Como el álbum «Electric» de The Cult ayudó a salvar el rock

19 04 2022

Es el verano de 1986 y el rock está en el retrete. No es heavy metal (Iron Maiden está en su apogeo y Metallica está a punto de superarlos), sino buen rock and roll a la antigua, del tipo que también les gusta a las chicas bonitas. Ya sabes, potente, sexy, pegadizo y, sobre todo, c-o-o-l. Revestido de cuero estresado y embadurnado con maquillaje del día después. Rock que abraza la entrepierna y sacude el culo.

Ah, está Bon Jovi, pero son como una banda de chicos: sonrisas falsas, caniches, simuladores de rock por números. Rock para gente a la que no le gusta el rock; pop en ropa de rock.

Un año después, las cosas comenzarían a cambiar drásticamente con la llegada de Guns N’ Roses, directamente de las calles de Hollyweird, bombardeados con neón y permanente. Pero tomaría tiempo para que su impacto se descargara por completo.

Sin embargo, primero llegó una banda británica que obtendría un éxito gigantesco desde el primer momento. Un grupo de valientes que se cargaron a todos que mostraron una verdadera visión, un coraje real y un gran estilo al quitarse su brillante piel de punk-pop para revelar el tipo de rock con caderas de serpiente, tra-la-la y adicto a los riffs.

Eran The Cult, y fueron odiados tanto como alguna vez fueron amados y lo sabían…y simplemente no les importaba, y en 1987 se convertirían en los inverosímiles salvadores del rock, verdadero rock tatuado de hijos de la luna, con el lanzamiento de su tercer álbum, «Electric».

“Fue un momento tan emocionante. La energía todavía resuena para mí”, reflexionó el cantante Ian Astbury en 2013. “No teníamos ninguna intención consciente de objetivar la música. Fue puro instinto”.

De hecho, la grabación de «Electric» estuvo llena de intención consciente. Como dice ahora el bajista Jamie Stewart: «Hendrix, Cream, Zeppelin, AC/DC, Stones, estuvieron todos ahí, sí. Fue un paso intencional… Ian había perdido por completo el interés por el post-punk británico. Él solo quería hacer rock directo”.

Para aquellos que no lo vivieron, ahora es imposible imaginar lo impensable que era para una banda británica a mediados de los ’80 simplemente querer hacer rock. Con la prensa musical semanal todavía dominada por la ferozmente partidista New Musical Express, donde el término «rock» solo podía verse entre comillas mientras se sostenía en alto con unas pinzas, incluso tener el pelo largo se consideraba profundamente sospechoso.

Pero claro, Ian Astbury siempre había sido visto como algo sospechoso para la élite privilegiada de la prensa musical del Reino Unido. No importa que su primer grupo, Southern Death Cult, un cuarteto formado en Bradford en 1981, fuera una mezcla básica de gótico y punk que encontró al cantante bailando como si estuviera alrededor de un tótem con el pelo rojo de Bowie. Su banda sonaba más cerca de Siouxsie And The Banshees que de AC/DC. Pero no importa…nunca estaban del todo a la moda.

Southern Death Cult

Desde Bradford, pasando por Ontario, Glasgow, Liverpool, una temporada en el ejército y un curso acelerado de cirugía cerebral cuando escuchó «The End» (The Doors) mientras veía «Apocalypse Now», que describió como «una experiencia religiosa» a sus 19 años. El viejo Ian Astbury no era un gótico común y corriente con ojos de panda. Nacido para rockear, para ser salvaje, para presumir y robarte la novia, era el gold frontman. Sin embargo, aparte de un artículo hilarantemente pretencioso de Paul Morley en New Musical Express, Southern Death Cult siguió siendo un nicho de interés. Un culto sin causa.

Luego vino Death Cult, formado en 1983 por Astbury y los exmiembros de Theatre Of Hate, el guitarrista Billy Duffy y el batería Nigel Preston, al que pronto se uniría en el bajo Jamie Stewart: “Yo era un guitarrista que se convirtió al bajo solo para poder unirme a Death Cult.”

Theatre of Hate

Desde el primer día, los líderes de la banda siempre fueron Astbury y Duffy. Este último era de Manchester y de linaje real punk, habiendo estado en The Nosebleeds cuando presentaban a un cantante inquieto y dolorosamente tímido llamado Steven Morrissey, más tarde de The Smiths.

Theatre Of Hate, cuyo álbum debut fue producido por Mick Jones de The Clash, cuestionó las credenciales punk del malhumorado Duffy, pero el primer concierto al que asistió fue a ver a Queen en el Palace Theatre de Manchester en 1974.

Era un escenario negro, la guitarra tocaba un acorde D, que he arrancado un millón de veces, y Freddie Mercury apareció en una ventana con solo su rostro visible”, recuerda Duffy en su sitio web. “Luego, cuando comenzó la canción, todas las luces del escenario se iluminaron. Toda la banda estaba vestida de blanco y Brian May llevaba una capa. Esa experiencia, que está impresa de manera totalmente indeleble en mi mente, me hizo darme cuenta de que quería hacer eso para ganarme la vida”.

En octubre de 1985, llegó su segundo álbum, «Love», su gran avance en las listas de éxitos. El sonido de «Love» era el sonido de The Cult in excelsis. Pesado, relámpago dramático, gótico, psicodélico. Sin embargo, dice Stewart, «las críticas iniciales de Love fueron terribles». Afortunadamente, a su creciente base de fans de chicos de ojos tristes les encantó. Pero fueron los recién llegados, los curiosos de Cult, quienes hicieron el álbum y los tres sencillos lanzados a partir de él: «She Sells Sanctuary», «Rain» y «Revolution», significativos en las listas de éxitos.

Supervisado por el productor londinense Steve Brown, que acababa de diseñar éxitos para ABC y Wham!, pero que se había formado como ingeniero en los ’70 con Thin Lizzy, Dire Straits y Boomtown Rats, «Love» era el lugar donde The Cult conocieron su futuro. O eso parecía. “Hasta Love solo estábamos tratando de sacar nuestras influencias”, dice Stewart. “Ahora éramos más nosotros mismos”.

La banda perfecta se encuentra con el productor perfecto, que hace el álbum perfecto para tiempos imperfectos. En el verano de 1986, cuando terminó la gira, Beggars Banquet estaba comprensiblemente ansioso por reunir a la banda y al productor para hacerlo todo de nuevo, solo que esta vez incluso mejor. Se reservó tiempo en los lujosos estudios Manor de Richard Branson en la campiña de Oxfordshire, y el presupuesto se estableció en un nivel alto, apropiadamente deslumbrante. Nada, seguramente, podría salir mal. A «Love» le seguiría un álbum llamado… «Peace». The Cult finalmente tenía la fuerza con ellos.

The Manor Studios

“Empezó como emocionante”, dice Stewart. “Estábamos saliendo de un éxito, así que pensamos, está bien, vamos a ver si podemos repetir ese éxito: una especie de segunda parte de Love. Los riffs y los acordes estaban más o menos en esa línea”.

Sin embargo, tres meses más tarde, cuando la grabación estuvo completa, se hizo evidente para todos: “que era simplemente… exagerado. Sobrecocinado. En ese momento, estaba tratando de que me gustara, pero se la puse a algunas personas y pensé: ‘todas estas pistas son demasiado largas y están pasando muchas cosas en ellas’. Pero se necesita mucha botella y compromiso para renunciar a eso y decir ahora mismo, no vamos a lanzar esto, vamos a hacer algo completamente diferente”.

De hecho, fue la evidente falta de compromiso de Astbury lo que finalmente condenó las sesiones de Manor, como se las conoció. “Estaban muy poco preparados”, recuerda Steve Brown. Astbury, en particular, insiste, estaba «extremadamente ausente». En «Love» hubo un intenso período de preproducción en un estudio de ensayo residencial, trabajando en el material. “Fomentó un espíritu de equipo. Iba a ver a Ian por la noche y repasábamos las letras y esas cosas. Pero a todos nos lanzaron a las sesiones de Manor… Era una atmósfera muy diferente”.

El material simplemente no estaba allí de la forma en que había estado en el álbum «Love», dice Brown. “No habíamos tenido ninguna preproducción. Tuve algunas demos ásperas, y solo estábamos grabando sin ensayar, con lo que realmente no me siento cómodo en absoluto. Uno de mis dichos es: mide dos veces, corta una”.

Pero había otro elemento en su inquietud. “Creo que Ian estaba a la deriva, mentalmente, a través del Atlántico. No creo que estuviera interesado en ir a la mansión de Richard Branson para grabar un álbum británico. Creo que alguien estaba al otro lado del Atlántico en Nueva York, estudiando graffiti, rock and roll, AC/DC y todo ese tipo de cosas. Si hubiera tenido las agallas y la edad, tal vez, habría puesto freno a todo el álbum e ido a la compañía discográfica y dicho: ‘No, no estamos allí. Tenemos que ir a reunir el material y hacer algo de preproducción”.

«Sin embargo, el mundo no funciona así. Tienen audiencias por ahí con ganas de otro álbum. Pero la vibra no estaba allí. No estábamos pensando en Sanctuarys o Rains o Revolutions. Simplemente no aparecían».

Aunque se niega a dar nombres, está claro que el «otro elemento» al que apunta Brown es el productor estadounidense Rick Rubin. Un hombre corpulento con camisas surf y pantalones de camuflaje caqui, con su enorme barba desaliñada y sus característicos gafas de sol envolventes. En estos días Rick Rubin se parece a un Orson Welles hippie.

Rick Rubin (1986)

A Rubin le gusta ir descalzo a las reuniones, defiende una filosofía zen de vegetarianismo y ley kármica, y mientras habla toca con los dedos un rosario budista de lapislázuli, cierra los ojos y se mece en silencio mientras escucha atentamente la música, antes de pronunciar juicio gnómico. Su voz es sorprendentemente suave y siempre tranquilizadora, y muchos de los artistas con los que ha trabajado durante los últimos 30 años se refieren a él simplemente como El Gurú.

Pero todo eso vino después de que trabajó con The Cult. En ese entonces era un chaval de 23 años de Lido Beach, en Long Island, que todavía comía pizza y hamburguesas, aunque no bebía. La música había sido su pasión desde que Rubin podía recordar. Curiosamente, considerando la carrera que iba a tener, amaba a The Beatles pero “nunca me gustaron realmente los Stones”.

“No tengo entrenamiento, ni habilidad técnica”, insistió Rubin, aunque podía tocar la guitarra y claramente sabía manejarse en un estudio de grabación, “es solo esta capacidad de escuchar y tratar de entrenar al artista para que sea lo mejor que pueda desde el principio, desde la perspectiva de un fan”.

Cuando comenzó a trabajar con The Cult, ya había producido álbumes que definieron su carrera para The Beastie Boys («Licensed To Ill»), LL Cool J («I Need A Beat») y, más recientemente, «Reign In Blood» para Slayer. También produjo «Walk This Way», el primer gran éxito cruzado de rock y rap, para Run DMC y Aerosmith.

Rick Rubin con Run DMC (1988)

También era un devoto fan de AC/DC. “Estaba en el estudio en Nueva York una vez y Rubin estaba en el estudio de al lado, sentado allí con todos estos álbumes de AC/DC en el escritorio frente a él, usándolos para asegurarse de que tenía la batería y la guitarra correctas”, recuerda el ex productor de AC/DC, Tony Platt. “Eran como su plantilla para el futuro”.

Como recordó Rubin más tarde: “cuando estoy produciendo una banda de rock, trato de crear álbumes que suenen tan poderosos como Highway To Hell. Ya sea The Cult o Red Hot Chili Peppers, aplico la misma fórmula básica: mantenlo escaso, haz que las partes de guitarra sean más rítmicas. Suena simple, pero lo que hizo AC/DC es casi imposible de duplicar”.

RHCP con Rick Rubin

Pero eso no impidió que intentara.

Jamie Stewart recuerda que fue Astbury el principal impulsor del abandono del álbum «Peace», y con él los servicios de Steve Brown, y el traslado de la banda a los estudios Electric Lady en Nueva York para comenzar de nuevo con Rick Rubin.

Brown recuerda: “recibí una llamada telefónica para darme la noticia de que habían decidido irse a Nueva York y grabar con Rick Rubin”. La banda también había despedido a su equipo de gestión del Reino Unido y firmó con Frontier, una poderosa compañía con sede en Los Ángeles. “Así que puedes ver una ruptura clara justo allí. Ver que alguien se ha ido: ‘Bien, vamos a tomar América. Y no queremos hacerlo como una banda británica, queremos hacerlo como una banda pseudo estadounidense’”.

«Las vibraciones simplemente no eran las correctas», dice Stewart. “A Ian le gusta la vibra. Ian preferiría grabar donde los Stones grabaron algo famoso, como los estudios Olympic en Londres. Ian había seguido adelante. Había vuelto a escuchar más blues, y a los Beastie Boys”, cuyo «Fight For Your Right», un éxito en ese momento, encontró a Rubin robando «High Voltage» de AC/DC para el riff. “Ian simplemente perdió interés en la reverb, el eco, la gran pared de ruido que teníamos en Love. Había perdido interés en él casi antes de que empezáramos a grabar, y se interesó aún menos a medida que avanzábamos”.

Todas menos cuatro de las pistas que terminaron en «Electric», incluida una versión horriblemente laboriosa de «Born To Be Wild» de Steppenwolf, se habían grabado originalmente en Manor. Sin embargo, solo uno de los cuatro, «Lil ‘Devil», con su riff y letras a lo Jagger con labios ardientes, tuvo un impacto real, dando a la banda su sencillo más exitoso en Gran Bretaña hasta el momento. Los otros siete temas fueron rehechos y remodelados por Rubin.

“Hubo algunos riffs de guitarra geniales que estaban en las sesiones [de Peace] que se perdieron en las sesiones [de Electric] debido al cambio total de sonido”, dice Stewart. “Estoy pensando en Electric Ocean y la primera versión de Love Removal Machine…pero teníamos que hacerlo”.

De hecho, la versión de «Peace» de «Electric Ocean» tenía un riff maravilloso que falta por completo en la versión de «Electric», que es más trepidante. «Love Removal Machine» tenía el mismo riff ‘prestado’ de «Start Me Up» de los Stones que en «Peace», pero era más corto, más cuidado, hasta su nuevo final, otro momento ‘prestado’, esta vez de «Heartbreaker» de Led Zeppelin: esos gloriosos 90 segundos al final donde Page se deshace de las complejidades. Otra pista fundamental de «Electric», «Aphrodisiac Jacket», con su riff cachondo y descendente, evoca desvergonzadamente «Tales Of Brave Ulysses» de Cream.

Sin embargo, la apropiación más evidente de un riff de guitarra de rock clásico se encuentra en la pista principal, «Wild Flower»: una réplica exacta del riff de «Rock ‘N’ Roll Singer» de AC/DC. «Había mucho AC/DC en ese momento, es cierto», dice Stewart con una sonrisa. “Fue como…este es más el sonido que buscamos ahora. Tratando de aclimatarse a este nuevo paisaje sonoro donde la guitarra rítmica es a menudo el riff”.

No es como si AC/DC, Zeppelin o los Stones nunca «tomaran prestado» de otros. “Billy me dijo hace algunos años que había hablado con Angus Young sobre ese riff [Wild Flower] y se disculpó, y Angus dijo: ‘No te preocupes por eso. Todos tomamos cosas prestadas todo el tiempo’”.

Lanzado en marzo de 1987, «Electric» dividió a todos. Las revistas de hard rock actuaron de manera sospechosa, ¿qué están tratando de hacer estos punks?. Las biblias de la nueva ola también olían a rata, por diferentes razones. Incluso algunos de los fans de la banda estaban francamente desconcertados. En lugar del polvo de hadas brillante de «Love», ahora había riffs de guitarra fuertemente comprimidos. El tipo de sonido alto, seco, que suena genial saliendo de los diminutos altavoces de la radio o estéreos baratos bramando por la ventana y haciendo las delicias de los vecinos.

«Perdimos mucho de la audiencia gótica británica en ese momento, pero aún conservamos un montón», dice Stewart. “Tal vez la mitad de los fans de Mission y las personas a las que les gustaba ese tipo de cosas dijeron: ‘esto de Electric no es para nosotros’. Pero la mitad de la gente a la que le gustaba Love también podía llevarse bien con Electric, a pesar de que era un gran cambio. No se suponía que hicieras eso y, sin embargo, lo hicimos”.

En Estados Unidos también hubo un replanteamiento apresurado entre sus seguidores existentes. “La radio universitaria, que estaba completamente interesada en Love, no estaba tan interesada en Electric. Pero luego había toneladas de estaciones de rock clásico en los Estados Unidos que habrían estado dispuestas a escucharlo. Después, de una forma u otra, en Gran Bretaña también despegó”.

Al igual que con «Love», hubo tres sencillos exitosos en «Electric»: «Love Removal Machine», «Wild Flower» y «Lil’ Devil», solo que esta vez también comenzaron a escalar las listas estadounidenses. Al igual que «Love», «Electric» también llegó al número 4 en el Reino Unido. A diferencia de «Love», «Electric» también alcanzó el Top 40 de EE. UU. y finalmente vendió más de un millón de copias allí.

A finales de 1987, cuando la gira mundial que siguió finalmente llegó a su fin, The Cult había demostrado que sus escépticos estaban equivocados y trazó una hoja de ruta para todos los que ahora los seguirían, entre ellos Guns N ‘Roses, que fueron sus teloneros en la etapa norteamericana de la gira de verano de 1987.

Hablando tres décadas después, Billy Duffy lo expresó así: “anunciamos un cambio que culminó con que todos compraran Appetite For Destruction, y nos trataron mal por ponernos de pie y decir que la música rock orgánica no tiene nada de malo. Ian lleva su corazón en la manga y muestra dónde está con su vestimenta. Estábamos en el hard rock, pero no éramos una banda de metal, y la prensa musical inglesa se asustó por eso. No tenían ni idea de lo que estábamos haciendo”.

Durante la gira, Duffy sugirió que necesitaban un segundo guitarrista para tocar material eléctrico en vivo. Así que entró el ex bajista de Zodiac Mindwarp, Kid Chaos. “Fue difícil encontrar a alguien más, porque no estábamos en el terreno de Whitesnake y ya no estábamos en el campo punk”, explica Stewart. “Necesitábamos a alguien en sintonía con The Cult, y eso no iba a ser fácil”.

Estuvieron en la carretera, golpeando el cielo, durante ocho meses. Al final de la misma, la banda estaba casi terminada. «No había drogas, eso nunca fue realmente lo nuestro», dice Stewart. “A Ian le gustaba el vino y a Billy le gustaba Jack Daniel’s. Entonces alguien decidió que destrozar equipo sería una buena idea, y ese fue el principio del fin, de verdad”.

Cuando, en la última noche de su gira australiana, Kid Chaos «le regaló su amplificador de bajo a un niño de la audiencia», fue la gota que colmó el vaso.

De vuelta a casa para la Navidad de 1987, un año exactamente desde que terminaron de trabajar con Rick Rubin en «Electric», The Cult ya no sabía lo que quería, solo sabía lo que no quería. Warner fue despedido poco después. Kid Chaos volvió con Zody. Astbury, Duffy y Stewart “huyeron el uno del otro, y The Cult quedó en suspenso forzoso durante casi nueve meses, cuando comenzaron a trabajar en el siguiente paso hacia el estrellato estadounidense, con el productor canadiense Bob Rock, con quien harían el álbum multi-platino «Sonic Temple», que sacude el planeta. Después de eso, Guns N’ Roses les robó a su nuevo batería Matt Sorum para que los ayudara a hacer los dos álbumes «Use Your Illusion», y Metallica se unió a Bob Rock para grabar su propio megaéxito, «The Black Album».

Sin embargo, fue con el álbum «Electric» que comenzó la verdadera revolución del rock. De pie sobre los hombros de gigantes como Zeppelin, AC/DC y los Stones mientras producían un clásico deslumbrante tras otro. El tipo de álbum que Aerosmith, entonces recientemente rejuvenecido, solo podía soñar con hacer.





ESP Phase 1: el 14 de enero

16 12 2021
Coming January 14: ESP Presents 2022 Phase 1

Como cada año ESP empieza a mover ficha para mostrar sus novedades 2022 con ESP Presents 2022 Phase 1, el primero de varios eventos de transmisión de vídeo y que podrás ver gratis en el sitio de ESP. En esa transmisión podrás encontrar entrevistas con artistas de ESP Signature, demos en vivo, un montaje completo de la galería de toda la colección Phase 1, una entrevista nunca antes vista de los archivos de ESP con el difunto Jeff Hanneman de Slayer

Además se está planeando varios eventos de ESP Presents. La Phase 1 solo destaca las guitarras que estarán disponibles entre ahora y la primavera de 2022. Los eventos posteriores de ESP Presents incluirán más guitarras y bajos, y más grandes artistas y demos de ESP.





Dean lanza la primera «signature» Kerry King

15 11 2019

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Dean USA Kerry King V Limited Edition

Dean anunció recientemente la incorporación de Kerry King a su lista de artistas, y ahora la compañía ha presentado su primera colaboración con el guitarrista Slayer, la USA Kerry King V Limited Edition. Dean solo fabricará 50 unidades de la nueva V a un precio de $8,666.

Para empezar, hay un cuerpo de caoba en forma de Kerry King V con una tapa de arce biselada, un cuello de arce de tres piezas con forma de C y un diapasón de ébano de 24 trastes jumbo con inlays personalizados de madreperla, piedra y ébano. Los marcadores laterales son LED de fibra óptica. También incorpora un puente Kahler KFK, tuerca Floyd Rose R2 y sintonizadores Grover.

Las pastillas son una Sustainiac en el mástil y una EMG 81 con EMG PA2 Preamp Booster en el puente.

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Jackson incorpora a Rob Caggiano a su lista de artistas

30 06 2019

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Rob Caggiano

Jackson ha dado la bienvenida al guitarrista de Volbeat, Rob Caggiano a la familia.

A lo largo del verano de 2019, los fans verán al guitarrista nacido en el Bronx usar prototipos de su nuevo modelo Jackson en el Knotfest Roadshow de Slipknot con Gojira y Behemoth, así como en la próxima gira mundial de Volbeat, «Rewind, Replay, Rebound». Caggiano y Jackson pasarán el verano y el otoño perfeccionando los nuevos instrumentos para un debut oficial a principios de 2020.

«Estoy más que emocionado y orgulloso de ser parte de la familia Jackson», dijo Caggiano. “Las guitarras Jackson tuvieron un gran papel para mí en mis años de formación como guitarrista. Además del hecho de que algunos de mis guitarristas favoritos cuando crecí también eran de Jackson: Randy Rhoads, Marty Friedman, Scott Ian, por nombrar algunos, me enamoré de una pequeña y peculiar guitarra llamada Jackson Outcaster a mediados de los noventa. Rápidamente se convirtió en mi guitarra principal durante unos años».

«Me atrajeron de inmediato la forma y el aspecto de esa guitarra en aquel entonces y siempre sentí que se destacaba de una manera muy fresca. A lo largo de los años, ha sido un sueño recurrente volver a tomar esa forma y hacerla mía. Es muy emocionante para mí finalmente tener esa oportunidad ahora mismo y estar trabajando en este concepto uno a uno con tipos como Mike Shannon y ‘Red Dave’ Nichols y todo el equipo de Jackson Custom Shop ha sido un sueño hecho realidad para mí. Estos muchachos realmente son ‘magos al más alto nivel. Entre la comodidad, la increíble apariencia y el tono asesino que emite, estoy muy orgulloso de lo que hemos logrado hasta ahora».

Caggiano no es ajeno a los fans de Jackson. Aclamado músico, compositor y productor, se unió a Anthrax como guitarrista principal en 2001, apareciendo en el álbum de 2003 We have Come for You All y en 2004, The Greater of Two Evils. Estuvo en el escenario con la banda durante la famosa gira «Big 4» de 2010-2011 junto a Slayer, Megadeth y Metallica, y tocó y produjo el aclamado álbum de Anthrax, Worship Music.

A lo largo de los años, Caggiano también ha obtenido cinco nominaciones al Grammy como productor / guitarrista y ha trabajado con una gran variedad de artistas como Cradle of Filth, Anthrax, Volbeat, The Damned Things, H20, Jesse Malin e incluso Bruce Springsteen.

«Puedes escuchar mi nueva guitarra de la firma Jackson en todo el nuevo álbum de Volbeat, que saldrá el 2 de agosto», dijo Caggiano. «Estaré en la carretera con ellos este verano a partir de la gira Knotfest».





Guns N’Roses, Def Leppard, Slayer, Ghost, Megadeth y más en el EXIT 111 Festival

23 04 2019

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El festival Exit 111 se estrenará con una alineación de peso pesado que celebra todas las formas de rock, desde las más difíciles hasta las clásicas el próximo 11 al 13 de octubre en el Great Stage Park en Manchester, Tennessee.

Producido por C3 Presents y AC Entertainment, la sede del Festival de Música y Artes de Bonnaroo, se transformará en un patio de recreo de rock and roll con la alineación de estrellas que aparece en tres jornadas con 12 horas de música al día, campamentos y una variedad de actividades diseñadas específicamente para los asistentes al concierto. Esto marca el primer evento, más allá de Bonnaroo, en utilizar la granja de más de 700 acres.

Los asistentes confirmados son:

GUNS N’ ROSES
DEF LEPPARD
LYNYRD SKYNYRD
SLAYER
ZZ TOP
DEFTONES
GHOST
MEGADETH
COHEED & CAMBRIA
LAMB OF GOD
MASTODON
SEETHER
ALTER BRIDGE
GOJIRA
CHEAP TRICK
BLACKBERRY SMOKE
BLACK LABEL SOCIETY
MINISTRY
SKILLET
NOTHING MORE
SLEEPING WITH SIRENS
OF MICE & MEN
THRICE
WHITECHAPEL
POWER TRIP
BLACK STONE CHERRY
FEVER 333
GRAVEYARD
THE CADILLAC THREE
10 YEARS
FROM ASHES TO NEW
TYLER BRYANT AND THE SHAKEDOWN
NEW YEARS DAY
ALIEN WEAPONRY
BISHOP GUNN
DEAD SARA
PLAGUE VENDOR
DIRTY HONEY
TETRARCH
WATERMOX
KYLE SHUTT
O’BROTHER





La ESP de Gary Holt

24 02 2016

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Normalmente a ESP le gusta mostrar e informar sobre sus modelos para que sus cllientes puedan considerar adquirir uno de ellos. Sin embargo, en este caso, estamos seguros de que sólo una de estas guitarras se fabricará

El sábado 23 de enero en el 2016 NAMM Show, el endroser de ESP, Gary Holt (Exodus / Slayer) fue programado para hacer una presentación en vivo, lo que hizo para el deleite de los cientos defans del thrash metal que asistieron. Pero en medio de su actuación, la música se detuvo mientras que Gary invitó aclamado artista de Vincent Castiglia al escenario para una presentación especial. Castiglia desveló una obra de arte que habían sido encargada por Holt: un ESP Eclipse pintada en su totalidad con la sangre del propio Gary.

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Extracción de la sangre de Gary para el acabado de su ESP Eclipse

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Vincent Castiglia y Gary Holt muestran la ESP Eclipse

Si, has leido correctamente. Todo el acabado de la guitarra fue creado con 18 viales de sangre del propio Gary, que fue extraida entre bastidores después de un show de Slayer en Long Island, Nueva York.

«La pieza es histórica, que yo sepa esta es la primera guitarra funcional en la historia que se ha creado en su totalidad con la sangre del músico. Eso lo pone en una posición única, ya que es una pieza funcional que conmemora la vida y obra de Gary Holt con su sangre».

Gary no había visto la guitarra hasta el momento en que se reveló en el NAMM. «Fue muy emocionante finalmente ser capaz de revelar la guitrra pintada con 18 viales de mi propia sangre en la NAMM de este año!», dice.

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Cabe recordar que la idea no es nueva: Steve Vai ya utilizó su propia sangre (aunque disuelta en pintura roja en una proporción de 8:1) como parte del acabado en la Ibanez JEM2KDNA, una edición lmitada de 300 unidades para todo el mundo. Fueron pintadas por Darren Johansen (About Time Designs) en Japón…

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Ibanez Jem 2KDNA

Hay que reconocer que la ESP es la primera acabada exclusivamente con sangre.





EMG Red Series, GH y GTV

11 02 2016

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EMG 81 & 85 (RED)

EMG ha lanzado como novedad para 2016 su nueva RED Series. Se trata de los modelos de EMG disponibles ahora con una cubierta roja. Así puedes encontrar los modelos 81, 85, 57, 66 y el Set 57/66 con este (llamativo) acabado.

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EMG 57 (RED)

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EMG 66 (RED)

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EMG 57/66 Set (RED)

EMG presenta el nuevo Gary Holt Set, el EMG GH Set. Gary ha sido desde hace mucho tiempo artista EMG, desde sus primeros días en la banda de metal de la bahía de San Francisco, Exodus. Ahora, como miembro permanente de Slayer, Gary Holt se ha ganado su lugar en la historia del metal y el set GH ejemplifica su sonido. Durante años, EMG ha creado cubiertas de pastillas rojas sólo para Gary. Ahora, gracias a él, las pastillas EMG RED Series están disponibles para el público. El conjunto de GH incluye un EMG 81 en el puente y una EMG 89R en la posición del mástil. La 81 proporciona todo el crunch y sustain que Gary necesita. La 89R desempeña una doble función como humbucker y single coil con su propio preamplificador y bobina para verdaderos sonidos de single coil sin zumbidos.

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EMG GH Set

También se han presentado las nuevas pastillas de signature Glenn Tipton, la EMG GT Vengeance Set. Conocido por sus tonos de guitarra masivos, Judas Priest inspiró a generaciones de fans del metal y Glenn era la piedra angular de ese sonido. Después de haber usado la EMG 81 durante más de una década, Glenn Epidió a EMG algunas modificaciones para expandir su paleta de sonido. Glenn se embarcó en un viaje de cinco años que lo llevó a su nueva pastilla GTV. Este set es diferente a cualquier otro set EMG en cuanto a tono. Usando imanes cerámicos y de acero, las EMG GTV mantienen una alta salida con una gama media rica y suave. Con su ataque y claridad sorprendente, e incluso respuesta de todo el espectro de audio, las EMG GTV ofrece todo el punch que Glenn Tipton necesita. Este set está disponible con las clásicas cubiertas negras y con las nuevas cubiertas rojas.

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EMG GTV

 





Tombstone Cases y ESP en la NAMM

15 01 2015

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Siguiendo con la ofensiva de ESP Guitars con motivo de su 40 aniversario, ESP lanza Tombstone Cases, productos que usan procesos e reproducción digital de alta resolución para personalizar los estuches con imágenes. Cada uno de los modelos se adapta perfectamente a los diferentes modelos ESP: EC/MH/F/Viper/EX/V/B.Bass

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Además, para la inminente NAMM, ESP tiene programados una serie de conciertos-demo por diferentes artistas ESP que incluyen…

Thursday January 22
10:30: Syu – Galneryus
11:30: Frank Bello – Anthrax
1:00: Alex Skolnick – Testament
3:00: George Lynch – KXM

Friday January 23
11:00: Frank Bello – Anthrax
12:30: Alex Skolnick – Testament
2:30: George Lynch – KXM
4:30: Syu – Galneryus

Saturday January 24
11:00: Javier Reyes – Animals As Leaders
12:30: Gary Holt – Exodus/Slayer
2:30: Marco Mendoza – The Dead Daisies
4:30: Jason Charles Miller – Solo Artist

Sunday January 25
11:00: Francesco Fareri – Solo Artist
1:00: Eric Calderone – Solo Artist
3:00: Luis Kalil – Solo Artist

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ESP LTD Jeff Hanneman Tribute 2014 y Limited Edition LTD «Ride the Lightning»

18 07 2014

ESP LTD

ESP LTD Jeff Hanneman Tribute 2014 Urban Camo

ESP Guitars ha presentado la nueva edición limitada LTD JH Tribute 2014 Urban Camo en la Summer NAMM. Se basa en la icónica ESP «Urban Camo« de Hanneman, y una parte de los ingresos de las ventas de la JH Tribute 2014 irán al «Wounded Warrior Project», una organización benéfica que el guitarrista apoyó de forma activa. Se producirán sólo 100 piezas de este modelo conmemorativo especial.

La LTD JH 2014 Urban Camo toma el acabado «camuflaje urbano» en multitonos de gris de la ESP Hanneman Signature, y lo pone por primera vez en una versión LTD. Incorpora un diseño «neck trough body«, cuerpo de aliso, mástil de arce y diapasón de ébano. De acuerdo con la preferencia de Hanneman, la guitarra incluye un tremolo Kahler Hybrid y set EMG 85+EMG 81.

Jeff Hanneman fue miembro fundador de la influyente banda de thrash metal Slayer y uno de los compositores principales de la banda. Junto con el guitarrista Kerry King y el bajista/vocalista Tom Araya, Hanneman ayudó a fundar Slayer en 1981, cuando los miembros de la banda estaban todavía en su adolescencia. Su trabajo como guitarrista y compositor fue de enorme importancia para el mundo del metal y muchos guitarristas cuentan a Hanneman entre sus principales influencias. Endorser ESP desde el año 2000, Hanneman falleció el 2 de mayo de 2013 a los 49 años.

Limited Edition

Limited Edition LTD «Ride the Lightning»

«ESP y los guitarristas de Metallica James Hetfield y Kirk Hammett tienen una relación que se remonta a más de dos décadas«, dice Matt Masciandaro, Presidente y CEO de ESP Guitar Company. «El año pasado, lanzamos con éxito una guitarra de edición limitada para el 30 aniversario de su primer álbum, Kill ‘Em All. Estamos contentos de ofrecer otra nueva guitarra centrado en Metallica para coleccionistas y aficionados».

ESP planea producir sólo 300 unidades de la LTD «Ride the Lightning«, haciendo de cada uno un codiciado coleccionable debido a su relativa rareza. Sus características incluyen un cuerpo de aliso con mástil de arce (bolt-on) y un diapasón de ébano con 24 trastes XJ. Set de pastillas EMG 60 (mástil) y EMG 81 (puente), puente TOM y diseño string-thru-body.
El álbum «Ride the lightning» ayudó a establecer a Metallica como un serio contendiente en la arena de metal y le llevó a su primer contrato con una gran discográfica en 1984.





Soundcity

21 02 2012

El líder de Foo Fighters, Dave Grohl, lanzó un sitio web para su próximo documental Sound City, los esudios donde Nirvana grabó Nevermind.
 «Cuando Sound City cerró el año pasado, fue un día muy triste. Ese lugar era como un santuario», dijo Grohl. «La lista de personas que grabó allí  se puede considerar un Rock & Roll Hall of Fame virtual: Neil Young, Fleetwood Mac, Tom Petty, Cheap Trick, Slayer, Rage Against the Machine, Weezer, Metallica – y Nirvana»
Para celebrar el legado del estudio, Grohl invitó a un ecléctico elenco de músicos para registrar una serie de jam sessions especiales. Hasta el momento, sabemos que la lista incluye a Corey Taylor (Slipknot), Stephen Pearcy y Warren DeMartini (Ratt)Rick Nielsen (Cheap Trick’s).
Algunos otros nombres que podemos adivinar visonando el trailer… Trent Reznor, Brad Wilk (Rage Against the Machine), Josh Homme, Mick Fleetwood, Lindsey Buckingham, Lars Ulrich, Stevie Nicks.
«Grabamos Nevermind en el año 1991 en esa vieja casona tenía la mejor habitación para sonorizar la batería del mundo. Ese sonido del batería al principio de» Smells Like Teen Spirit «- eso es Sound City. Decidí hacer una película sobre ese sentimiento que tienes cuando se ponen cinco chicos en una habitación, se pulsa ‘record’ y se te pone la carne de gallina… listo para algunas jam sessions épicas «.








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