacerlo mejor, ¿verdad?. Es importante para nosotros no dar la impresión de ser políticos. Nunca quiero sermonear, nunca quiero decirte que debes pensar así, que debes hacer algo o actuar de cierta manera, pero sí quiero lanzar las observaciones y puedes sacar tu propio punto de vista, ya seas liberal o conservador, pensar en las cosas que todos podemos hacer para mejorar».

Holland, el guitarrista Kevin «Noodles» Wasserman, el batería Pete Parada y el nuevo bajista Todd Morse escribieron y grabaron «Let The Bad Times Roll» en los últimos años en varios lugares, incluido el estudio de la banda en Huntington Beach, California.





The Offspring: vídeo de «We Never Have Sex Anymore»

14 05 2021
The Offspring versiona 'Christmas (Baby Come Home)', de Darlene Love | Marca
The Offspring

The Offspring han lanzado el video oficial dirigido por Scott Schafer para la canción «We Never Have Sex Anymore». La pista está tomada del décimo álbum de estudio de la banda, «Let The Bad Times Roll», que llegó el 16 de abril a través de Concord Records, y fue nuevamente producido por Bob Rock, quien también trabajó en los dos últimos LP de la banda.

El cantante Bryan «Dexter» Holland, el guitarrista Kevin «Noodles» Wasserman, el batería Pete Parada y el nuevo bajista Todd Morse escribieron y grabaron «Let The Bad Times Roll» en los últimos años en varios lugares, incluido el estudio de la banda en Huntington Beach, California. .

Hablando sobre la larga brecha entre «Let The Bad Times Roll» y el álbum anterior, Noodles dijo: «hemos estado trabajando en ello por un tiempo. En realidad, hace dos o tres años, todo comenzó realmente como un clic, y tuvimos un período realmente creativo. Esperábamos tener el disco hecho probablemente hace cinco años, y simplemente tomó más tiempo hacer algo que realmente sentimos que era fuerte y representante de la banda».

Dexter agregó: «creo que eso es todo. Tenía que estar bien antes de que quisiéramos publicarlo. En realidad no teníamos una fecha límite. Ni siquiera teníamos una etiqueta, en realidad, estábamos flotando por ahí. Así que fue un buen momento para tomarnos nuestro tiempo y hacer el disco correcto».

Con respecto a la inspiración para el título del álbum «Let The Bad Times Roll», Dexter comenta: «hace dos álbumes teníamos una canción [en ‘Rise And Fall, Rage And Grace’ de 2008] llamada ‘Shit Is Fucked Up’. Escribí eso porque pensamos en lo terribles que eran las cosas en el mundo en ese entonces. Pero en realidad empeoró. Así que tuvimos que inventar un nuevo título, «Let The Bad Times Roll».

«Se puede aplicar a muchas cosas», explicó. «Quiero decir, no somos una banda política. Algunas personas lo aplicarían a la última administración. Algunas personas lo aplicarían a las cosas que están sucediendo hoy, o simplemente a lo desordenado que está todo, tratando de arreglar nuestra pandemia y todo eso».

Noodles agregó: «pero en realidad, tampoco es solo algo centrado en Estados Unidos, porque estás viendo cosas que suceden en todo el mundo. Hay disturbios literalmente en todas partes, en todos los continentes. Estás viendo disturbios, y luego también hay fuerzas antidemocráticas tomando el poder en algunos lugares, en cuyo caso causa más malestar. Así que, sí, el mundo entero es un lugar un poco aterrador en este momento».





El esperado nuevo álbum de The Offspring muy pronto

9 02 2021
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El líder de The Offspring, Bryan «Dexter» Holland, y el guitarrista Kevin «Noodles» Wasserman han confirmado que el tan esperado décimo álbum de la banda llegará pronto. La continuación de «Days Go By» de 2012 fue nuevamente producido por Bob Rock, quien también trabajó en los dos últimos LP de la banda.

En un breve anuncio en las redes sociales, Dexter dijo: «Estamos publicando un disco. Está terminado, está hecho, está en la lata, como dicen. Tenemos canciones, tenemos títulos, tenemos un sello, tenemos un título de álbum, tenemos una portada, tenemos la imagen y todo eso. Está listo para funcionar».

En cuanto a cuándo el álbum podría ver la luz del día, Dexter dijo: «Tenemos una fecha de lanzamiento y hablaremos de todo eso cuando el sello nos lo permita».

En el verano de 2019, Noodles habló sobre la dirección musical del nuevo material de Offspring: «Definitivamente es un disco de Offspring. Hay canciones que vas a escuchar que serán fácilmente reconocibles como con un sonido vintage, seguro. Estamos haciendo una canción en vivo todas las noches llamada ‘It Won’t Get Better». Nos gustaría hacer más cosas en vivo, pero queremos que los fans escuchen las canciones de la forma en que las grabamos, de la forma en que queremos que las escuchen en lugar de una grabación de mierda de teléfono celular…una de las canciones allí será ‘Coming For You’, que lanzamos [en 2015], y esa canción también es una buena indicación. Ambas canciones están prácticamente en el centro de lo que será este disco».

Hablando sobre la relación de trabajo de la banda con Bob Rock, Noodles dijo: «Nos llevamos bien con él de inmediato. Ha sido una relación realmente cómoda. Nos hace trabajar y nos hace esforzarnos más para ser lo mejor que podemos, pero lo hace, de una manera que es genial, no está siendo un idiota al respecto. Nos hace sentir que podemos hacerlo. En lugar de hacernos sentir como, ‘Oh, hombre, no estamos tocando lo suficientemente bien’. Nos hace sentir que tenemos más en nosotros y podemos aportar más. Así que es genial trabajar con Bob. Nos encanta ese tipo».





The Cult firma con Black Hill Records

7 05 2020

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Los icónicos The Cult han firmado un acuerdo con Black Hill Records. Con sede en Los Ángeles, el nuevo sello dedicado a la música rock fue lanzado por la editorial independiente Round Hill Music y su división de sellos discográficos.

En diciembre pasado, el líder de The Cult, Ian Astbury, dijo que la banda planeaba trabajar en nueva música en 2020: «tenemos algunas piezas en varias etapas de finalización. La intención es reunirnos en el Año Nuevo y echar un vistazo a lo que tenemos y decidir cómo vamos a avanzar. Es una parte esencial de cualquier elemento vital creativo».

La última colección de material nuevo de The Cult, «Hidden City», se lanzó en febrero de 2016 a través de Cooking Vinyl. La continuación de «Choice Of Weapon» de 2012 fue escrito por Astbury y el guitarrista Billy Duffy y producido por Bob Rock, quien anteriormente trabajó con Metallica y Mötley Crüe.

A principios de 2019, Astbury habló sobre cómo ha cambiado el proceso de composición desde que él y Billy se conocieron y comenzaron Death Cult hace más de 35 años: «bueno, cuando nos conocimos, vivíamos en su departamento en Brixton; yo dormía en el sofá, [risas] así que sí, se podría decir que es muy diferente. Pasamos mucho tiempo juntos y nosotros estábamos inmersos el uno en el otro todos los días. Siempre estábamos intercambiando ideas, pero ahora tenemos vidas muy separadas. Ambos tenemos diferentes estilos de vida, así que cuando nos juntamos, traemos todo lo que hemos estado pensando. Entonces entramos en un período de escritura intensivo. Es una forma diferente de escribir en lugar de ser algo gradual como cuando éramos más jóvenes. Pero hemos logrado mantener una relación a lo largo de 10 álbumes de estudio y tres décadas así que todavía está allí; todavía hay una química que funciona».

The Cult pasó la mayor parte del año pasado de gira para celebrar el 30 aniversario de su álbum «Sonic Temple». El LP catapultó a la banda al estado de superestrella y sigue siendo su lanzamiento más exitoso comercialmente. Ha vendido más de 1.5 millones de copias solo en los EE. UU. Y fue certificado platino en 1990. Llegó al número 10 en las listas de Billboard, y varias de las canciones del álbum siguen siendo elementos básicos de la radio rock hasta el día de hoy.

 

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Mötley Crüe: «Dr. Feelgood 30th-Anniversary Deluxe Edition Box Set» en abril

27 03 2020

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Según Townsend Music, «Dr. Feelgood 30th-Anniversary Deluxe Edition Box Set» estará disponible el 10 de abril.

Celebrando el legado de la banda de rock más notoria de todos los tiempos, esta reedición estará disponible en una edición de lujo en caja que contiene un LP de vinilo verde, un CD digipak, tres discos de imágenes de siete pulgadas, una botella de coca cola, una baraja de cartas, una receta, bloc de notas, bolígrafos, alfileres, púas de guitarra… todo dentro de una bolsa de cuero sintético.

Con listas de éxitos como «Dr. Feelgood», «Kickstart My Heart», «Don’t Go Away Mad (Just Go Away)» y «Same Ol ‘Situation (SOS)», «Dr. Feelgood» ha sido el álbum más grande de la banda hasta la fecha. El disco ha vendido más de seis millones de copias solo en los EE. UU. siendo seis veces platino, certificado tres veces de platino en Canadá, oro en el Reino Unido y en Suiza y pasó 109 semanas en la lista Billboard 200, alcanzando el número 1. La banda también obtuvo nominaciones al Grammy por «Dr. Feelgood» (1990) y «Kickstart My Heart» (1991) en la categoría «Mejor actuación de rock» y ganó el álbum «Mejor Hard Rock / Heavy Metal» por el disco en los American Music Awards (1991)

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Además de ser el álbum más grande de la carrera de la banda, «Dr. Feelgood» ha tenido un tremendo efecto en la cultura pop. Inspirado por la sobredosis cercana a la muerte del bajista Nikki Sixx, el autobiográfico «Kickstart My Heart» se sumerge en la sobriedad de la banda. Durante los últimos 30 años, Sixx ha utilizado su plataforma para ser parte de la conversación sobre concienciación y recuperación de drogas, un tema que sigue siendo relevante hoy más que nunca.

Dice Sixx: «Después de sentirse despojado de un álbum número 1 con ‘Girls Girls Girls’, la banda estaba decidida a superarnos en todos los niveles. Traer a Bob Rock para producir y empujarnos musical y líricamente fue justo lo que ordenó el médico. … La banda estaba limpia y sobria y este álbum tiene algunos de nuestros trabajos más orgullosos».

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Gibson lanza su propia TV (y no es una guitarra)

8 01 2020

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Gibson ha lanzado Gibson TV, una red de televisión en línea dedicada a las guitarras y la cultura musical. Presentado en YouTube y con diferentes series, Gibson promete que habrá demostraciones de equipo, entrevistas y contenido detrás de escena para ofrecer a los guitarristas algo nuevo.

Incluso hay una serie de viajes y estilo de vida presentados por el director de experiencia de marca Gibson, Mark Agnesi. Él mismo va a salir de gira y visitar ciudades de los EE. UU. en busca de los mejores y mas conocidas localizaciones musicales.

Otras serie incluye The Process, que lleva su cámara a la fábrica para ver cómo se hacen las guitarras. La primera temporada se centra adecuadamente en la fábrica de Gibson en Nashville, TN. Icons es un programa de entrevistas de larga duración con personajes de la industria y estrellas de la música, mientras My First Gibson llevará a personajes hablando exactamente de eso, de su primera Gibson.

Aquí podéis ver algunos vídeos de las diferentes series…








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