Grey Daze (con Chester Bennington): vídeo de «Starting To Fly»

20 05 2022

Grey Daze, la banda anterior a Linkin Park de Chester Bennington, lanzará un nuevo álbum, «The Phoenix», el 17 de junio a través de Loma Vista Recordings. Es la continuación de «Amends» de 2020, que presentaba música recién grabada con voces remasterizadas del catálogo del grupo agotado durante mucho tiempo y en gran parte sin descubrir.

«‘Amends’ fue más emocional y reflexivo», explica el batería y compositor Sean Dowdell sobre el estado de ánimo diferente y la sensación que se muestra en «The Phoenix», que también cuenta con contribuciones de Dave Navarro (Janes Addiction), Richard Patrick (Filter) y las hijas de Bennington, Lily y Lila. Bennington. «Nos sentimos tristes cuando lo estábamos escribiendo. Ahora que nos separamos un par de años, está muy claro por lo que estábamos pasando. Estábamos en una etapa diferente del duelo. Pasamos por la conmoción y la tristeza. Ahora, volvimos a la gratitud. ‘The Phoenix’ es más una celebración de nuestro amigo, su talento y la música. Captura la angustia y la energía de Chester de las que la gente se enamoró. Es mucho más agresivo. Si amas el grito de Chester, te encantará este disco».

En el transcurso de la primera encarnación de Grey Daze, que se desarrolló entre 1994 y 1997, el grupo grabó y lanzó dos álbumes. Son esos álbumes los que sirven como base tanto para «Amends» como para «The Phoenix». Antes del fallecimiento de Bennington, anunció públicamente el regreso de Grey Daze, que incluía volver a grabar la discografía en gran parte desconocida de la banda. Con la bendición de la viuda de Chester, Talinda Bennington, y trabajando con el productor Esjay Jones, los miembros sobrevivientes de la banda (Dowdell, el bajista Mace Beyers y el guitarrista Cristin Davis) avanzaron, como una forma de rendir homenaje a su hermano caído y compañero de banda, pero también a exponer a sus fans a otra dimensión de la dinámica cantante. A finales de 2020, el trío se volvió a reunir con Jones para volver a grabar y volver a trabajar en las 10 pistas restantes que se convertirían en «The Phoenix».

«The Phoenix» track listing:

01. Saturation (Strange Love)
02. Starting To Fly
03. Be Your Man
04. Holding You (featuring Dave Navarro)
05. Hole (featuring Lily & Lila Bennington)
06. Drag
07. Believe Me (featuring Richard Patrick)
08. Anything, Anything
09. Spin
10. Wake Me





Smashing Pumpkins y Jane’s Addiction anuncian gira conjunta por América del Norte

11 05 2022

Smashing Pumpkins ha anunciado una gira norteamericana con los invitados especiales Jane’s Addiction. Producida por Live Nation, la gira de 32 fechas «Spirits On Fire» comenzará el 2 de octubre en Dallas, Texas y concluirá el 19 de noviembre en Los Ángeles, California en el Hollywood Bowl.

Cuando Smashing Pumpkins surgió por primera vez en Chicago en 1988, el mundo nunca había escuchado una banda como ellos. Hicieron girar juntos rock, pop, shoe-gaze, metal, goth, psicodelia y electrónica en un caleidoscopio de melodías empalagosas, distorsión difusa, orquestación grandilocuente, trastes incendiarios, canciones elocuentes y ganchos inquebrantables. En el momento de su formación, su sonido era diferente, iconoclasta y completamente nuevo, y todavía lo es hoy. Como resultado, vendieron más de 30 millones de álbumes en todo el mundo y obtuvieron dos premios Grammy, dos MTV VMA y un American Music Award. Destacan en su catálogo el platino «Gish» (1991), el cuádruple platino «Siamese Dream» (1993), el lanzamiento certificado diamante «Mellon Collie And The Infinite Sadness» (1995), el platino «Adore» (1998) y el oro «Machina/The Machines Of God» (2000).

Fechas de la gira «Spirits On Fire»:

Oct. 02 – American Airlines Center – Dallas, TX
Oct. 03 – Toyota Center – Houston, TX
Oct. 05 – Moody Center – Austin, TX
Oct. 07 – Amalie Arena – Tampa, FL
Oct. 08 – Hard Rock Casino – Hollywood, FL
Oct. 10 – Bridgestone Arena – Nashville, TN
Oct. 11 – State Farm Arena – Atlanta, GA
Oct. 13 – Mohegan Sun – Uncasville, CT
Oct. 14 – UBS Arena – Belmont Park, NY
Oct. 16 – TD Garden – Boston, MA
Oct. 18 – Capital One Arena – Washington, DC
Oct. 19 – Madison Square Garden – New York City, NY
Oct. 21 – Wells Fargo Center – Philadelphia, PA
Oct. 22 – PPG Paints Arena – Pittsburgh, PA
Oct. 24 – Scotiabank Arena – Toronto, ON
Oct. 26 – Bell Centre – Montreal, QC
Oct. 27 – Centre Videotron – Quebec City, QC
Oct. 29 – Rocket Mortgage Fieldhouse – Cleveland, OH
Oct. 30 – Fiserv Forum – Milwaukee, WI
Nov. 01 – Enterprise Center – St. Louis, MO
Nov. 02 – Little Caesars Arena – Detroit, MI
Nov. 04 – Xcel Energy Center – St. Paul, MN
Nov. 05 – United Center – Chicago, IL
Nov. 07 – Ball Arena – Denver, CO
Nov. 09 – Spokane Arena – Spokane, WA
Nov. 11 – Rogers Arena – Vancouver, BC
Nov. 12 – Climate Pledge Arena – Seattle, WA
Nov. 13 – Moda Center – Portland, OR
Nov. 15 – Chase Center – San Francisco, CA
Nov. 16 – Honda Center – Anaheim, CA
Nov. 18 – Footprint Center – Phoenix, AZ
Nov. 19 – Hollywood Bowl – Los Angeles, CA





Grey Daze, el grupo anterior de Chester Bennington, vuelve con «The Phoenix»

15 04 2022
Grey Daze

Grey Daze, la banda anterior a Linkin Park de Chester Bennington, lanzará un nuevo álbum, «The Phoenix», el 17 de junio a través de Loma Vista Recordings. Es la continuación de «Amends» de 2020, que presentaba música recién grabada con voces remasterizadas del catálogo del grupo agotado durante mucho tiempo y en gran parte sin descubrir.

«‘Amends’ fue más emocional y reflexivo», explica el batería y compositor Sean Dowdell sobre el estado de ánimo diferente y la sensación que se muestra en «The Phoenix», que también cuenta con contribuciones de Dave Navarro, Richard Patrick de Filter y las hijas de Bennington. «Nos sentimos tristes cuando lo estábamos escribiendo. Ahora que nos separamos un par de años, está muy claro por lo que estábamos pasando. Estábamos en una etapa diferente del duelo. Pasamos por la conmoción y la tristeza. Ahora, volvimos a la gratitud. Entonces, ‘The Phoenix’ es más una celebración de nuestro amigo, su talento y la música. Captura la angustia y la energía de Chester de las que la gente se enamoró. Es mucho más agresivo. Si amas el grito de Chester, te encantará este disco».

Chester Bennington

Una vista previa de «The Phoenix» llega con el lanzamiento de «Saturation (Strange Love)» y su vídeo dirigido por Marc Silverstein. La canción, que evoca el cambio de energía entre «Amends» y «The Phoenix», muestra a un Chester más joven y con el talento en bruto y sorprendente del que ya estaba en posesión, como señala Dowdell: «va a sorprender a mucha gente porque vuelve a la esencia de Chester. Una de las cosas que a la gente le encanta de él era su capacidad única para gritar en tono… y esta canción te lleva de vuelta a todo lo que te encanta de ese grito. Sientes esa angustia y la emoción cruda que aportaba a todo lo que hacía. hizo.»

En el transcurso de la primera encarnación de Grey Daze, que se desarrolló entre 1994 y 1997, el grupo grabó y lanzó dos álbumes. Son esos álbumes los que sirven como base tanto para «Amends» como para «The Phoenix». Antes del fallecimiento de Bennington, anunció públicamente el regreso de Grey Daze, que incluía volver a grabar la discografía en gran parte desconocida de la banda. Con la bendición de la viuda de Chester, Talinda Bennington, y trabajando con el productor Esjay Jones, los miembros sobrevivientes de la banda avanzaron, como una forma de rendir homenaje a su hermano caído y compañero de banda, pero también a exponer a sus fans a otra dimensión de la dinámica cantante.

«The Phoenix» track listing:

01. Saturation (Strange Love)
02. Starting To Fly
03. Be Your Man
04. Holding You (featuring Dave Navarro)
05. Hole (featuring Lily & Lila Bennington)
06. Drag
07. Believe Me (featuring Richard Patrick)
08. Anything, Anything
09. Spin
10. Wake Me

The Phoenix Deluxe Edition LP
The Phoenix Limited Edition Color Standard LP
The Phoenix CD

En una entrevista de 2001, Chester describió el estilo musical de Grey Daze como «rock al estilo de principios de los 90. No era pop rock, no era heavy metal. Estaba entre el grunge y el buen rock. No sé lo que estábamos haciendo. Solo estábamos escribiendo canciones y cantando. Era una banda de cuatro integrantes. Algunas de nuestras canciones eran más rockeras. Otras eran más, no sé, alternativas. Siempre me ha gustado el punk. y rock clásico. Los primeros años de ser músico, todo eran cosas de banda de covers, y añadíamos algunos originales».

Añadió: «definitivamente sé por qué no llegó a ninguna parte: todos queríamos hacerlo, pero por diferentes razones. No se trataba solo de hacer buenas canciones, donde cualquier otra cosa que surja de eso es un beneficio adicional».





Eddie Vedder de gira con Chris Chaney, Chad Smith, Josh Klinghoffer…

2 12 2021
Puede ser una imagen de 1 persona, tocando un instrumento musical, guitarra y texto que dice "EDDIC VEDDER THE EARTULINGS TOUR 2022 WITH SPECIAL GUEST GLEN HANSARD FEB3&4 NEW YORK. NY BEACON HEATRE FEB -NEWARK. NJ NJPAC FEB9-CHICAGO.IL CHICAGO. FEB SAN DIEGO. MAGNOLIA FEB FEB17-LOSANGELES. LOS ANGELES. THEATER FEB21 FEB21&22- FEB21&22-SEATTLE.WA SEATTLE. BENAROYA HALL"

Eddie Vedder ha anunciado una gira por Estados Unidos de ocho fechas en febrero de 2022 en apoyo de su próximo álbum en solitario, Earthling, y se le unirá una banda de acompañamiento repleta de estrellas.

Acertadamente llamados Earthlings, la banda de Vedder para el viaje incluye al productor de Ozzy Osbourne Andrew Watt en la guitarra, Glen Hansard de The Frames en la guitarra y voz, Chris Chaney de Jane’s Addiction en el bajo, el batería de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith y el ex guitarrista de RHCP. Josh Klinghoffer, quien también se encargará de las tareas de coros y teclados.

Esta no será la primera vez que Klinghoffer se presenta con Eddie Vedder, ya que a principios de este año, después de unirse oficialmente a Pearl Jam como músico de gira, el guitarrista se unió a la banda para su presentación en el Sea.Hear.Now festival en Asbury de Nueva Jersey.

Comenzando el 3 de febrero en el Beacon Theatre de Nueva York, la gira hará paradas en Newark, Nueva Jersey, Chicago, IL y Los Ángeles, CA, antes de concluir con espectáculos consecutivos el 21 y 22 de febrero en el Benaroya Hall. en Seattle, WA.

El nuevo álbum de Eddie Vedder, Earthling, llega el 11 de febrero a través de Seattle Surf / Republic Records. Mientras que el líder de Pearl Jam lanzó su primer álbum Into the Wild, una colección de canciones para la película de Sean Penn del mismo nombre, en 2007, Earthling es su segundo álbum en solitario no vinculado a la banda sonora de una película, después de Ukulele Songs de 2011.

Se han lanzado dos sencillos del disco, una hermosa balada acústica titulada The Haves, y el más alegre Long Way, que presenta a Josh Klinghoffer y Chad Smith, así como a Benmont Tench de The Heartbreakers al Hammond.





Come as you are: la historia de Nirvana

9 09 2021

El 24 de septiembre de 1991, hará próximamente 30 años, vio la luz Nervermind, el segundo álbum de Nirvana y uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos.

Un trabajo que traspasó los límites de lo estrictamente musical para convertirse en un fenómeno social y cultural. Una verdadera revolución que, en sus canciones creadas sobre guitarras sangrantes como arañazos al alma y versos tejidos de negro nihilista, se convirtió piedra angular del grunge y banda sonora de una Generación X que encontró en Kurt Cobain en su icono y su mártir.

Sobre Nirvana, su historia y su legado, se han escrito infinidad de libros, ninguno, sin embargo, de la relevancia y resonancia de Come as You AreMichael Azerrad, uno de los periodistas que mejor conoce la escena alternativa norteamericana, tuvo acceso directo a la banda, pudiendo entrevistar personalmente, detenidamente y en profundidad, a los tres miembros del grupo: Kurt Cobain (voz y guitarra), Dave Grohl (batería) y Krist Novoselic (bajo), consiguiendo dar forma a una de las biografías de rock más íntimas, descarnadas e intensas de todos los tiempos.

Come as You Are, un libro que deleitará a los seguidores de Nirvana en particular y a melómanos de todo tipo en general, llega a las librerías de la mano de la editorial barcelonesa Contra. Os avanzamos un esbozo de su primer capítulo (respetando el trabajo de traducción al castellano que ha realizado Elvira Asensi).

Cow Palace, San Francisco, 9 de abril de 1993. Once mil personas —chavales de estética grunge, deportistas, metaleros, público mainstream, punks, niños pequeños con sus padres, hippies— han venido desde lugares tan lejanos como Los Ángeles o Seattle para ver el primer bolo de Nirvana en Norteamérica en siete meses, un concierto benéfico para las víctimas de violación en Bosnia.

Aparte de una gira por clubs de siete semanas a finales de 1991, lo más cerca que la mayoría de fans norteamericanos ha estado de ver al grupo en directo fue en su actuación en Saturday Night Live hace más de un año. Desde entonces han ocurrido muchas cosas: rumores sobre consumo de drogas, rumores sobre la separación del grupo, pleitos y la venta de unos cinco millones más de ejemplares del disco Nevermind a nivel mundial. Y no han ocurrido muchas otras, como una gira de estadios por Estados Unidos o un nuevo disco.

Se trata de un concierto crucial. El grupo sale al escenario. Kurt Cobain, ataviado con una chaqueta de punto de color aguamarina, una camiseta de Captain America del revés y unos vaqueros hechos trizas, saluda nervioso al público. Se ha teñido el pelo de rubio para la ocasión. Un gran mechón le cubre los ojos y, de hecho, toda la mitad superior del rostro. Desde los primeros acordes de ‘Rape Me’, el grupo toca con una fuerza explosiva, lanzándole al público un bombardeo sónico desde el escenario: ‘Breed’, ‘Blue’, ‘Sliver’, ‘Milk It’, ‘Heart-Shaped Box’. Hacia el final, tocan el Hit, y a pesar de que Kurt la pifia en los primeros acordes, los moshers se vuelven locos en la pista.

Mientras se alzan las cerillas y los mecheros durante ‘Lithium’, todos los presentes en este local cavernoso recuerdan exactamente por qué les encanta Nirvana. A pesar de que a Krist Novoselic y a Kurt los separan por lo menos diez metros, se mueven e interactúan como si estuvieran mucho más cerca; no les cuesta nada comunicarse. A mitad del set, Kurt le dice a Krist: «¡Me lo estoy pasando genial! ¡Podría seguir tocando una hora más!». Dicho y hecho, embuten veinticuatro canciones en una hora y media, incluidos ocho temas de su próximo álbum.

El público aplaude entusiasmado el nuevo material, sobre todo la brutalidad con la que atacan «Scentless Apprentice» y la majestuosa «All Apologies», que acaba disolviéndose en una confusión de canto mantra y feedback. Eddie Vedder de Pearl Jam ve el concierto desde el lateral del escenario; no muy lejos está Dale Crover, de los Melvins. Frances Bean Cobain está en el piso de arriba en el camerino de su padre con su niñera; Courtney baja justo a tiempo para esquivar una botella de plástico de agua mineral que Kurt ha lanzado sin mirar y le saluda con sarcasmo.

Al acabar el set, KurtKrist Dave Grohl desaparecen detrás de la tarima de la batería y se pasan un cigarro mientras deliberan sobre qué canciones tocar, y luego vuelven a salir para hacer un bis de media hora con siete canciones que alcanza su punto álgido con ‘Endless, Nameless’, el misterioso tema que cierra Nevermind. A medida que la banda acelera el riff principal de la canción, entra en trance. Kurt pasa por encima de su torre de amplis. No es que esté a mucha altura, pero aun así resulta fascinante, como un suicida en potencia que camina por la cornisa de un edificio. La música se acelera todavía más. Las guitarras despiden chillidos, Krist se ha soltado la correa del bajo y lo zarandea frente al ampli; Dave Grohl ataca la batería con un desenfreno calculado. Cuando la música alcanza su punto álgido, Kurt cae con fuerza sobre la batería y los timbales, y los pies de los platos se caen abriéndose hacia afuera, como una planta carnívora que se abre para devorar a su presa. Fin del concierto.

La gente se pregunta si Kurt estará bien. Esto no forma parte del espectáculo; de ser así, habrían puesto antes algún tipo de acolchado a modo de protección. Puede que se trate de un truco de frikis, como el típico niño en la escuela primaria que se hacía sangrar la nariz y se esparcía la sangre por la cara para que el matón de la clase lo dejara en paz, un ejemplo de «ya me hago daño yo antes de que me lo hagas tú» protagonizado por un tío que ha empezado el set con una canción titulada ‘Rape Me’ . Puede que sea un homenaje a dos de los saltimbanquis preferidos de KurtIggy Pop y Evel Knievel. ¿O será que la música le produce tal subidón que se vuelve insensible a cualquier daño físico, como un swami exaltado que camina sobre carbón incandescente?.

A juzgar por el público, radiante y entusiasmado, esta última explicación parece ser la más adecuada. Al acabar, todo el séquito de la banda celebra el concierto triunfal en el patio del motel Phoenix, el sitio de moda, a excepción de Kurt Courtney, que se han retirado a un hotel de lujo al otro lado de la ciudad. El Phoenix les trae malos recuerdos, comenta Courtney. Además, las toallas de baño son demasiado pequeñas. Aun en su ausencia, el lugar se convierte en una especie de Nirvanalandia. Está Dave con su madre y su hermana, Krist y Shelli, y también el sonriente Ernie Bailey, el técnico de guitarras, y su mujer Brenda, el tour manager Alex Macleod, la diseñadora de luces Suzanne Sasic, la gente de Gold Mountain Management, Mark Kates de Geffen, e incluso algunos miembros del grupo Love Battery de Seattle, que casualmente están en la ciudad.

November 1993 | Kurt cobain, Nirvana kurt cobain, Donald cobain
Kurt Cobain, noviembre de 1993

Krist se acerca al supermercado y vuelve cargado de cervezas y la fiesta prosigue hasta altas horas de la madrugada. Al día siguiente, Krist hace una peregrinación a todo un punto de referencia de la generación beat: la legendaria librería City Lights. Sale a la calle para ir a un cajero, donde un indigente anuncia: «¡Oigan, buenas noticias! ¡Nos complace comunicarles que por ser Pascua aceptamos billetes de veinte dólares!». Krist le da uno. 

El concierto del Cow Palace fue toda una victoria. Parecía confirmar que, después de todo, el hecho de que a un grupo de punk rock le hubiera tocado el gordo del mainstream no había sido mera chiripa. Aquella victoria tuvo repercusiones para el grupo, para todos los grupos similares, y puede que incluso para el mundo de la cultura en general. Como dijo Kim Gordon de Sonic Youth recientemente: «Cuando un grupo como Nirvana sale del underground, realmente expresa algo que está sucediendo a nivel cultural y no es un producto». Lo que estaba sucediendo a nivel cultural no solo quedaba reflejado en el sonido de la música, sino, de manera igualmente importante, en cómo alcanzó la popularidad.

El fenómeno del punk rock empezó prácticamente cuando Johnny Ramone le dio con la púa a la cuerda de su guitarra, inspirando así una década y media de trabajo duro por parte de innumerables grupos, sellos discográficos independientes, emisoras de radio, revistas y fanzines y pequeñas tiendas de discos que se esforzaron por crear algún tipo de alternativa al rock corporativo insulso y condescendiente que le estaban endilgando al público las cínicas multinacionales, los estadios impersonales, las tiendas de discos gigantescas, las emisoras de radio dirigidas al populacho y las revistas de rock nacionales obsesionadas con las estrellas.

Motivada por la revolución del punk rock, la escena musical underground creó una red mundial, una industria musical en la sombra. Creció sin parar hasta que ni siquiera todos los esfuerzos de la industria musical controlada por los baby boomers pudieron detenerla. R.E.M. fue la primera explosión, Jane’s Addiction llegó después, y luego llegó el Big Bang: Nevermind lleva vendidos hasta la fecha más de ocho millones de ejemplares a nivel mundial. Desafió los mayores esfuerzos de gente como Michael Jackson, U2 o Guns N’ Roses, y alcanzó el número 1 en la lista de discos de Billboard. Después de esto, todo fue pre- o post- Nirvana.

La radio y la prensa empezaron a tomarse en serio el rollo «alternativo». De la noche a la mañana, las discográficas se replantearon su estrategia. En vez de promocionar de manera muy intensa un pop ligero que vendería bien al principio pero del que nunca más se volvería a saber nada, decidieron empezar a fichar artistas que tuvieran un potencial a largo plazo. Y los promocionaban desde la base, desde un nivel más centrado en la comunidad, en vez de soltarles dinero a espuertas hasta que empezaran a vender.

Se trataba de imitar la manera en que Nirvana consiguió darse a conocer: un pequeño grupo nuclear de medios locales y fans de la música cuyo valioso boca a boca fue aumentando el número de seguidores del grupo, poco a poco al principio y más tarde a pasos agigantados. El despliegue mediático era mínimo, con la buena música bastaba. El afán investigador necesario para abrirse paso a través del laberinto de la música independiente era, en efecto, un reproche al consumismo de masas. Suponía un avance molesto para las grandes discográficas, que habían pasado a depender del dinero invertido en la promoción de los artistas para conseguir camelarse al público.

La música independiente requería una manera de pensar independiente, empezando por los artistas que hacían la música, pasando por los empresarios que la vendían y acabando por la gente que la compraba. Es mucho más difícil encontrar el nuevo single de Calamity Jane que hacerse con un ejemplar del último cd de C+C Music Factory. En 1990 no hubo ningún álbum de rock que llegara al número 1, lo que llevó a algunos expertos del sector a profetizar el fin del rock. Los programadores radiofónicos habían ido fragmentando de manera sistemática el público de la música en busca del perfil demográfico perfecto, y parecía poco probable que los aficionados al rock pudieran unirse en torno a un disco en número suficiente como para colocarlo en lo más alto de las listas.

Así que mientras el rock degeneraba en una falsa rebelión tremendamente procesada de melenas al viento, géneros musicales como el country y el rap representaban de una forma más directa el estado de ánimo y las preocupaciones de las masas. Si bien hubo varios discos de rock que alcanzaron el número uno en 1991, Nevermind consiguió unir a un público que nunca se había unido hasta entonces: el de los veinteañeros.

La última sesión fotográfica de Kurt Cobain | Página 2 de 6 | Binaural
Nirvana




Cartel Lollapalooza 2021

3 06 2021

La programación de Lollapalooza 2021 por día se reveló esta mañana. Más de 165 bandas actuarán en ocho escenarios durante cuatro días completos de música del 29 de julio al 1 de agosto en la joya de la corona de Chicago, Grant Park.

Miley Cyrus, Illenium, Kaytranada, Playboi Carti, Black Pumas, Steve Aoki, Jimmy Eat World y más se presentarán el jueves 29 de julio, mientras que Tyler, The Creator, Marshmello, Roddy Ricch, Jack Harlow, Polo G y más tomarán el escenario el sábado 30 de julio. Post Malone, Journey, Megan Thee Stallion, Limp Bizkit, Trippie Redd, Slander y más ofrecerán actuaciones increíbles el sábado 31 de julio y Foo Fighters, DaBaby, Brockhampton, Modest Mouse, Young Thug, Alison Wonderland y muchos más cerrarán un espectacular fin de semana de festivales el domingo 1 de agosto.

De acuerdo con las pautas de salud pública locales vigentes, se requerirá una vacunación COVID-19 completa o resultados negativos de la prueba COVID-19 para asistir a Lollapalooza 2021. Para los clientes que no estén completamente vacunados, se debe obtener un resultado negativo de la prueba COVID-19 dentro de las 24 horas. de asistir a Lollapalooza. Los detalles sobre el proceso de inscripción al festival estarán disponibles a principios de julio.

«Aquí en Chicago, la palabra ‘Lollapalooza’ siempre ha sido sinónimo de verano, buena música y cuatro días de diversión inolvidable, lo que hizo que la decisión del año pasado de posponerlo fuera aún más difícil», dijo la alcaldesa de Chicago, Lori E. Lightfoot. «Ahora, menos de un año después y armados con una vacuna que es segura, efectiva y ampliamente disponible, podemos traer de vuelta uno de los festivales de música de verano más emblemáticos de nuestra ciudad. Quiero agradecer al equipo de Lollapalooza por trabajar en estrecha colaboración con el ciudad para crear una estrategia de reapertura que priorice la seguridad y no puede esperar a que los asistentes al festival regresen a Grant Park este verano».

Lollapalooza fue creado por Perry Farrell en 1991 como una gira de despedida de Jane’s Addiction. Desde su disolución como festival itinerante en 1997, Lollapalooza se ha convertido en uno de los festivales de destino más importantes del mundo.





Jane’s Addiction: nuevo trabajo en 2021

17 11 2020
Jane’s Addiction

Perry Farrell dijo que los fans pueden esperar escuchar nueva música de Jane’s Addiction en 2021. Cuando se le preguntó si podría haber otro álbum de la banda en sus planes futuros, el cantante de 61 años dijo: «tenemos tanto material de Jane en la lata…lanzaremos un par de canciones, tal vez escribamos algunas nuevas. No este año, pero puedo decirles que en el próximo mes voy a terminar un par de temas de Jane’s Addiction».

En la misma entrevista, Farrell reveló que le quitaron la laringe durante una operación reciente en sus vértebras. El vocalista se sometió a una cirugía exitosa por «discos aplastados en el cuello», una condición causada «principalmente por ir de fiesta e inclinar la cabeza hacia atrás para arrancar notas, surfear y bailar», dijo.

«Tuvieron que quitarme la laringe y ponerla sobre una mesa», explicó Farrell. «Eso fue desalentador. Literalmente expusieron mi esqueleto, sacaron los discos y colocaron discos artificiales. Así que ahora soy un cuarto de pulgada más alto y dos veces más atractivo para mi esposa».

En agosto pasado, Jane’s Addiction tocó dos canciones durante la transmisión en vivo de Lolla2020 de Lollapalooza, un evento de transmisión gratuito de cuatro noches que tuvo lugar en las fechas originales del festival con sede en Chicago. Farrell, el guitarrista Dave Navarro, el batería Stephen Perkins y el bajista Chris Chaney se reunieron para su primera aparición pública en tres años para interpretar «I Would For You» y «Stop!».

Formada en 1985 en Los Ángeles, Jane’s Addiction ha estado firmemente arraigada en la conciencia colectiva de la cultura pop durante 35 años. Farrell se destaca como uno de las cabezas más progresistas y enigmáticas de la música. Navarro sigue siendo un verdadero dios de la guitarra. El pisotón tribal de Perkins también ha influido en una generación de percusionistas. La enormemente influyente banda ha vendido más de siete millones de discos solo en los EE. UU. Cuando Farrell creó el festival itinerante Lollapalooza, galvanizó el movimiento del rock alternativo y lo llevó a un nivel completamente nuevo.





Lollapalooza Virtual acogera 150 actuaciones en vivo por streaming

28 07 2020
Carte l de la edición 2020

La edición de este año de Lollapalooza tendrá lugar, como la mayoría de los eventos en 2020, de forma virtual. Más de 150 actuaciones se presentarán en línea durante el fin de semana de cuatro días del festival de Chicago, que comienza este jueves (30 de julio) y termina el domingo (2 de agosto).

El enorme Lollapalooza virtual tendrá tres actuaciones del fundador del festival Perry Farrell de Jane’s Addiction, incluido un espectáculo homenaje a David Bowie y la primera reunión de Porno For Pyros en 24 años.

Otros artistas que ofrecerán nuevas actuaciones en vivo incluyen H.E.R., The Neighborhood, Tank and the Bangas y más. Una amplia gama de actuaciones de ediciones pasadas de Lollapalooza también se presentará en la transmisión. Estos incluyen sets de Paul McCartney, The Cure, Yeah Yeah Yeahs, Metallica, Arcade Fire, Lorde, Alabama Shakes, LCD Soundsystem y muchos otros.

Lollapalooza 2020 también albergará varias conversaciones entre Farrell y «amigos icónicos», incluidos Lars Ulrich de Metallica, Chuck D de Public Enemy y más.

El calendario completo para el Lollapalooza virtual de este año se publicará el miércoles (29 de julio). El festival será retransmitido en vivo por YouTube.





Satriani trabaja en dos nuevos discos durante la cuarentena

23 05 2020

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Joe Satriani

El legendario guitarrista Joe Satriani habló sobre cómo se ha mantenido ocupado durante el tiempo de inactividad del coronavirus: «se me ocurrió crear dos discos separados en los próximos meses. Uno sería otro álbum instrumental, y otro sería un disco orientado a la voz, pero serían centrado en mi banda en vivo. La naturaleza inusual de eso fue porque la banda es tan única, con Kenny Aronoff en la batería y Bryan Beller en el bajo y un fenomenal músico australiano Rai Thistlethwayte en el teclado y la guitarra, que también es un cantante fantástico».

Según Satriani, mientras su gira previamente anunciada en apoyo de su último álbum de estudio, «Shapeshifting», ha sido «puesta en espera» debido a la crisis del coronavirus, él y el resto de esta banda «se han estado enviando mensajes casi todos los días, y todos estamos pensando que de forma remota vamos a construir estos discos en los próximos meses. Así que eso es lo que estamos haciendo esta vez en casa: estamos tratando de ser lo más creativos posible».

«Shapeshifting» fue lanzado el 10 de abril a través de Sony Music / Legacy Recordings. El disco fue coproducido por Satriani y Jim Scott con John Cuniberti a bordo manejando las tareas de masterización. Satriani reclutó una amplia gama de colaboradores, tanto antiguos como nuevos, para ayudarlo a darle vida a las canciones. Aronoff, el bajista Chris Chaney (Jane’s Addiction) y el teclista Eric Caudieux fueron los músicos principales en el nuevo álbum, con contribuciones adicionales de Lisa Coleman y Christopher Guest.

 

Sé responsable. Sigue tocando. Volveremos a abrazarnos.





«Big Distortion»: nuevo tema de Joe Satriani

24 03 2020

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Joe Satriani

El nuevo álbum de estudio de Joe Satriani, «Shapeshifting», se lanzará el 10 de abril a través de Sony Music / Legacy Recordings. El último sencillo, «Big Distortion», puedes escucharlo al final de este post..

Además del CD y el vinilo estándar, la tienda D2C ofrecerá un exclusivo vinilo translúcido firmado de color azul. También está disponible un CD autografiado mediante pedido anticipado en la tienda minorista online de Newbury Comics.

«Shapeshifting» fue coproducido por Satriani y Jim Scott (Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers, Tom Petty), con John Cuniberti a cargo de las tareas de masterización. Satriani reclutó una amplia gama de colaboradores, tanto antiguos como nuevos, para ayudarle a dar vida a las canciones. El legendario batería Kenny Aronoff (John Fogerty), el bajista Chris Chaney (Jane’s Addiction) y el teclista Eric Caudieux fueron los músicos principales en el nuevo álbum con contribuciones adicionales provenientes de Lisa Coleman y Christopher Guest.

Los sonidos retro del primer sencillo «Nineteen Eighty» encuentran a Satriani revisitando espiritualmente el período en el que trabajaba con su primera banda, The Squares. El futuro héroe de la guitarra que el mundo conoció menos de una década después, tendría que esperar. Él recuerda que en esos primeros días, «marcaron los solos de guitarra y los histriónicos para tratar de crear un ambiente de nueva onda más fresco». Décadas alejado de esos objetivos, ha sido libre de seguir adelante e intentar recuperar lo que tenía en mente en 1980.

Manteniéndose fiel a los sonidos de la época, incluso utilizó un phaser MXR EVH clásico. «Siempre he sido un gran admirador de Eddie Van Halen», dice Satriani. «En mi opinión, él simplemente cristalizó esa época. A finales de los 70 y principios de los 80, salvó la guitarra rock. Así que eso es lo que habría estado haciendo».

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