Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





Rolling Stones publican el concierto secreto de 1977 en El Mocambo

26 03 2022

Un evento legendario en los increíbles 60 años de historia de The Rolling Stones se lanzará en su totalidad por primera vez el viernes 13 de mayo a través de UMe. «Live At The El Mocambo» marca la primera aparición oficial de los dos famosos conciertos secretos del grupo en el club de Toronto con capacidad para 300 personas en marzo de 1977.

El álbum estará disponible en CD doble, vinilo negro de cuatro LP, vinilo neón de cuatro LP y descarga digital. Presenta el set completo de los Stones del show del 5 de marzo, además de tres pistas extra del concierto del 4 de marzo, recién mezcladas por Bob Clearmountain. Solo cuatro de las actuaciones llegaron al álbum «Love You Live» que siguió en septiembre de 1977, que estuvo dominado por pistas capturadas en las giras de la banda de 1975 y 1976, y nunca antes se había escuchado el concierto completo.

Mientras se preparan para las celebraciones de su 60º aniversario, «Live At The El Mocambo» ya está disponible para reservar. Está anticipado por el lanzamiento de dos poderosas pistas de los programas, «It’s Only Rock ‘N’ Roll» y «Rip This Joint», disponibles en todos los servicios digitales.

Cuando los Stones subieron al escenario de El Mo, un elemento fijo de la escena musical de Toronto desde la década de 1940, el punk y la música disco aparecían a la vista, supuestamente listas para despedir a una banda que ya había estado en lo más alto durante 15 años. Durante dos noches, en un espacio íntimo en una de sus ciudades favoritas, estuvieron a punto de hacer que ese pronóstico pareciera realmente estúpido.

Los conciertos se hicieron realidad después de que El Mocambo fuera identificado como el hogar potencial para una show secreto. Se organizó un concurso de radio en el que el premio eran entradas para ver a los héroes del rock canadiense April Wine, apoyados por una banda desconocida llamada The Cockroaches. Adivina quiénes resultaron ser…y así fue como los Stones hicieron retroceder los años hasta la estimulante encarnación de club de sus primeros años. Contra todo pronóstico, la banda produjo dos noches de música emocionante de la que todavía hablan en Toronto hasta el día de hoy.

Fue una lista de canciones para todas las temporadas, desde «Mannish Boy» de Muddy Waters y «Crackin’ Up» de Bo Diddley hasta temas básicos como «Let’s Spend The Night Together» y «Tumbling Dice», y de regreso al blues con «Worried Life Blues» y «Little Red Rooster» de Willie Dixon. Se vió el debut en vivo de «Worried About You», que no se escuchó en forma de estudio hasta «Tattoo You» de 1981, y más momentos destacados de «Honky Tonk Women» a «Hot Stuff». Cuarenta y cinco años después, este es un viaje de regreso a la intensidad del Crawdaddy Club en los primeros días de los Stones.





The Rollings Stones publican «Troubles A ‘Comin»

1 10 2021

Los Rolling Stones lanzaron un tema nunca antes escuchado, Troubles A ’Comin. La canción se lanzará como parte de la edición del 40 aniversario de su disco de 1981 Tattoo You.

La canción es uno de los nueve extras incluidos en la edición ampliada. La nueva versión del disco está programada para llegar el 22 de octubre, incluidas las canciones adicionales en un disco Lost And Found: Rarities junto con los 11 originales del LP.

La semana pasada, la banda compartió otra vista previa del álbum, con un nuevo video de Living in the Heart of Love, que dedicaron a su difunto baterista Charlie Watts.

Watts, quien actuó con la banda durante 58 años, murió el 24 de agosto, a los 80 años. La semana pasada, el primer show del año de los Rolling Stones estuvo dedicado a su compañero de banda. Durante el espectáculo, que dio inicio a la gira por el estadio No Filter de la banda en EE. UU., Mick Jagger se dirigió a la multitud y dijo: «es una noche un poco conmovedora para nosotros porque es la primera gira que hemos hecho en 59 años sin nuestro encantador Charlie Watts».





The Rollings Stones seguirán con la gira USA

26 08 2021
Steve Jordan, la gran esperanza stoniana
Mick Jagger, Steve Jordan y Keith Richards

The Rolling Stones continuará con su gira por Estados Unidos previamente anunciada el próximo mes a pesar del reciente fallecimiento del batería Charlie Watts. Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood reanudarán la gira «No Filter» en St. Louis el 26 de septiembre.

«La banda quiere hacer del show una celebración de su vida. Él era como un hermano para ellos, pero ellos saben que hubiera odiado la idea de que cancelaran shows. Charlie les había dado su bendición para hacer una gira sin él después de su operación, para que cumplan sus deseos».

Muere el batería de los Rolling Stones, Charlie Watts - 24.08.2021, Sputnik  Mundo
Charlie Watts

Reemplazando a Watts en la gir estará su gran amigo Steve Jordan. Jordan tocó anteriormente con Keith Richards.

No todo el mundo está contento con los planes de continuar sin Watts. Se están empezando a oir opiniones en contra de que la banda continue sin Watts: «Charlie Watts, el batería de Rolling Stones murió. Tenía 80 años. Estaban planeando otra gira. Cuando los miembros de tu banda comiencen a morir por causas naturales, tal vez deberías dejar de hacer giras». Otro usuario agregó: «Pueden y seguirán de gira, pero sin Charlie no son los Stones. Creo que Rolling Stones deberían terminar. Aún así, giran y tocan las canciones, pero no como los Stones. No es lo mismo», escribió un tercer fan. «The Rolling Stones van a iniciar su gira No Filter Tour 2021. Creo que Charlie era el filtro».

La muerte de Charlie se produjo pocas semanas después de que se anunciara que Watts se perdería varias fechas de la gira por Estados Unidos mientras se recuperaba de un procedimiento médico no especificado. Aunque Watts no era miembro fundador, había estado con la banda desde enero de 1963.





Fallece el Stone Charlie Watts a los 80 años

24 08 2021
Charlie Watts Is Fine With It If the Rolling Stones Break Up
Charlie Watts (Londres, 2 junio de 1941 – 24 agosto de 2021)

El célebre batería y fundador de los Rolling Stones, Charlie Watts, ha fallecido este martes a la edad de 80 años en Londres, según ha dado a conocer su agente y publican varios medios británicos.

Este mismo agosto la banda británica comunicó que Watts no estaría en la gira de la banda que debe comenzar este mismo mes de septiembre. Según se dijo a inicios de este mismo mes de agosto, el batería debía tomarse un descanso para recuperarse de una reciente “procedimiento médico”.





Habrá edición 40º aniversario de «Tatto You»

19 08 2021
Tattoo You: The Rolling Stones: Amazon.es: CDs y vinilos}

The Rolling Stones han anunciado el lanzamiento de las ediciones de lujo ampliadas por el 40 aniversario de su álbum de 1981, multiplatino «Tattoo You».

El set, recientemente remasterizado, que se lanzará el 22 de octubre, estará acompañado por no menos de nueve pistas inéditas de la época. El primero de ellos, el irresistible «Living In The Heart Of Love», ya está disponible en todos los servicios digitales, y «Tattoo You (40th Anniversary Edition)» está disponible para pre-ordenar en múltiples formatos.

El anuncio de hoy llega 40 años después de la semana desde que el célebre álbum fue lanzado por primera vez el 24 de agosto de 1981, y mientras las leyendas del rock ‘n’ roll se preparan para regresar a la carretera con 13 nuevas fechas en la gira «No Filter» en los Estados Unidos. El nuevo itinerario comienza el 26 de septiembre en St. Louis y se extiende hasta noviembre.

La expectativa por las nuevas ediciones de «Tattoo You» será alto, tanto entre los devotos de Stones como entre los nuevos admiradores. La remasterización del 40 aniversario del álbum original de 11 pistas incluye clásicos como «Hang Fire», «Waiting On A Friend» (con el gigante del saxofón de jazz Sonny Rollins) y, por supuesto, la pista de apertura que ha sido una característica de la banda. desde, «Start Me Up». Los formatos de lujo también incluirán «Lost & Found: Rarities» y «Still Life: Wembley Stadium 1982».

El disco «Lost & Found» contiene no menos de nueve canciones del período del lanzamiento original del álbum, recién completado y mejorado con voces y guitarras adicionales de la banda. Entre estos, «Living In The Heart Of Love» es un tema Stones por excelencia, con todo el grupo en plena forma, con toques de guitarra urgentes y finos detalles de piano.

Otros aspectos destacados de «Lost & Found» incluyen una versión espectacular de «Shame, Shame, Shame», grabada por primera vez en 1963 por uno de los héroes del blues de la banda, Jimmy Reed y una fascinante versión con tintes reggae de «Start Me Up».

«Still Life: Wembley Stadium 1982» es un recuerdo imperdible del concierto de la banda en Londres en junio de ese año en la gira «Tattoo You». El poderoso set de 26 pistas está repleto de mega-éxitos, incluyendo «Under My Thumb» y grandes éxitos de todos los tiempos como «Let’s Spend The Night Together», «Honky Tonk Women» y «Brown Sugar».

«Tattoo You (40th Anniversary Edition)», de Universal Music, sigue a la reedición de 2020 del emblemático «Goats Head Soup» de 1973, que llevó el álbum al número 1 en el Reino Unido.

En su primer lanzamiento, «Tattoo You», encabezó las listas de Estados Unidos (donde alcanzó el cuádruple platino), Canadá, Australia y gran parte de Europa.





Ronnie Wood adelanta dos temas de su nuevo trabajo

10 08 2021

The Ronnie Wood Band ha lanzado dos pistas más de la segunda entrega de la trilogía de álbumes en vivo «Mr Luck – A Tribute to Jimmy Reed: Live at the Royal Albert Hall».

Ronnie y sus amigos realizan un cover la canción de Jimmy Reed «Shame, Shame, Shame», originalmente lanzada en 1963. Manteniéndose fiel al sonido de Reed en su interpretación, el oyente puede sentir su adoración por el músico fallecido. The Rolling Stones incluyó previamente esta canción en sus primeros setlists, junto con otras de una de sus influencias clave, Jimmy Reed. Se cree que la cara B de los Stones de febrero de 1964 en el Reino Unido con el sencillo «Not Fade Away» fue un pastiche de «Shame, Shame, Shame». El incomparable Paul Weller aparece en la pista y con sus letras identificables y su ritmo animado, esta canción tiene una energía fácil de escuchar y ha sido versionada muchas veces antes por numerosos músicos.

La banada también ofrece su interpretación de la canción instrumental de Reed «Roll And Rhumba», perfecta para cualquier verdadero fan del blues. Sin la distracción de las letras, los instrumentos ocupan un lugar central y la increíble musicalidad de Wood pasa a primer plano.

«Mr Luck – A Tribute To Jimmy Reed: Live At The Royal Albert Hall» es el álbum de 18 pistas que incluye a Mick Taylor con increíbles invitados especiales Bobby Womack, Mick Hucknall y Paul Weller, y rinde homenaje a uno de los héroes musicales y las principales influencias de Ronnie, el pionero del blues eléctrico de Mississippi, Jimmy Reed. El álbum se grabó en vivo en una noche memorable en el Royal Albert Hall el 1 de noviembre de 2013. Con una portada única creada especialmente por Ronnie, «Mr Luck» estará disponible digitalmente, en CD, como un lanzamiento de vinilo y como vinilo azul ahumado de dos tonos de edición limitada.

Con respecto a «Mr Luck», Ronnie comenta: «Jimmy Reed fue una de las principales influencias de Rollings y de todas las bandas que aman el blues estadounidense desde esa época hasta la actualidad. Es un honor para mí tener la oportunidad de celebrar su vida y legado con este homenaje».

Este álbum marca la segunda iteración en una trilogía de álbumes especiales y personales de Wood y la banda, celebrando a los héroes musicales de Ronnie. El primer álbum, «Mad Lad», exploró el trabajo de Chuck Berry como una emotiva conmemoración después del fallecimiento de Berry hace poco más de dos años. Ronnie estuvo de gira con Berry y fue su fan toda la vida.





Keith Richards en el 60º aniversario de la banda: «el plan es seguir todos vivos»

11 11 2020

Keith Richards ha revelado que los planes de los Rolling Stones para su próximo 60 aniversario son más prosaicos de lo que imagina: «Bueno, los planes son que todos sigan vivos. Todo lo que quería hacer era tocar como Chuck Berry. A nuestra edad, no lo sé. No he oído hablar de ningún plan, pero estoy seguro de que se están haciendo cosas. En primer lugar, voy a pasar este año y ver cómo nos manejamos el próximo. Porque creo que en este momento hay más problemas que una celebración de los Rolling Stones. Aunque estoy muy contento de que estemos todos aquí».

Las leyendas del rock inglés, que se formaron en 1962, celebrarán 60 años como banda en 2022. El guitarrista de 76 años también habló sobre el nuevo álbum de los Stones: «estaba tratando de progresar en algunas cosas, pero no hay mucho que uno pueda hacer, excepto esperar la vacuna».

Continuó: “Living In A Ghost Town [el último single de la banda] que en cierto modo personificó la primera ola del virus, eso era en realidad parte de lo que estábamos haciendo. Pero era tan obvio que tenía que salir cuando lo hizo que lo lanzamos rápidamente. Por otra parte, sí, estamos a la mitad, pero en este momento, como todos los demás, estamos estancados».

Richards, famoso por su estilo de vida rock ‘n’ roll, también habló sobre las alegrías de seguir vivo y coleando en 2020, algo que no da por sentado: “Cada día es un placer«.





Rooling Stones reprograman No Filter 2019

19 05 2019

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Después de posponer su gira No Filter 2019 tras el anuncio de que Mick Jagger se sometería a una cirugía de corazón, los Rolling Stones revelaron la fechas reprogramadas para la gira.

Las nuevas fechas comienzan el 21 de junio en el Soldier Field de Chicago y finalizan el 31 de agosto en el Hard Rock Stadium de Miami.

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Mick Jagger tendrá que ser operado de corazón esta semana

2 04 2019

 

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Mick Jagger

Mick Jagger, el cantante y líder de los Rolling Stones, se someterá a una cirugía en Nueva York esta semana en la que los médicos le sustituirán una válvula cardíaca. Se espera que el vocalista británico, de 75 años, se recupere por completo para volver a estar en los escenarios el próximo verano. Este pasado sábado, los Stones anunciaron en un comunicado que supendían la etapa norteamericana de su gira «No Filters», con conciertos previstos en Estados Unidos y Canadá, porque Jagger necesita «tratamiento médico».

Los Rolling Stones afirmaron que su cantante estaba «destrozado» por la suspensión de la gira: «Trabajaré muy duro para estar de regreso sobre el escenario tan pronto como pueda», añadió Jagger. «Lo lamento mucho por todos nuestros fans en Estados Unidos y Canadá que tienen las entradas. Realmente detesto la idea de dejarlos plantados de esta manera», agregó.








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